Euterpe

Sì

2011-03-09T00:17:00.002+01:00

Questo blog fa schifo ed è lasciato a se stesso.
Forse ripartirà in un futuro non troppo remoto, ma non ci farei tanta fede.
Non credo mancherà.

Tormentoni Settimanale - Destrudo di Dead Elephant

2011-02-14T01:35:00.003+01:00

Dead Elephant - Destrudo

TORE RECORDS

Ecco il mio regalo di San Valentino per tutte le coppiette del globo terracqueo.

I Dead Elephant sono il migliore gruppo post-metal italiano. Punto.
Vengono da Cuneo, la città più rumorosa d'Italia, e nascono diversi anni fa dalle ceneri degli Elephant Man; il loro primo disco Lowest Shared Descente risale al 2007, dall'impatto di una badilata sul filo della schiena, riscosse enorme successo nel sottosuolo italiano. Dopo un po' di concerti e di cambi di formazioni di loro non si seppe più niente, fino al Settembre 2010 quando annunciarono tramite myspace le registrazioni del nuovo disco.
A breve uscirà la loro nuova fatica dal nome Thanatology, uscirà solo in formato musicassetta e sarà licenziata sotto Tore Recordings, un'etichetta del Texas specializzata in frange estreme del frastuono.

Per gli amanti delle curiosità:

La grafica del nuovo album è stata affidata al celebre illustratore Danijel Zezelj (per chi non conosce, di corsa sul sito ufficiale!) e - manco a dirlo - è fenomenale.
Dal post myspace sul loro nuovo disco: "Thanatology aims to investigate the process of acceptance of loss.Musically the core of the album is represented by the elegant meeting between the acclamed Dead Elephant gentle and well-mannered approch and the funeral march of South Italy." (!!!)
Da Wikipedia, l'Enciclopedia Libera: "La destrudo si contrappone alla libido. Infatti, mentre la libido è lo stimolo a creare, un'energia che proviene da Erosi (pulsione di vita), la destrudo è lo stimolo a distruggere, è l'essenza di Thanatos (pulsione di morte)."

Violet Sedan Chair, o come fare del guerrilla marketing per serial-tv un modo per fare bei dischi

2011-02-01T00:11:00.004+01:00

J.J. Abrams è per il mondo delle sit-com quello che Houdini è per il mondo dell'escapologia. 
Che c'entra questo paragone? Niente!
 Che c'entra parlarne in un blog di musica? Ancora meno! 
In realtà la musica c'entra e come, per parlare di una delle recenti trovate che il celebre sceneggiatore ha ideato per far parlare della sua ultima fatica televisiva Fringe. 
Fringe è un telefilm, attualmente alla terza serie, che unisce fantascienza, parapsicologia e investigazione per certi versi molto simile Lost, altra famosa creatura di Abrams. Grande appassionato di nuovi media e guerrilla marketing, ad ogni sua uscita lo sceneggiatuore si è sempre ingegnato per creare delle tecniche "virali" per far parlare dei suoi film e telefilm, suscitando l'interesse di fan e potenziali tali. 
Per ispessire i misteri dietro la trama di Fringe, Abrams si è avvalso di un gruppo musicale chiamato Violet Sedan Chair che in pochi giorni è diventato un fenomeno in internet. Il tutto è cominciato circa due anni fa quando Abrams, intervistato dalla rivista Wired, citò i Violet Sedan Chair affermando che una loro canzone ascoltata su diversi giradischi contemporaneamente provoca effetti allucinogeni. Ma quel gruppo non è mai esistito, almeno nella realtà, e nessuno ne ha mai risentito parlare fino a quando, nell'episodio del 10 Dicembre del 2009, lo scienziato stralunato Walter Bishop (uno dei protagonisti interpretato da John Noble) non ha citato il gruppo Violet Sedan Chair come uno dei suoi preferiti per riprendersi da una sbornia da valium. Poi ancora, nell'episodio Firefly andato in onda lo scorso 21 Gennaio negli USA, il leader del gruppo in questione è diventato il punto focale nella narrazione di Fringe; da qui è nata una confusione mediatica su forum, blog e vari social network che non è ancora finita e non sembra voler placarsi. 
Per tutti gli appassionati della serie e di J.J. Abrams scoprire che i Violet Sedan Chair non esistono affatto non è certo bastato per eliminare la curiosità che hanno suscitato, e in breve si è scoperto che da circa un paio di mesi sono stati avvistati dei vinili chiamati dei Violet Sedan Chair chiamati Seven Suns in alcuni negozi di dischi indipendenti d'America, a quanto pare in edizione limitatissima (si parla di 500 copie). Sono passati altri pochi giorni e l'album è finito per intero sulla piattaforma digitale SoundCloud (trovasi condivisa a fondo post), nella quale è già stato ascoltato centinaia di volte, mentre foto, citazioni e video sono stati scoperti in tutto internet ad infittire gli enigmi dietro ai Violet Sedan Chair.
C'è già chi parla di messaggi nascosti e indizi per la serie nei titoli e nei testi delle canzoni, come anche chi incoraggia di ascoltare il disco al contrario o di ascoltarlo seriamente in contemporanea su diversi giradischi; fatto sta che migliaia di fan alla ricerca sfrenata di anticipazioni sono ancora in fermento e continuano a decifrare le montagne di piste che sono state fiutate.

Ad oggi è sicuro che:
 1. Violet Sedan Chair è l'anagramma – fra i tanti possibili - di Olive Can Read This (Olivia è il nome di uno dei protagonisti interpretato da Anna Torv) e che questa frase potrebbe essere la chiave per risolvere molti enigmi irrisolti;
 2. Nella tracklist della cover è riporata una undicesima canzone, chiamata Greenmana, non presente sul vinile;
 3. Alcune canzone parlano palesemente dei personaggi di Fringe;
 4. Nella cover del disco sembrano essere presenti diversi indizi e richiami simbolici, come l'immagine stilizzata di Olivia, dei tulipani (un episodio della seconda serie si chiamava Tulip), il logo dell'eticheta discografica 13th Tone;
 5. È stato postato su youtube un video dei Violet Sedan Chair (forse la mancante undicesima canzone?) con tanto di innumerevoli simbolismi e un codice binario fra i commenti dell'autore che non è stato ancora ben decifrato; 
6. Non si ha la benché minima idea di chi possa essere il gruppo che ha inciso le canzoni (ricordiamoci che J.J. Abrams è anche un musicista, sua è la singla della serie televisiva in questione); 
7. Il disco è comunque molto bello;

  Esatto!
Seven Suns, aldilà della trovata pubblicitaria, è un disco veramente gradevole ed interessante, che anche gli appasionati di musica troveranno piacevole ascoltare e consigliare. Nell'idea della sceneggiatura i Violet Sedan Chair sono un gruppo della scena folk-rock a cavallo fra gli anni '60 e '70, il periodo in cui gruppi storici come The Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, Byrds e Buffalo Springfield erano il simbolo di una America psichedelica, contestatrice e sperimentale, in musica e non solo.
J.J. Abrams è riuscito a commissionare (o a comporre) un disco che richiamasse l'atmosfera di quegli anni, riprendendone l'estetica e l'immaginario psichedelico e sfruttandoli con gusto e capacità. Se non fosse per la qualità elevata e moderna dell'audio delle registrazioni, ben poco tradirebbe la freschezza dei brani che ricordano apertamente quei gruppi rivoluzionari che, partendo dalla California, hanno poi conquistato e influenzato tutto il mondo. Fra chitarre acustiche, assoli elettrici, riverberi dilatati e tastiere ipnotiche, Seven Suns è un disco che, anche senza alcuna strategia di marketing, avrebbe potuto conquistare il cuore sia di vecchi appassionati che nuovi ascoltatori, rievocando il suono di un'epoca magica.
Ad oggi non sono ancora stati rivelati tutti i segreti che si celano dietro l'album dei Violet Sedan Chair, né sono state fatte rivelazioni ufficiali sulla sua influenza effettiva nella serie, ma resta il fatto che non solo Fringe è una serie entusiasmante con milioni di spettatori in tutto il mondo e mette in pratica alcune delle più affascinanti tecniche di guerrilla marketing viste in giro, ma si può permettere anche di creare dei prodotti musicali di grande pregio che in fin dei conti non servono minimanente allo sviluppo della serie, ma vanno solo ad aumentare la fama e lo stato dell'arte del lavoro di J.J. Abrams.

Violet Sedan Chair - Seven Suns LP

Tormentone Settimanale - Get Some di Lykke Li

2011-01-13T01:03:00.003+01:00

Lykke Li - Get Some

Non mi ricordo dove ma da qualche parte ho letto che la Svezia è il terzo paese al mondo per impatto sulla musica, dopo U.S.A. e Inghilterra. Inoltre, la mia guida Lonely Planet di Stoccolma riporta che "la Svezia è il paese con più alto tasso di consumo pro capite di musica al mondo". Non mi metto a fare la lista, ma è vero come l'ovvio che lo stato dell'Ikea e di H & M ha portato al mondo centinaia di gruppi freschi, gustosi e originali; ancora oggi la musica della Svezia è attivissima e peculiare, basti pensare a Peter, Bjorn & John e a Robyn, e non manca di stupire con personaggi come la giovane Lykke Li.
Lykke è nata nel 1986, una figlia d'arte che per la maggior parte della sua vita non ha fatto altro che viaggiare. Il suo esordio risale al 2008, Youth Novels, è già allora si è distinta ottenendo critiche positive, elogi e premi. In questi due anni Likke Ly ha fatto diversi tour in giro per il mondo, qualche comparsata in dischi altrui e anche un brano per la colonna sonora di Twilight: New Moon; nel dunque ha trovato anche il tempo di registrare il nuovo disco Wounded Rhymes, che uscirà il prossimo 1 Marzo. Nel frattempo Lykke ha lanciato Get Some come singolo anticipatore ed io non posso fare a meno di cantarmelo in testa una ventina di volte al giorno.
Guardatelo in lungo e largo, questo video, e vi accorgerete Likke non è propriamente una bella ragazza, ma un fascino che rapisce, uno sguardo seducente che ti fa sputare l'anima, tutt'altro che erotico o banalmente eccitante, come anche le parole della canzone. Ricordiamoci che Lykke Li è svedese, è una donna emancipata, come ha dimostrato anche in una recente intervista su Pitchfork.com:

" It's not about being a sex prostitute. It's about this power play in the war of the sexes. It's a rat race, like, "I'm in charge," "No, I'm in charge." A lot of times females are in charge because they kind of have the pussy power. If they say, "I'm you're prostitute," then they mean, "I'm the power."

Per gli amanti delle curiosità:

Beck e Mike D hanno fatto ognuno un remix di Get Some.
Da Settembre dell'anno scorso Lykke Li è diventata testimonial per la collezione di abiti Curve Id della Levi's.
Appena uscì la canzone Get Some, sul sito ufficiale di Lykke Li era possibile visualizzare il testo della canzone e estrapolare delle frasi di questa per condividerle con gli amici tramite social network. Perché è sempre bello dire a qualcuno "I'm your prostitute". Comunque questa funzione sembra non esistere più.

Newsom e Spalding: yin e yang della nuova musica femminile

2010-12-28T17:04:00.006+01:00

Puntuali come la morte, a fine anno tutti i siti, giornali e blog del mondo della musica si fanno in quattro per stilare la lista dei migliori dischi, artisti e canzoni dell'anno, tramite una classifica numerata che è quanto di più freddo e asettico c'è nella musica. La verità è che sono pratiche molto auto-referenziali, fatte dai critici per i critici, e, rischiando di passare per inusuale mi permetto di perdere un po' di tempo per parlare solo di due musicisti, che in questo 2010 stracolmo di bei dischi (ce ne sono stati veramente tanti) hanno fatto da eccellenza.
Due musiciste, per la precisione, due donne in grande ascesa che questo anno hanno riconfermato le loro grandissimi abilità, primeggiando in molti aspetti su tanti protagonisti: Joanna Newsom ed Esperanza Spalding.
Entrambe statunitensi, entrambe dalla West Coast, entrambe sotto i 30 anni ed entrambe sono uscite con il loro terzo disco nel 2010, da quando le ho scoperte non posso fare a meno di ascoltarle; se passo una settimana senza sentire le loro note mi sento come se non baciassi la mia ragazza per un mese.
Io ho avuto la fortuna di vederle entrambe nei mesi scorsi, in occasione dei relativi tour promozionali: Joanna è passata Milano e Roma a Settembre, Esperanza solo a Roma a Dicembre; in tutti e due i casi i loro concerti mi hanno dato la sensazione di ascoltare quanto di più raffinato e sensazionale rappresentasse la musica delle nuove generazioni. Il lavoro di queste due ragazze non è relegato ad una nicchia, non corrisponde ai criteri estetici di un semplice genere musicale e non soddisfano un tipo esclusivo di pubblico; il loro modo di fare ha del sublime, del totale, la loro musica ha l'importanza storica dei grandi del passato, ed il fatto che siano delle donne, per giunta giovani, ad avere raggiunto questi risultati non deve essere motivo di sopresa o ammirazione, bensì deve dare la sensazione impalabile della rivincita di un sesso troppo a lungo discriminato.
Le ragazze rappresentano due mondi molto distanti della musica, eppure i loro profili hanno molto in comune e non mi sembra azzardato dire sono una la controparte dell'altra: lo yin e lo yang.
Lo yin è Joanna. Nata nel 1982 in California, proviene da una famiglia di musicisti, intellettuale e altolocata (suo zio era sindaco di San Francisco). Studiosa di pianoforte fin da piccola, ha scoperto l'arpa in gioventù e da subito è diventata un'estensione della sua personalità musicale. Abituata da sempre alla musica sperimentale e avanguardistica (il compositore minimalista Terry Riley era un suo vicino di casa, un po' come se un musicista italiano fosse stato inquilino di Luciano Berio o Luigi Nono), ha saputo ben unire la sua formazione alta con il folk - in particolare il folk degli Appalachi - e la musica indipendente nelle sue varie ramificazioni. Fin dal suo primo disco The Milk-Eyed Mender si è fatta notare, oltre che per il suo strumento inusuale nel pop, per la sua voce definita "indomabile" dalla rivista Wire, ma il vero successo è arrivato solo nel 2006 con il secondo disco Ys. In questo, grazie anche alla preziosa collaborazione negli arrangiamenti del musicista americano Van Dyke Parks (famoso per il disco Song Cycle del 1969 e per le sue collaborazioni con Brian Wilson), Joanna è riuscita a sbalordire tutta la scena musicale grazie alle sue abilità, sia di musicista che di compositrice, che gli hanno fatto guadagnare risalto e ammirazione. L'ultima uscita della Newsom, Have One On Me, ha riconfermato il suo spirito selvaggio e seminale. Un triplo disco per più di due ore di musica, in cui la musicista Californiana esplora ulteriormente le possibilità espressive della sua voce, i limiti della sua abilità compositiva e i canoni di quello che viene chiamato comunemente pop. In assoluto uno fra i migliori dischi dell'anno.
Lo yin è un mare di bianco, ma con un isola nera al suo centro, e se Joanna Newsom potrebbe sembrare l'appannaggio di un intellettualismo americano e W.A.S.P., in realtà la sua musica possiede anche una dimensione "black". La si ritrova innanzitutto nel suo modo di suonare l'arpa come una kora africana, piena di poliritmie e progressioni ritmiche che vanno oltre il semplice folk; inoltre nella sua recente uscita discografica si possono notare diversi arrangiamenti che sanno di jazz raffinato e celestiale (come Kind Of Blue di Miles Davis, e nessuno me ne voglia male se il paragone sembra azzardato).
Ecco il filmato di un'esibizione magnifica, in cui Joanna suona e canta con il cuore in mano rivelando la sua bellezza artistica.

Esperanza Spalding è invence lo yang, la parte black, questo anche perché rappresenta la nuova incarnazione del jazz americano.
Classe 1984, nata nell'Oregon, a Portland, frutto di un melting pot gallese, ispanico, nativo americano e afroamericano. Anche per lei la formazione musicale è cominciata in tenera età, complice una madre musicista che fin da piccola l'ha abituata a corsi di musica e accademie, forse per allontanarla dalla realtà da ghetto del suo quartiere. I primi studi musicali della Spalding sono cominciati a cinque anni con violino, per poi passare a oboe, clarinetto e violoncello, mentre l'innamoramento per il contrabbaso è avvenuto solo a 14. Da quel momento non lo abbandonerà mai più, se non per cantare.
All'età di 20 anni Esperanza era già diventata docente presso la prestigiosa Berklee College of Music e la sua carriera di musicista era in rapida ascesa; in due anni ha registrato due dischi, Junjo e Esperanza, dei quali l'ultimo è salito in cima alle classifiche americane di jazz e l'ha portata a suonare in giro per tutto il mondo, collaborando con musicisti affermati come Pat Metheny. Il suo stile musicale colorato, fatto di influenze da tutto il mondo e una ricerca continua di melodie e arrangiamenti, è accostato alla sua voce delicata come una farfalla ma potente come una leonessa, rendendo il suo ascolto un'esperienza affascinante e avvolgente.
L'ultimo disco Chamber Music Society ha rappresentato la vera svolta di Esperanza, la sua dichiarazione d'indipendenza artistica, il filo conduttore fra una nuova e una vecchia cultura del jazz. Rievocando i ricordi della sua infanzia passata ad ascoltare le lezioni della madre, la Spalding ha confenzionato un disco che prentende di trasformare, grazie a prestigiose collaborazioni e l'uso di una sezioni di archi, il jazz in musica da camera. Proprio in questo si nasconde l'isola di yin nel mare di yang, è questa la parte "white" di Esperanza: nella sua sofisticata ed elegante visione del jazz. Sotto quella capigliatura ad afro - quasi fosse una rivendicazione civile - si nasconde un alveara di idee, fra melodie che si intrecciano, armonie elaborate e arrangiamenti sensuali ma comunque elevate. Suo padre putativo non potrebbe essere che Charles Mingus, il leggendario compositore e contrabbassista che da dietro il suo lungo strumento ritmico ha imbastito dischi come Jazzical Moods.
Per rappresentare Esperanza ho voluto mostrare un filmato molto particolare, forse non il più rappresentativo, ma comunque speciale. Trattasi di un'esecuzione all'interno della Casa Bianca, dove Esperanza Spalding è stata chiamata a suonare per il ludibrio del presidente degli USA Barack Obama (per il quale la musicista ha suonato anche per la consegna del premio Nobel per la Pace).

Per concludere, mi auguro che il 2011 sia un anno ricco almeno quanto quello trascorso, perché risultati come quelli ottenuti delle due artiste di cui ho appena parlato sono rivelatori di una scena musicale internazionale che sta cambiando in meglio proprio nel momento in cui la viviamo.

E se qualcuno volesse farmi un regalo per l'anno nuovo, andate sia da Joanna che Esperanza e convincetele a fare un disco insieme. Grazie.

Tormentone Settimanale - Caves dei Chiodos

2010-12-17T23:58:00.003+01:00

Chiodos - Caves

I Chiodos si devono essere detti qualcosa del tipo: "Ma perché non uniamo certi stilemi del power metal a quelli dello screamo?"
È nato in questo modo, 9 anni fa, un gruppo che assomiglia a tanti e a nessuno, che oltreoceano riscuote enormi successi e qua in Europa sono quasi sconosciuti. È uscito da poco il loro terzo album Illuminaudio, che ha testimoniato il cambio di cantante e di batterista all'interno del gruppo. Il risultato è eccellente, grintoso e comunque pieno di gusto, come testimonia il primo singolo estratto Caves.
Ammetiamo pure che il video non è tutto questo granché, ma per gli amanti del genere la canzone è veramente tosta.

Per gli amanti delle curiosità:

Nel disco, Caves è introdotta dalla canzone Illuminaudio, che è stata è stata la traccia audio del video-teaser su internet per il disco omonimo. Ecco il link, consiglio di ascoltare le canzoni in successione perché ne vale la pena.
Stando al loro myspace ufficiale, il primo album dei Chiodos All's Well That Ends Well ha venduto negli U.S.A ben 244.000 copie, mentre il secondo Bone Palace Ballet ha raggiunto le 215.000 copie e la posizione numero 5 della classifica Billboard 200 (leggersi in entrambi i casi come un'enorme quantità per un gruppo simile).
I Fratelli Chiodo, ai quali i Chiodos devono il nome, sono un team newyorchese di effetti speciali particolarmente celebri per gli stop-motion e per le marionette. A loro, per esempio, si devono la creazione dei pupazzi del film Team America: World Police di Trey Parker e Matt Stone (i creatori di South Park, per i profani)

Malvachimica - Dipende Dai Giorni

2010-12-13T01:12:00.002+01:00

Chiedo scusa già da adesso se questa recensione sembrerà parlare di tutt'altro che musica. Ma vorrei ricordare che la musica non parla mai solo di se stessa, direttamente o indirettamente si riferisce anche ai fatti della realtà in cui viene prodotta. Dipende Dai Giorni dei Malvachimica è un ep molto eloquente quindi ho scritto molto, e anche se sembro parlare di tutto tranne che quello in realtà sto parlando proprio di quello.

Qualche mese fa stavo vivendo un periodo molto complesso e stressante, le mie difese immunitarie si erano abbassate e, fra i vari disagi, mi si è formato nell'occhio sinistro un orzaiolo che si è incistito in un calazio molto fastidioso. La malva (che in questo periodo dell'anno cresce rigogliosa anche nell'orto di 20 m.q. di mio padre) è una pianta medicinale con proprietà emollienti che mia madre cerca rifilarmi di continuo tramite impacchi per farmi passare l'inestetismo all'occhio. Ma mia madre è una donna di altri tempi con credenze e modi di fare di altri tempi, infatti oggigiorno i suoi ragionamenti non funzionano più, così come la malva che, almeno su di me, scettico figlio dei mie tempi, è un palliativo blando, inefficace e ti fa puzzare di verde. 
I Malvachimica, invece, sono un giovane gruppo di Montespertoli, comune nella provincia di Firenze reso speciale dal fatto di non avere niente di speciale (se non si considera la Sagra della Ficattola che si tiene ogni anno a Luglio). La vita di provincia, si sa, può essere veramente noiosa e se non si ha la sfortuna di finire nella droga, o ancora peggio di lavorare in banca, ci si ritrova spesso e volentieri ad imbracciare uno strumento e si cerca di risollevarsi con la musica, dipende da come ti va. È una sintesi stringata e riduttiva, ma non credo che la storia dei Malvachimica sia tanto differente da quella appena descritta, e che lo si possa credere o meno partire da una simile condizione influenza in maniera pesante il tuo modo di suonare.
Come oggi non sono più i tempi della malva, anche il rock probabilmente non cambierà mai più la vita delle persone. Fare musica è forse solo un palliativo e non ti risolverà la vita, ma crederci è importante, necessario per non sprofondare nell'inedia della vita di provincia.  Dipende dai giorni è il debutto dei Malvachimica uscito per la promettente etichetta indipendente Forear Records, e nonostante sia solo un ep di cinque canzoni risuona come se ci fossero già le idee per un disco completo. Il power trio è una formula già rodata, ma ancora oggi se gestita con gusto è la migliore delle formazioni rock e in questo senso i Malvachimica si difendono egregiamente. In generale lo stile è un indie-rock che ricorda i primi Tre Allegri Ragazzi Morti (quelli della provincia per l'appunto), ma non mancano anche spinte più aggressive da alt-rock anni '90 tipo Malfunk. 
I testi parlano di piccole cose che non significano niente, e per questo valgono molto. Semplici descrizioni in cui si infiltrano visioni e speranze per un futuro migliore, che inevitabilmente si infrangono con la crudezza della realtà; questo vuol dire vivere in provincia e la canzone I Vigneti è l'esempio migliore (“...renditi conto che siamo nati in mezzo ai campi, il grande paese ci ha lasciati in preda al panico, senza futuro...”). 
Quella dei Malvachimica non è musica sperimentale, non ha il vezzo dell'avanguardia, e non è nemmeno la produzione più originale o gustosa che si possa trovare in giro. Dipende dai giorni è solo lo specchio fedele di chi fa i salti mortali per non eccedere, di chi non vuole fare il passo più lungo della gamba, non paura piuttosto per cognizione di causa. È lo sforzo di non cadere nel vizio di forma di credersi artisti ancor prima di fare arte. Per questo è molto bello.  Alla fine dell'ep io avrò sempre il mio calazio nell'occhio sinistro, i Malvachimica vivranno sempre a Montespertoli e nessuna rivoluzione sarà fatta nel nome delle loro canzoni. Ma è sempre un inizio e per cambiare le cose dovremmo pur rifarci da qualche parte, no?

Tormentoni Settimanali

2010-11-25T00:16:00.005+01:00

Questa settimana avevo quattro tormetoni di cui scrivere e non sapevo da che parte rifarmi per sceglierne uno.
L'unica scelta saggia era quella di inserirli tutti.

Sufjan Stevens - Too Much
Sufjan Stevens è uno dei più eclettici e geniali musicisti pop delle nuove generazioni. È uscito da poco dal il suo nuovo disco The Age Of Adz che ha ricevuto opinioni contrastanti, ma la canzone Too Much è una pura follia sonora. Come il video è una pura follia visiva.

Curiosità: Qualche anno fa Sufjan Stevens si era proposto di incidere un singolo per ognuno degli Stati Uniti d'America. Si è fermato a due, Michigan e Illinois, e non ha più intenzione di continuare ammettendo che il suo ero solo un "espediente promozionale".

Woven Hand - The Treshingfloor
Woven Hand è il progetto solista di David Eugene Edwards, leader dei country-rockers 16 Horsepower. Ossessionato dal cristianesimo, Edwards, non fa altro che parlarne in tutte le sue canzoni, ma definire la sua musica semplicemente christian rock sarebbe un vero oltraggio. L'ultima uscita The Thresingfloor è un album forte e intenso, la title-track ne è un esempio calzante.

Curiosità:
L'album di Woven Hand del 2003 Blush Music era composto da canzoni scritte per uno spettacolo di danza moderna realizzato in Belgio. Fra le tante belle canzoni si può trovare anche un'ossessiva cover di Ain't No Sunshine di Bill Withers lunga più di 14 minuti.

Fran Healy - Buttercup
Fran Healy è il leader dei Travis, e se questo non basta a renderlo fighissimo non so cos'altro aggiungere. Wreckorder è il suo primo album solista e anche senza la sua band, duole ammetterlo, ha fatto veramente un bel lavoro.

Curiosità: Fran Healy, per incidere la traccia di basso della canzone As It Comes, altri non ha chiamato se non l'ex-Beatle Paul McCartney. Per ringraziarlo dell'onore, Fran e sua moglie sono diventati vegetariani.

Mogwai - Rano Pano
I Mogwai hanno annunciato l'uscita di un nuovo disco, e non si capisce come mai ogni volta la cosa assuma i toni di un evento epocale. L'album si chiamerà Hardcore Will Never Die But You Willl ed uscirà il 14 Febbraio del 2011; Rano Pano è un assaggio in attesa del piatto forte, scaricabile gratuitamente da questo widget qui sotto.

Curiosità: C'è qualcosa nel mondo dei Mogawi che non susciti curiosità?

Laura Marling: A Short Film

2010-11-17T10:42:00.003+01:00

Laura Marling è una delle rivelazione folk più entusiasmanti di questo anno.
Che poi tanto rivelazione non è, in quanto già a 16 anni era membro dei Noah & The Whales e cominciava a sfornare i suoi primi singoli. Nonostante la giovane età, Laura Marling (nata nel 1990 a Eversley, nell'Hampshire) ha già prodotto tre ep e due album, entrambi candidati ai prestigiosi Mercury Music Awards; il suo ultimo è uscito quest'anno e si chiama I Speak Because I Can. È un disco affascinante e delizioso, innovativo ma attaccato alla tradizione, che dimostra le grandi doti, sia musicali che liriche, già mature di Laura Marling.
Pochi giorni fa, sul sito ufficiale di Laura, è stato pubblicato un cortometraggio che riprende la musicista inglese in giro per i palchi di Usa, Uk e India, impegnata nel lunghissimo tour promozionale (insieme ai Mumford & Sons). Fra una città e l'altra, in quello che sembra un viaggio infinito, la musicista inglese parla della sua vita, delle sue esperienze e dei suoi sentimenti, dimostrando ancora una volta di essere molto più grande della sua età anagrafica. Ma questi 11 minuti di filmato parlano più di tante recensioni per farsi un'idea su Laura Marling e valgono proprio la pena di essere visti.

Tormentone Settimanale - Evil Boy dei Die Antwoord

2010-11-04T00:15:00.003+01:00

Die Antwoord - Evil Boy

I Die Antwoord sono la next big thing non proveniente da UK o USA. Sono sud-africani e sono in tre: l'imbarazzante e anti-carimastico mc Ninja, la raver albina e sinistramente eccitante Yo-Landi Vi$$er e dj Hi-Tek, che si fa notare più per mancanza che per presenza.
L'anno scorso è uscito il loro album di debutto $O$ che ha ricevuto critiche contrastanti (pitchfork.com gli ha dato il meno che mediocre voto di 5,5), ma da un po' di tempo non si fa altro che parlare di loro, della loro musica e del loro stile iper-coatto. Il disco è uscito in formato fisico solo da qualche settimana - e ancora adesso è ascoltabile gratuitamente dal loro sito ufficiale - ma finora sono usciti diversi singoli e clip, oguno diventato in breve tempo virale.
L'ultimo singolo estratto da $O$ è Evil Boy, che vede come ospiti il rapper sudafricano Wanga e il dj americano Diplo. Il corrispettivo video è degno delle fantasie di un adolescente allo stadio terminale di erotomania.

Per gli amanti delle curiosità:

Die Antwoord sono i fieri araldi di uno stile che loro definiscono come "zef". L'etimologia della parola deriva dalla vettura Zephyr della Volvo, la macchina tipica della classe operaia e contadina nel Sud Africa degli anni '60. Nell'accezione dei Die Antwoord, zef vuol dire essere i più trash e tamarri che si puole. Se il trash fosse una religione, lo zef sarebbe Al-Qaeda.
Recentemente una breve documentario sui Die Antwoord intitolato "Zef Side" (più di 4,7 milioni di visite) è stato scelto per fare parte dei 25 video, tra tutti quelli su Youtube, che faranno parte della mostra Youtube Play al Guggheneim Museum di New York.
Nel video di Evil Boy si nota alcune scene in cui Ninja ha al posto di un braccio una sorta di protesi a forma di zampa di aragosta. Trattasi di una citazione dal film District 9 di Neill Blomkamp ambientato proprio in Sud Africa, a Capetown, in cui il protagonista Wikus Van Der Merwe viene infettato da un virus e si trasforma lentamente in un alieno, cominciando proprio da un braccio come quello.

The Sound Strike

2010-11-01T11:50:00.010+01:00

Nell'Aprile di questo anno lo stato dell'Arizona ha approvato un nuovo decreto legge in materia di immigrazione chiamato Arizona SB 1070, promosso e firmato dal governatore repubblicano Jan Brewer. Questa nuova legislativa è stata da molte parti definitiva come incivile e anticostituzionale, oltre che la più discriminante e razzista che gli Stati Uniti hanno avuto da decenni a questa parte: in pratica, da questa estate, “chiunque” nello stato dell'Arizona venga fermato dalla polizia e trovato senza documento di identificazione può essere considerato "alieno" (cioè "presente illegalmente sul suolo americano") e soggetto ad immediato arresto e detenzione, senza passare da giudici o avvocati. In questo modo la SB 1070, oltre ad essere un vero e proprio smacco per i diritti civili, sfrutta l'odio e il razzismo per ottenere consenso politico in una zona degli Stati Uniti dove l'immigrazione clandestina dall'America Centrale è un tema caldo e sofferto da ormai molti anni.
Il dibattito pubblico è stato da subito accesso e violento, e, così come certe ale moderate della destra repubblicana, anche il presidente Barack Obama si è detto contrario alla riforma – senza comunque risolvere niente di concreto. Per sensibilizzare l'opinione pubblica sono nate organizzazioni, tra le quali spicca anche The Sound Strike, un ente no-profit a cui hanno partecipano musicisti di tutto il mondo e che organizza dibattiti, concerti e raccolte fondi per aiutare le persone coinvolte e proporre un rimedio a questo scempio.
Gli artisti aderenti al movimento sono molti e famosi (breve cernita: Rage Against The Machine, Kanye West, Cypress Hill, Rodrigo y Gabriela, M.I.A., Nine Inch Nails, Gogol Bordello, Ben Harpes, Ry Cooder e molti, molti altri), e parte del loro impegno attivo sarà di boicottare l'Arizona durante i propri tour e di promuovere l'abrogazione della SB 1070. Inoltre, il sito The Sound Strike riporta molte testimonianze dirette degli stessi musicisti, oltre ad analisi sociali, politiche ed economiche sulla questione dell'immigrazione negli USA (con anche un interessante e sostanzioso contributo del linguista Noam Chomsky).
Da poche settimane, l'ente ha inaugurato sul sito una nuova sezione, The Sound Strike Song, nella quale verranno pubblicati i videoclip di canzoni inedite degli musicisti coinvolti. Le canzoni potranno essere acquistate e scaricate in formato digitale, e i soldi guadagnati andranno direttamente a finanziare le attività di The Sound Strike Fund.
Il primo gruppo ad appoggiare l'iniziativa sono stati i Bright Eyes, la celebre formazione indie-folk del Nebraska capitanata da Oberst Conor, il quale si è fatto anche carico di fermare proposte di legge simili anche in altri stati d'America, raggiungendo risultati molto significativi soprattutto nel suo paese natale. La canzone che ne è venuta fuori è “Coyote Song”, una dolce e toccante ballata per pianoforte il cui video è stato girato a El Paso, in Texas, sul preciso confine con il Mexico.
“Coyote Song è una canzone su due amanti separati da una condizione che non possono controllare, proprio come questa qui” racconta il leader dei Bright Eyes sul luogo del set indicando, l'opprimente barricata che divide i due stati. “La prima volta che ho letto della legge ho pensato che andava fatto qualcosa, perché è drastica, sbagliata e ci riporta indietro nel tempo. Se gli permettiamo di infiltrarsi in uno stato finirà come un domino, per questo credo che sia importante prendere una posizione, adesso. Ho suonato diverse volte in Arizona, ho degli amici lì, e spero che non si sentano come se li stessimo punendo perché non si tratta di questo. Era decidere se fare qualcosa o se non fare niente.”

Exclusive Song for The Sound Strike "Coyote Song" by Bright Eyes

Ultima nota: il brano costa solo 2 dollari.

Tormentone Settimanale - Derezzed dei Daft punk

2010-10-28T11:03:00.002+02:00

Daft Punk - Derezzed

La Disney ha prodotto un sequel del cult fantascientifico degli anni '80 Tron. Il film, che si chiamerà Tron: Legacy, uscirà nelle sale di tutto il mondo a partire dal 17 Dicembre, in Italia l'11 Gennaio del 2011.
Non sono un cineasta ma sono bene che in generale i sequel sono una tremenda fregatura, privi di trama e utili solo a spendere soldi in nuove tecnologie d'animazione grafica, e questo Tron Legacy forse non sarà da meno; ma ci troviamo davanti ad una magniloquente eccellenza per quanto riguarda la colonna sonora che è stata in gran parte firmata dai guru dell'elettronica Daft Punk. I due musicisti-robot (che da tempo bazzicano nel cinema) hanno anche svolto un cammeo nel film, come testimonia questo trailer sonorizzato con l'iperdigitale Derezzed.
A cominciare dal fatto che le loro tute per l'occasione sono fighissime, non vedo l'ora che esca su cd la colonna sonora, prevista per il 7 Dicembre prossimo venturo.

Per gli amanti delle curiosità:

Anche se non traspare da questa Derezzed, i Daft Punk per la registrazione della colonna sonora hanno utilizzato una maestosa orchestra di 100 elementi. Se ne può sentire l'apporto in alcuni spezzoni del player musicale del sito sito ufficiale del film. Come si fa ad aspettare fino a Dicembre???
I Daft Punk non pubblicano inediti dal 2005, con il disco Human After All. Nel frattempo sono usciti remix, live-album e compilation, e hanno diretto un film assurdo chiamato Daft Punk's Electroma. Ne consiglio la visione solo a chi non soffre d'ansia o depressione.
I Daft Punk sono presenti nel videogioco Dj Hero, per il quale hanno prodotto anche undici remix.

Scrivere di musica... #3

2010-10-27T19:02:00.005+02:00

Sono stato fermo per un pò perché mi è mancato internet. Certo, mi mancano anche tante altre cose come una capigliatura folta, un tostapane, un conto in banca a quattro cifre, l'amore di una donna e quello del mio cane, ma per ora mi accontento di avere ritrovato internet.
Terza puntata dello "Scrivere di Musica...".

"Si dice che la musica è espressione di sentimenti, e si pensa che essa esprima gioia, dolore, speranza, timore, rassegnazione, odio, impazienza e via dicendo. Ora la musica non può esprimere gioia, dolore, speranza, ecc., per la semplice buona ragione che questi pretesi sentimenti non esistono. Sono oggettivazioni e generalizzazioni astratte che una scienza naturale - la psicologia - compie per suo uso e anche per nostra utilità pratica, ma non hanno più realtà di quanta ne abbiano le specie del regno animale e vegetale. È noto che non esiste la famiglia dei felini, così in genere: nessuno l'ha mai vista in nessun posto e non si potrà mai vedere. Bensì esistono gatti, tigri, pantere, leoni, leopardi, ecc., e non già gatti tigri o leoni in genere, bensì gatti giovani e gatti vecchi, gatti grigi e gatti bianchi e gatti neri, e bianchi e neri, ecc., gatti buoni e gatti cattivi, leoni spelacchiati e in gabbia e leoni ben portanti nella libertà del deserto e del deserto e delle foreste africane, ognuno con la sua concreta realtà individuale, puntualizzata nel tempo e nello spazio. Questa è la realtà: il resto sono classificazioni utilissime e delle quali potremo magari dire che siano vere, ma alle quali non possiamo certo attribuire il predicato dell'esistenza.
Così è dei sentimenti. L'allegria non esiste. Esistono singole persone allegre. E l'allegria di ognuno è talmente diversa dalle altre, condizionata com'è dalle più varie circostanze del tempo e di luogo, e soprattutto modificata dalle caratteristiche individuali del soggetto, che non rimangono in piedi elementi sufficienti per giustificare una generalizzazione che sia ancora dotata d'esistenza reale."

Tratto da "L'Esperienza Musicale e l'Estetica" di Massimo Mila, Einaudi

Massimo Mila è un critico musicale e musicologo che ha scritto decine di libri e saggi e ha insegnato Storia della Musica all'Università di Torino. È stato il primo studioso ad applicare alla musicologia i principi estetici del pensiero crociano (wow!). Il brano è ripreso dal saggio "Capire la musica" che, per onestà intellettuale, comincia con le frasi: "Nessuno si lusinghi di imparare a capire la musica grazie a questo saggio. Con un articolo non s'insegna a capire la musica più di quanto s'insegni a nuotare o a vincere alla roulette". Disfattismo a parte, il testo offre degli spunti geniali sui ragionamenti musicali, come questo estratto sul significato.
Personalmente, mi diverto molto a giocare con i cosiddettì sentimenti che la musica scuscita in me, ricercando sempre migliori combinazioni e formule per cogliere ogni sfumatura dell'emotività umana. Ma rimango sempre amareggiato quando non riesco a trasmettere gli stessi umori o, ancora peggio, quando ottengo il risultato contrario sulle persone a cui consiglio qualcosa per un certo risultato - come quella ragazza a cui ho fatto venire il mal di testa facendole ascoltare le sublimi suite per violoncello di Bach, o quel mio amico che diventa giocondo quando ascolta quella tristissima canzone che è Hurt dei Nine Inch Nails (...a me invece fa venire da piangere...).
Da bravo divulgatore mi dico sempre che con le dovute spiegazioni anche il nero diventa chiaro, ma allo stesso tempo mi faccio carico, ingiustamente, di un sapere emotivo superiore che pretendo di avere, solo perché conosco qualche aneddotto in più su quella o quell'altra canzone.
Ad oggi molti musicologi sembrano essere d'accordo sul fatto che non esista un significato intrinseco della musica, e sul fatto che il piacere, il rammarico e tutte le altre emozioni che gli uomini provano sono il frutto di varie costruzioni sociali. Ma il relativismo è una bestiaccia, e prima di adottarlo ciecamente bisognerebbe tenere in considerazione anche quelli che sono i limiti delle percezioni umane; in questo senso le ricerche sugli "universali" della musica sono abbondanti e spesso convincenti (leggere in merito qualcosa di Philip Tagg. Cosa di preciso? Non lo so!). Mila mette in guardia anche dall'utilizzare la musica come un mero surrogato per le emozioni, al pari di una droga sempre a disposizione, e di fatto suggerisce di ragionare sulla musica per capirla, piuttosto che assumerla con "passività edonistica".
Piccolo appunto conclusivo. Chi pensa che Massimo Mila si rifersica solo alla musica colta e non tiene in considerazione la bassezza della cultura popolare io faccio notare che, come per i sentimenti, anche i generi musicali sono "classificazioni utilissime e delle quali potremo magari dire che siano vere, ma alle quali non possiamo certo attribuire il predicato dell'esistenza".

Metal Swim

2010-10-12T01:41:00.005+02:00

Adult Swim è un'emittente televisiva satellitare d'intrattenimento, la sussidiaria per adulti di Cartoon Network. Il sito relativo è un portale pieno zeppo di contenuti multimediali nel quale potersi perdere per giorni e giorni, compresa una interessante e peculiare sezione musicale.
Scion è una marca di automobili specializzata nella produzione di veicoli per giovani e aspiranti tali, anche loro gestiscono un portale molto arty chiamato Scion Audio/Video che racchiude tante sezioni culturali sulle quali sbizzarrirsi per molto, molto tempo.
In collaborazione con la William Street Record, questi due brand hanno deciso di collaborare insieme per pubblicare una compilation scaricabile gratuitamente che contiene il meglio del meglio del metal degli ultimi anni. Trattasi di materiale raro e inedito che fa gola solo a leggere i gruppi presenti, riporto la tracklist per doveri di cronaca.

1.	"Truce"	Death Angel
2.	"Bringers of Death"	Skeletonwitch
3.	"Arrowhead"	Torche
4.	"Path of Ash"	Ludicra
5.	"Forsaken"	Kylesa
6.	"Fatal Kiss"	Black Tusk
7.	"Hank Is Dead"	Red Fang
8.	"Frozen Night"	Black Cobra
9.	"Dixie Dieway"	Saviours
10.	"Veil of the Forgotten"	Witch Mountain
11.	"Pliable Foe"	Isis
12.	"Dethroned"	Jesu
13.	"Inch Above Sand"	Pelican
14.	"Witch's Hammer"	Zoroaster
15.	"Extinguished with the Weary"	Withered
16.	"Luna"	Boris

Che dire... è una goduria. A parte power, folk e drone sembra che sia presente ogni genere del metallo, quindi è anche un bel punto di riferimento per chi negli ultimi anni non ha fatto altro che ascoltare Paolo Meneguzzi.
Io non metto mai i link delle cose di cui parlo ma questa volta non posso trattenermi dal farlo, quindi se leggi questo post sentiti pure obbligato a cliccare la frase sottostante:
Metal Swim: Scaricarla è un dovere. Ascoltarla è un atto di fede.

Robin Williamson: una voce ancestrale

2010-10-10T16:16:00.007+02:00

Venerdì scorso ho avuto modo di vedere una leggenda della folk inglese, Robin Williamson.
Il musicista scozzese è stato invitato alla rassegna di concerti pomeridiani Music Club del Teatro Dal Verme di Milano (curata dal giornalista Enzo Gentile), preso come esempio di "vecchia guardia" del folk, contrapposto al concerto della settimana precedente di Joanna Newsom, portavoce del folk contemporaneo.
Ma facciamo un passo indietro.
Robin Williamson è un'istituzione della musica inglese. Nasce in Scozia nel 1943, e fin da giovane impara a suonare una miriade di strumenti; comincia ad esbirsi come folksinger verso i 16 anni, giranndo tutta l'Inghilterra, quindi nel 1966 forma la Incredible String Band, gruppo che fuse la tradizione con l'avanguardia e che riscosse enorme successo (tanto da partecipare anche al festival di Woodstock nel 1969). In pochi anni Robin diventa un pilastro del folk.
Negli 1972 inizia una prolifica carriera solista, incrociando stili e generi gettando le basi della prima world music, si cimenta anche nelle vesti di scrittore, pedagogo e ricercatore.
Da un po' di anni Williamson ha cominciato a incidere anche per ECM e in tutti questo tempo non ha mai smesso di girare per il mondo con la sua musica.
Erano molte le persone dentro la sala piccola del Dal Verme, che appena uscite da lavoro si sono recate ad assistere a questo evento particolare (per il musicista scozzese è stata la prima volta a Milano). Williamson si è presentato sul palco con chitarra e grancassa, che insieme alla sua voce profonda ed evocativa - invecchiata come un buon vino - hanno rievocato nella mente dei presenti le immagini e le sensazioni di una terra lontana, antica e magica. Capelli e barba lunghi, imbiancati, Robin è la raffigurazione perfetta del folksinger, del cantastorie che nella vita ne ha fatte e viste di tutti i colori, e non vede l'ora di raccontarlo. Per ascoltare la sua esibizione c'era bisogno di calma e di distensione, per potere udire tutte le inflessioni delle capacità della sua musica, e fortunatamente la struttra del Dal Verme è stata più che perfetta. Sembrava quasi di non essere nella caotica e affollata Milano (grazie anche all'assenza di segnale del posto che non ha permesso squilli fuori luogo).
La tecnica chitarrista di Williamson era ineccepible, pulita e avvolgente, mentre la grancassa di volta in volta assolveva un ruolo diverso: un lontano tamburo da guerra, un soffocato battito di cuore, poi ancora il respiro ancestrale della terra d'Albione.
L'atmosfera era intima e tranquillia, tanto che Robin, fra una canzone e l'altra, si è messo a colloquiare candidamente con in presenti, parlando del dilagante alcolismo degli scozzesi, di quando Bob Dylan giudicò la sua canzone Blue October come "Quite Good", e dei titoli delle canzoni country (ce ne sono di spassosi, tipo "Drop Kick Me Jesus Through The Goal Post of Life" e "I Ain't Never Gone To Sleep With Ugly Women, But I've Sure Woke Up With A Few").
Ballate di ubriachi irlandesi, canti blues, una cover di Jamie Lee Curtis, una di Dylan, canzoni di anonimi scozzesi (ribattezzati O'Nonymous), e con leggerezza, senza rendersene conto, è passata più di un'ora.
Quando un personaggio chiave della storia della musica si ritrova a più di 60 anni ancora a suonare spesso e volentieri è solo per rinvangare la propria fama, ed il pubblico si raduna a suoi concerti più per l'importanza della figura che per quella della musica (un esempio su tutti: Rolling Stones). Sono proprio felice di poter dire che non era il caso Robin Williamson.

Tormentone Settimanale - Worn Heels And The Hands We Hold dei Envy

2010-10-01T23:47:00.005+02:00

Envy - Worn Heels And The Hand We Hold

Gli Envy sono un gruppo post-hardcore giapponese, anche se di hardcore hanno solo il cantato screaming, mentre di post hanno tutto del post-rock. E, Cristo Santo, sono un colpo al cuore.
È uscito da poco il loro quinto album Recitation e Worn Heels And The Hand We Hold è il primo singolo estratto. Il video è figherrimo, ma la canzone da sola è un puro eccitante.

Per gli amanti delle curiosità:

Per il mercato europeo gli Envy si affidano all'etichetta Rock Action, che è l'etichetta scozzese gestita dagli imperatori del post-rock Mogwai.
Un bravissimo illustratore di nome David V. D'Andrea ha disegnato la locandina del tour europeo in cui gli Envy sono attualmente impegnati. Il tale D'Andrea è l'autore anche di notevoli artwork di artisti altrettanto notevoli come Ulver, Isis, Dinosaur Jr e molti altri.
Com'è che in Giappone c'è questo movimento post-qualunqe-cosa così valido? Intendo dire Boredoms, Melt Banana, Mono, Lite; sono tutte formazioni eccellenti e sono tutte giapponesi. Perché sono tutti distribuiti in quell'isola dell'oceano Pacifico di modeste dimensioni?

Scrivere di musica... #2

2010-09-22T20:00:00.003+02:00

"Ratzinger cerca consenso fra i giovani inglesi con dichiarazioni provocatorie: Gesù Cristo è più famoso dei Beatles."

Tratto dal post del 20/09/2010 del blog www.Spinoza.it

Spinoza è un blog collettivo di satira geniale e pungente. Prendendo lo spunto da news, articoli e servizi giornalistici, frasi di attualità opportunamente riadattate diventano battute umoristiche politically uncorrect, atroci ma irresistibili.
Nel caso delle frase da me riportata la citazione è abbastanza evidente. L'autore di questa chiosa, per schernire il viaggio del papa in Inghilterra, ha ribaltato la celebre affermazione che John Lennon, noto ateo (non lo sapevate? Secondo voi cosa voleva dire la frase "Imagine there's no heaven"?), fece nel 1966 al giornale inglese London Evening Standard. Riporto l'estratto preciso:

"Christianity will go. It will vanish and shrink. I needn't argue about that; I'm right and I will be proved right. We're more popular than Jesus now; I don't know which will go first-rock 'n' roll or Christianity. Jesus was all right but his disciples were thick and ordinary. It's them twisting it that ruins it for me."

La storia ci insegna che questa dichiarazione suscitò scandali e risentimenti di ogni sorta. Nonostante Lennon fu costretto a fornire delle scuse ufficiali non mancarono roghi di dischi dei Beatles, boicotaggi vari e numerose proteste durante tutta l'ultima tourné che fecero negli Stati Uniti nel 1966 Paul, John, George e Ringo.
Per i 40 anni del White Album l'Osservatore Romano decise di accordare la pace ai Beatles, definendo il gesto "una spacconata di un giovanotto della working class", ma per quanto Lennon potesse essere un cockney gradasso non vide poi tanto sbagliato ai tempi di quelle affermazioni, considerando che la diffusione del cristianesimo si limita a "soli" 2 miliardi di abitanti della terra, mentre la Beatlesmania che imperversa su tutto il globo, senza guardare sesso, razza o religione. Di fatti, una ricerca su Google Trends mette in luce il fatto che la parola Beatles è molto più ricercata della parola "Jesus", ma un semplice aneddoto è più chiaro di tante parole: appena un anno dopo l'infame dichiarazione, nel 1967, i Beatles furono contattati dalla BBC per comporre una canzone dal messaggio chiaro e semplice, che facesse da portabandiera per la Gran Bretagna nel programma in mondovisione Our World. Si calcola che solo in quel giorno i quattro ragazzi di Liverpool fecero 400 milioni di spettatori in tutto il mondo (questo riporta il sito dei Beatles, altre fonti dichiarano 350 milioni, altre ancora 150 milioni).

Non conosco sull'attuale livello di popolarità delle religioni nel mondo, e quindi non mi esprimo, ma le vie del signore sono infinite, e insidiose, e se penso a come il cristianesimo abbia messo lo zampino un po' dappertutto (un esempio per tutti: Fra' Metallo) non mi meraviglierei se ad oggi la sfida rock'n'roll vs Gesù fosse in pareggio. Consoliamoci del fatto che il rock è partito con grande svantaggio, essendo nato solo 50 anni fa.

Uochi Toki - Cuore Amore Errore Disintegrazione

2010-09-22T11:59:00.002+02:00

Parlare di donne.

Gli Uochi Toki, i rapper meno rapper d'Italia, hanno deciso di affrontare un compito tanto delicato quanto complesso nel nuovo disco Cuore Amore Errore Disintegrazione (il settimo dal 2002, il secondo per La Tempesta Dischi). Ma parlare di donne vuol dire conoscerle, comprenderle, sviscerarle, smontarle e rimontarle, e a pensarci bene non deve essere stato così facile, considerato che la misoginia è sempre stata un fondamentale del rap. Ma gli Uochi Toki non sono un gruppo convenzionale (quando mai lo sono stati?) e un simile progetto non può che suscitare curiosità.
Non verrò mai a scrivere che questo disco è bellissimo, rivoluzionario o eclatante. A modo suo lo è, come tutti i dischi degli Uochi Toki, ma questa è una recensione non un comunicato stampa quindi parlerò esclusivamente dei fatti inerenti a Cuore Amore Errore Disintegrazione, a partire dalla musica.
Rico, il riflessivo rumorista dei due, si è dato veramente da fare per costruire un mondo sonoro poliedrico che solca numerosi generi e distrugge molti preconcetti sul buongusto; fare dei nomi di riferimento sarebbe superfluo e approssimativo, ma in fin dei conti siamo dei superficiali e quindi cito: Merzbow, Aphex Twin, Venetian Snares e Pan Sonic.
La felice comparsa di ospiti è un altro aspetto da non sottovalutare: Bruno Dorella alla batteria, Lucio Corenzi al contrabbasso e Alessio Bertucci al sitar vengono gestiti, diretti e sminuzzati dalle perverse elettroniche di Rico fino a che il risultato non valica il significato di “musicale”. Aldilà di questo si nota un'apprezzabile e inedita complessità di melodie e strutture che assolvono una funzione narrativa in aiuto alle liriche di Napo. E adesso parliamo dei testi.
Napo, l'irrequieto mc dei due, è insolitamente agitato, teso e confuso, ma comunque sincero. Forse perché l'argomento donne lo tocca in certi punti vivi – infatti spesso è toccante - ma Napo si rivela anche irascibile, frustrato, incompreso, e tutto questo è accentuato dal ritmo e dall'enfasi della narrazione/recitazione.
Le canzoni diventano storie articolate e visionarie, in cui si ritrovano molti dei capisaldi dell'immaginario uochitoniano: la passione per i dolci, l'amore per il camminare, il disturbo dissociativo dell'identità, lo pseudo-intellettualismo, il fatto di avere sempre un'opinione su tutto e su tutti (e noi indiesnob che lo ascoltiamo come un ciellino l'omelia). Ma questi atteggiamenti, che ricordano i sintomi della sociopatia, finalmente vengono giustificati da un trait d'union, ciò che lo stesso Napo definisce “magia”. È una sorta di misticismo alla Rammellzee (artista e rapper pioneristico, scomparso di recente, predicatore dell'esoterico Futurismo Gotico) che l'mc evoca per descrivere, rapportarsi e impersonarsi con le donne incontrate, in un susseguirsi continuo di debrayage ed embrayage.
Questa magia ha fatto si che le canzoni lievitassero, si espandessero nel minutaggio fino a diventare gonfie e travolgenti come fiumi in piena, 10 canzoni per 68 minuti che comunque non stancano. C'è un irrefrenabile gusto nell'arrivare fino alla fine di ogni canzone, alla fine del disco, per poi ricominciarlo da capo e risentire certe frasi che rimarranno nella storia dell'Italia indipendente (su tutte la brillante esclamazione: “Il mio dio è il mal di testa!”).

Per quanto riguarda il messaggio, c'è il tentativo di smitizzare i generi, le classi sociali e le discriminazioni, non solo sulle donne ma anche sulla vita, l'universo e tutto quanto; e la cosa non è proprio facile. Le varie donne incontrate sono composite character che incarnano pregi, difetti, complessità e banalità, proprio come le donne normali, ma che sono difficili da comprendere e giustificare, tanto che lo stesso Napo si trova spesso in difficoltà (e gli tocca farsi aiutare dal logorroico Zona MC aka Mula), arrivando a peccare un minimo di machismo intellettuale: costatando che le donne ti fanno girare le scatole e che influiscono così meteoropaticamente su di te non gli dai importanza o dignità, tanto meno permettendoti di dire sempre l'ultima parola zittendole.
Per il resto il disco è pieno di giudizi più o meno validi, dai quali trarre insegnamenti più o meno preziosi, e che forse non cambieranno la condizione della donna nella società ma almeno fanno passare un'ora di ascolto consapevole.

Tormentone Settimanale - By Some Miracle di Phil Selway

2010-09-14T01:02:00.004+02:00

Phil Selway - By Some Miracle

È uscito l'attesissimo Familial, debutto solista di Phil Selway, il batterista calvo dei Radiohead.
By Some Miracle è il primo singolo estratto, ed il video è semplicemente.... wow...

Per gli amanti delle curiosità:

Paragonato agli altri Radiohead (leggere Thom Yorke), Selway non è né un bravo cantantautore né un bravo chitarrista, ma nelle sue canzoni si può comunque sentire un impegno enorme così come una commuovente passione. Nonostante questo i redattori di Pitchfork sono stati abbastanza crudeli da dare a Familial uno stentato punteggio di 4,9 su 10.
Phil Selway ha interpretato il ruolo del batterista della band The Weird Sisters nel film Harry Potter E Il Calice Di Fuoco. Tra gli altri membri del gruppo vale la pena ricordare Jonny Greenwood (chitarrista dei Radiohead) e Jarvis Cocker (leader dei Pulp).
Il regista del clip si chiama David Altobelli. Dalla sua pagina su Vimeo si può vedere come abbia girato video per diversi gruppi inglesi come gli M83, gli Hammock e altri; inoltre ha diretto un bellissimo spot sui melograni.

The Cover Art of Storm Thorgerson @ Milano - Fabbrica del Vapore

2010-09-11T17:53:00.003+02:00

Dal 10 fino al 26 Settembre la Fabbrica del Vapore di Milano ospiterà una collezione di stampe di Storm Thorgerson.
Storm altro non è che l'art director di vinili, cd e poster più famoso e rinomato al mondo, fondatore dello studio Hipgnosis e autore delle più belle copertine degli ultimi 40 anni, su tutte il celeberrimo prisma di The Dark Side Of The Moon dei Pink Floyd. Con circa 50 stampe esposte, la mostra rappresenta il lavoro di una leggenda vivente, un personaggio tanto importante quanto i dischi su cui ha disegnato.
Conclusa la parte informativa vado a parlare di quella personale.
Sono andato all'inaugurazione della mostra Giovedì sera e, innanzitutto, devo dire che è stato difficile già trovare la sala dell'esposizione, per la mancanza di indicazioni o segnalazioni di sorta. Erano circa le nove di sera, quindi do la colpa all'oscurità e niente di più, ma devo manifestare la mia perplessità anche la mostra in sé.
Sia ben chiaro: le stampe, le foto e i disegni esposti sono bellissimi, onirici ed esaltanti, non è questo si cui voglio dibattere quanto l'assoluta mancanza di chiarezza o di criteri espositivi.
Forse perché la struttura non era veramente adatta, ma le foto erano posizionate e organizzate in maniera imbarazzante: cornici quasi accavallate oppure quadri inseriti in spazi inadatti (per esempio fra un tubo e la lancia anti-incendio), disposizione spaziale pseudo-casuale e poi, ciliegina sulla torta, descrizioni delle opere solo in inglese (ma questa è la meno) scritte in carattere minuscolo, da amanuense, e collocate in posti irraggiungibili per lo sguardo e quindi illeggilbili.
Anche con questa dimostrazione di evidente irrazionalità la mostra è comunque godibilissima (anche perché gratuita) e meritovole di essere visitata, se non fosse che quella sera stessa è successo qualcosa di veramente imbarazzante.
Storm Thorgerson in persona, oggi un vecchio bianco e grasso con tanto di bastone, che era presente e per tutto il tempo ha girato spazientito nella sala, verso le nove e mezza ha iniziato ad urlare, incitando tutti i presenti a levare le tende con frasi del tipo "Hello!", "Goodbye", "Com'on, see you next time!".
Sul serio! Come se stesse per perdere il treno, il rinomato artista senza alcun riserbo o discrezione ha iniziato a rivolgersi con tono agitato e irriverente verso chiunque stesse ammirando i suoi lavori, mettendo tutti in disagio.
Forse sono i segni dell'età avanzata, forse il carattere folle ed esuberante di un visionario, ma è stato veramente riprovevole.

Il live 2.0 dei Radiohead a Praga, o come risparmiare sui cameraman

2010-09-05T23:20:00.005+02:00

Il 23 Agosto del 2009 si è tenuto alla Výstaviště Holešovice Exhibition Hall di Praga un concerto dei Radiohead. Un nutrito gruppo di fan, quel giorno, ha assistito al concerto con la chiara idea di riprendere tramite dispositivi digitali ogni suono e ogni immagine, per trarne un concert video non ufficiale multidiegetico. L'idea è quella di un bootleg visuale, estrapolato dai filmati ripresi da circa 60 spettatori. Anche il montaggio e la post-produzione del film sono stati curati da un gruppo di ammiratori molto motivati che hanno messo in piedi il progetto, contattando fanclub e devoti dei Radiohead di mezzo mondo.
Il progetto è partito esclusivamente come fan-based, ma anche gli stessi Radiohead, venuti a sapere del progetto e approvandolo, hanno deciso di partecipare cedendo il master audio originale del concerto, in modo che anche la resa sonora fosse ottima.
Dopodiché si è deciso che tutto fosse free. Ne è nato un sito ufficiale che riporta con orgoglio la scritta " STRICTLY NOT FOR SALE – BY THE FANS FOR THE FANS
PLEASE SHARE AND ENJOY"; infatti è possibile scaricare gratuitamente tutto il concerto in formati e qualità differenti, ed è stato aperto anche un canale Youtube dedicato.
Ecco come, dopo il caso di In Rainbows, i Radiohead abbiano deciso di regalare anche un live pieno di particolarità, che ha già richiamato l'attenzione di mezza blogosfera più per le sue caratteristiche che per il suo contenuto (proprio come successe per l'ulitmo disco).
Viste anche queste considerazoini mi permetto di NON spezzare una lancia a favore di questa iniziativa che pecca in alcuni punti.
Innanzitutto non è un'idea poi così originale: oltre al fatto che le registrazioni amatoriali dei concerti esistono da sempre, un sistema di riprese molto simile è stato adottato per la prima volta (credo) nel 2004 per il documentario musicale Awesome... I Fuckin' Shot That dei Beastie Boys, in cui un 50 fan dei rapper statunitensi furono dotati di telecamera da testa e hanno ripreso da varie prospettive il concerto del gruppo in questione al Madison Square Garden di New York. Andando avanti, essendo amatoriale questo sistema è spesso privo di tecnica e gusto, nonché pieno di difetti tecnici. Per esempio, arrivati alla quinta canzone non se ne puole più del tremore incessante di quasi tutte le riprese - tenere le mani alzate di continuo è una sofferenza indicibile - e la messa a fuoco è spesso trascurata. Inoltre, ed inevitabilmente, tutti gli spettatori hanno visto il concerto dal basso e dal davanti, offrendo ben poca variazione delle riprese e mancando di quelle sequenze, quei particolari e quegli stratagemmi che rendono solitamente un concert video interessante e succulento. Per ovviare a questa prevedibile carenza i montatori avrebbero potuto richiedere ed inserire molti più dettagli che solo il pubblico avrebbe potuto vedere, come il pubblico stesso visto da vicino (le uniche canzoni che sembrano fuggire a questo vizio di forma sono 2+2=5 e Idioteque).
Aldilà di questo c'è molto da apprezzare in questo progetto, come il fatto che è partito dal basso, dai fan stessi che hanno imparato la lezione impartita da In Rainbows, e, d'altro canto, il concerto è veramente stupefacente, la scaletta è corposa e mirabile e il gruppo di Oxford è più in forma che mai.
Forse aveva più senso tirarne fuori un bootleg di solo audio, alla vecchia maniera?

Trailer del progetto:

Scrivere di musica... #1

2010-08-30T15:42:00.004+02:00

Ecco la nuova rubrica che stavo cercando. D'ora in poi quando leggo qualcosa che non riesco a trattenere dal divulgare la riporto con un minimo di spiegazioni. Il titolo della rubrica è una citazione.
Inauguriamo con un bellissimo libro.

"Nel 1989, reagendo alle notizie pubbliche che dicevano che gli Who stavano pensando di riformarsi per un concerto in cui i biglietti si sarebbero venduti a 2mila dollari, il critico Gina Arnold dell'Express di Berkeley invitò i lettori della sua rubrica settimanale Fools Rush In a mandare i loro pareri su quale concerto potesse valere un simile prezzo. La proposta vincente, da un tale Marc Buonocristriani: «I Clash, del periodo del 1977, i Rolling Stones (prima che diventassero noiosi, diciamo più o meno nel '68 o '69) e Bob Dylan (prima di essere rinato, diciamo il 1966, prima dell'incidente) tutti insieme e tutti come supporter di Robert Johnson». «Perché?» chiese la Arnold. «Perché», secondo Buonocristiani, «varebbe la pena spendere due bigliettoni solo per gridare Vogliamo Robert mentre Mick sta cantando. Oh, si, anche un'altra condizione: non potrai avere il biglietto se non saprai dire perché gli altri tre faranno da supporter a quel tizio. In questo modo non dovrei sentire qualche deficiente richiedere qualcosa di stupido mentre lui sta cantando»."

Tratto da "Mystery Train: Visioni d'America nel Rock" di Greil Marcus, Editori Riuniti

Mystery Train è da molto tempo osannato come un dei più bei libri di rock mai scritti, sia da critici che musicisti e musicofili. In realtà è uno dei libri più complessi che abbia mai letto, in quanto pienamente incentrato sulla cultura americana (a noi occidentali insolvibilmente estranea) degli ultimi duecento anni. È un saggione che unisce politica, letteratura, musica, società, economia e religione ripercorrendo la vita e la carriera di sei artisti americani. Pubblicato per la prima volta nel 1975, tradotto in italiano nel 2001, il suo primo effetto è stato quello di elevare rock e critica rock a forme di arte istituzionale, ed ancora oggi il suo retaggio è vivo in molti ambiti della cultura musicale.
La citazione che ne ho tratto è un esempio di come il libro comunque non disdegni passaggi leggeri per evidenziare la radice popolare del rock & roll, e quanto un aneddoto possa essere delucidante. Non appena l'ho letto mi sono messo a scoppiare dalle risate, da solo in casa. Non mi succedeva da quando avevo 14 anni e leggevo Rat-Man.
E comunque un concerto del genere avrebbe veramente un valore inestimabile, più dei minacciosi 2000 dollari, che con la valuta del '89 dovevano essere un piccolo tesoro.
Tristemente oggigiorno i concerti possono costare anche più di tale cifra, o comunque raggiungere delle somme ragguardevoli anche se gli artisti non hanno la portata artistica di Robert Johnson.
Si parla di gente come Jimmy Buffett per 150$, U2 a Torino 287,50 €, Madonna per 375 $, Rolling Stones a 450$ e (!!!) Beyonce a 1.265£. Certo che sono tutti posti deluxe, in prima fila con trattamenti speciali e tutte le pacchianerie chic del caso, ma non si può non rabbbrividire pensando ai quasi 2500 dollari che può costare un concerto di Barbra Streisand (qualche anno fa sarebbe dovuta venire in Italia per il suo primo concerto nella penisola, che sarebbe costato 900 euro a cranio, ma tramite una denuncia dell' Associazione dei Consumatori lo show è stato annullato) o rimanere di stucco venendo a sapere della leggendaria asta indetta per una coppia di biglietti per la reunion dei Led Zeppelina all'Arena 02 di Londra del 10 Dicembre del 2007. Il vincitore si è portato a casa l'articolo per soli 83.000 sterline. Fate voi la conversione.
Almeno in questo caso, per fortuna, i soldi guadagnati dal concerto degli Zeppelin sono andati in beneficenza alle associazioni umanitarie Children in Need e Action for Brazil’s Children Trust.

Tormentone Settimanale - The Surf Skin dei Tera Melos

2010-08-27T14:54:00.007+02:00

Tera Melos - The Surf Skin

Tera Melos - Another Surf

L'estate sta finendo, finiti anche gli inni alla gioia di svariati artisti pop e folkerie solari di stagione, è l'ora di tornare alla ricerca di gruppi stramboidi.
I Tera Melos sono un gruppo californiano molto particolare nato nel 2005 e con già qualche dischetto interessante alle spalle. Cosa suonano? Boh, a me sembrano gli Weezer che fanno a cazzotti con gli Hella ad un party degli Animal Collective.
Il 7 di Settembre uscirà per l'etichetta Sergeant House il loro nuovo disco, Patagonian Rat, che è già ascoltabile e scaricabile dal loro account sul sito Bandcamp.
Oltre al video del primo singolo The Surf Skin, pacchiano come solo gli anni '90 americani sapevano essere, ho voluto inoltrare anche il seguito della canzone, Another Surf, un jazz-core Zorniano il cui video è composto esclusivamente dalle scene più violente del cartoon I Simpson. Eccezzziunale veramente!

Per gli amanti delle curiosità:

I Tera Melos non hanno una pagina di Wikipedia. Anzi, ce l'avevano ma è stata cancellata perché "non dichiara l'importanza o il significato del soggetto".
Per l'album Patagonian Rat i Tera Melos hanno ideato degli adesivi, che non si sa ancora se compariranno o meno, che a colpo d'occhio sembrano dire "Prodotto da Steve Albini", "Talking Heads" e "Da Brooklin, New York", ma in realtà riportano scritto "Prodotto da dei ragazzo che ha sentito di Steve Albini", "Durante un tour una volta l'ipod era in shuffle ed è venuta fuori una canzone dei Talking Heads" e "I Tera Melos sono californiani ma una volta hanno guidato per Brooklin, New York". Loro li chiamano gesti politici.
Sempre come gesto politico i tre musicisti incitano a tutti i gruppi con un profilo myspace di dichiarare di provenire da Brooklin, di suonare musica afro-beat e di mettere solo foto in atteggiamento apatico, così che le persone siano costrette ad ascoltare la musica piuttosto che giudicare il profilo. Sarebbe veramente bello.

La strategia degli LiKETRAiNS, o come aver passato ore ed ore sui libri di storia può aiutare in tempi di crisi

2010-08-18T15:34:00.006+02:00

Un'altra bella storia sui nuovi modelli economici dell'industria musicale.
Gli iLiKETRAiNS sono una band post-rock di Leeds che incentra le proprie canzoni su temi oscuri e lugubri di storia, con un fare biografico molto accurato e mirabile. Suicidi, assasini, frodi, inganni, attentati e disastri sono gli elementi che si riflettono nella musica e nei testi di un gruppo molto cerebrale e sofisticato, ma comunque dotato di forte humour inglese (dal vivo si esibiscono con vecchie uniformi della British Railways e fascia da lutto al braccio).
La loro produzione, iniziata nel 2005, consiste di svariati singoli ed EP, mentre il loro primo disco, Elegies To Lesson Learnt, risale al 2007 e ha rappresentato (a mio avviso) una nuova direzione di un genere che sembra sull'orlo di collassare. Nonostante questo la critica internazionale li ha lasciati passare con certa indifferenza, sottovalutando le loro idee e il loro potenziale.
Nel Dicembre dell'anno scorso gli iLiKETRAiNS sono tornati in studio per registrare il secondo LP, intitolato He How Has Seen The Deep, che verrà pubblicato nel prossimo autunno sulla loro etichetta in fase di nascita, la iLR, e di cui cureranno autonomamente la promozione. Ma per fare un disco, un'etichetta e un tour promozionale ci vogliono se non tanti comunque molti soldi, e gli ingegnosi e tenebri inglesi si sono affidati ad un sistema di fan-funding tramite il sito PledgeMusic.com (Pledge Music = Impegno Musicale).
Se il fan-funding è una strategia già rodata e non sempre efficiente, quello che PledgeMusic e gli iLiKETRAiNS offrono ai donatori è un catalogo di oggetti che è possibile acquistare a seconda della cifra devoluta. Oltre ai semplici gadget quali cartolina autografata, disco in varie versioni e maglietta col logo, sono disponibili promozioni, feticci e oggetti come effetti per chitarra funzionanti e rotti, pelli di batteria, libri con i testi del disco, stampe e dipinti degli artwork del gruppo, pass per i concerti, lezioni di chitarra e - specialità della casa - una partita a Scarabeo con il bassista Alistair Bowis (a sole 30 sterline!!!). Trovata pubblicitaria o meno, sembra che la strategia, iniziata l'8 di Luglio, abbia funzionato con eccellenza e il funereo gruppo di Leeds ha raccolto tutti i soldi necessari per l'impresa in appena 2 giorni. Ad oggi i fondi raccolti arrivano quasi al 200% del capitale necessario e sono rimasti solo pochi oggetti ancora disponibili, inoltre il 5% della cifra raccolta sarà devoluta in beneficenza all'ente ambeintalista Friends Of The Earth, impegnato sul fronte del disastro petrolifero nel Golfo del Messico a causa della BP.
Da quando è stata raggiunto l'ammontare necessario sono stati aggiunti alcune offerte in catalogo, come i biglietti del release party del disco, previsto per il 14 Ottobre presso l'impressionante acquario sottomarino The Deep a Hull, cittadina sulla costa orientale inglese. Ecco la dichiarazione entusiasta del cantante-chitarrista David Martin riguardo al concerto:

“It will be a totally unique experience to be playing up close and personal with the sharks, eels and swordfish. I’ve been a few times, but keep finding more weird and wonderful sea creatures to marvel at. This way we get to spend an evening looking around, with the added bonus of playing a gig to our biggest fans. It doesn’t get much better than that!”

Che dire? Come strategia commerciale è ben studiata, inoltre è divertente, responsabile e incitante, e si spera che il disco che sia all'altezza delle grandi aspettative che si costruiscono in un simile progetto (anche se non ho molti dubbi al riguardo... che figura orribile sarebbe per gli iLiKETRAiNS un disco pessimo dopo tutto questa campagna?). Purtroppo (come per il caso Radiohead di In Rainbows) un simile sistema se lo può permettere un gruppo già noto e che, per quanto sottovalutato, possa contare su uno zoccolo duro di fan che li appoggi incondizionatamente. La vedo dura che un esordiente nelle stesse condizioni possa avere un simile riscontro positivo, ma spero di essere contraddetto prima o poi.

Inutile curiosità: conosco un ragazzo che è spiccicato uguale, nel fisico, nei lineamenti, nei capelli e nella voce, al cantante David Martin. Potrebbe fargli comodo come controfigura.

Tormentone Settimanale - Kiss That Grrrl di Kate Nash

2010-08-06T15:09:00.002+02:00

Kate Nash - Kiss That Grrrl

Kate Nash è per fisionomia, voce e stile la cantante più "inglese" degli ultimi tempi. Molto più di Amy Winehouse, Duffy, Joss Stone, Corinne Bayley Rae o altre americanofile a tempo perso.
L'ultimo album My Best Friend Is You è un toccasana di pop-rock effervescente e vitale tutt'altro che banale o scontato, fra i migliori della sua scena. Kiss That Grrrl è il secondo singolo estratto ed il corrispettivo video è semplicemente formidabile.
Perché?
Credetemi, ci vuole coraggio ad indossare un simile vestito se sei una ragazza inglese fuori forma, ma Kate lo fa con naturalezza, senza ostentazione e senza mai perdere il suo bellissimo sorriso.

Per gli amanti delle curiosità:

Kate pubblica sotto Fiction Records, la storica etichetta discografica dei Cure che dal 2004 è diventata succursale della Polydor e pubblica alcuni dei migliori fenomeni degli ultimi anni (Snow Patrol, Yeah Yeah Yeahs, Cristal Castles per citarne alcuni).
Tutti sanno cosa è una Riot Grrrl, vero?
Kate Nash è spesso paragonata, per ovvi motivi, a Lily Allen. Essendo che questa adesso è incinta e intenzionata a prendersi una lunga pausa, io vedo in Kate la giusta sostituta in quanto capacità e stile. Peccato che, come detto, sia troppo "inglese" per il mercato americano.

Video (d)Istruttivo Sulla Pratica Apotropaica Dell'Headbang

2010-08-05T18:15:00.004+02:00

Essendo reduce dell'ultimo episodio del Macello Magnolia (una serata di metal esclusivamente aggressivo con Kvelertak, Gaza, Kylesa e Converge) ed essendo pervaso di dolori muscolatori ed articolari, un simile video non può che inebriarmi e affievolire i lancinanti strappi che ho su collo, schiena e braccia.

Japenese Cartoon, o come un rapper nero riesce a tenere un piede in due scarpe

2010-07-26T23:39:00.010+02:00

Dopo tanti rapper che minacciano di fare musica rock finalmente c'è qualcuno che lo ha fatto senza tanti preamboli e in maniera decente.
Mi riferisco al fatto che alcune stelle internazionali del nuovo hip hop, come il premiatissimo Lil' Wayne o l'inglese Dizzie Rascal, hanno di recente manifestato l'interesse a volere incidere del materiale più "hard" rispetto ai loro soliti canoni, ma ancora non c'è n'è stata ancora la minima occasione vuoi per motivi discografici vuoi per incompetenza, anche estetica (ricordo che uno dei due citati in precedenza, in un suo famoso video, fa vergognosamente finta di suonare una chitarra senza neanche una tracolla - sei un rapper multimilionario ricoperto di gioelli che va in in giro su di una Hummer-Limo e non ti puoi permettere una tracolla?!?).
A smuovere le acque alla fine è stato uno dei rapper meno misogini, criminali, magnacciofili e più dotati degli U.S.A.: Lupe Fiasco.
Proveniente da Chicago, classe 1982, Lupe è considerato uno dei migliori nuovi rapper in circolazione e ha già collaborato con praticamente tutti i pesi massimi del genere; è già un big della musica nera ma questo non gli basta, e la sua nuova impresa è un progetto chiamato Japanese Cartoon.
Ci sono stati mesi nebulosi pieni di rivelazioni e smentite su internet riguardanti nomi fittizi, lavori improbabili e carriere pronte a finire, fino a quando nel 2009 Lupe Fiasco dal suo sito ufficiale ha dichiarato la sua appartenenza al gruppo punk Japanese Cartoon. Intanto, della suddetta band sono nati i canonici myspace e facebook (quest'ultimo con un videoclip formidabile di una canzone chiamata ARMY) inoltre, durante il tour del suo ultimo disco, il rapper ha eseguito diverse volte All Sabotage!, una canzone molto rockeggiante mai apparsa su disco. Finalmente, pochi giorni fa è arrivato anche il disco d'esordio, In The Jaws Of The Lords Of Death, scaricabile gratuitamente sotto iscrizione dal sito della band.
Lupe (che per la band usa il suono nome di battesimo Wasalu Jaco) in questa nuovo gruppo si fa accompagnare da tre dei suoi vecchi compagni, Graham Burris, Matt Nelson e Le Messie, che completano la formazione insieme a una folta schiera di collaboratori (tra i tanti spicca Ian Yastbury, cantante dei Cult), anche se il rapper non è totalmente inesperto di riff e distorsioni, come ha dimostrato nella canzone Solar Midnight, parte alla colonna sonora della saga di Twilight.
Se del rap unito al rock non è una cosa così innovativa da circa 25 anni, ciò che sucita veramente interesse di questi Japanese Cartoon è soprattutto la commistione originale di suoni post-punk (in senso filologico), ritmi industrial e attitudine rap di protesta alla Public Enemy - sembrano i Devo che collaborano con i Bad Brains per un disco di cover dei Throbbling Gristle
Fra suoni grassi di elettropunk, bassi fagocitanti, chitarre taglienti e batterie elettroniche da fare invidia agli Atari Teenage Riot, uniti al senso melodico del canto tipico di Lupe Fiasco, le canzoni del disco (intrise di una storia fantascientifica e distopica, alla Nine Inch Nails di Year Zero) scorrono con una gradevole sensazione di sfogo e liberazione, e il risultato è più che ottimo per tutti i tipi di ascoltatori.
9 canzoni per 30 minuti veloci e sinceri (gratuiti, ci tengo a ricordare), questi Japanese Cartoon sono la dimostrazione del fatto che un rapper dall'enorme visibilità può uscire quando vuole dal suo personaggio e che, anche senza fare rap, può comunque tirare fuori cose eccellenti. Che serva di lezione a tutti quei b-boy, mc, gangsta, pimp e spacconi vari che appena gli togli il produttore/angelo custode non sanno da che parte rifarsi.

LA TEMPESTA SOTTO LE STELLE @ Castello Estense, Ferrara - 10/07/2010

2010-07-16T12:55:00.005+02:00

Come ogni anno La Tempesta dischi, la rinomata etichetta dei Tre Allegri Ragazzi Morti (che loro chiamano “collettivo di artisti”), celebra il suo compleanno con una giornata dedicata ai suoi artisti. Per il 2010 questa festa si svolgerà all'interno della rassegna Ferrara Sotto Le Stelle. Un festival dentro un altro festival dunque per La Tempesta che festeggia il decennale dalla sua fondazione nella cornice fiabesca del Castello Estense di Ferrara. Per l'occasione si sono fatti in quattro per proporre una rassegna quasi esaustiva di tutta la scuderia, e infatti sono tante le persone che si ritrovano fin dal primo pomeriggio a fare la fila fuori dalle transenne del castello che ospiterà per tutta la sera quasi tutti i gruppi di una delle etichette più amate d'Italia. Dico quasi perché per motivi di salute non suoneranno i Fine Before You Came – grandissima mancanza – e per motivi di tempo non è stato possibile chiamare tutti ma proprio tutti gli artisti che in dieci anni sono usciti per La Tempesta.

Una completa cernita è stata comunque offerta dai cd promozionali che verranno consegnati alle prime mille persone ad entrare. Anche per questo che oggi, così presto, davanti ai cancelli del castello si è presentata una simile numerosa folla.
Grazie alle infinite e pregiate possibilità del sito che ospiterà questo report riesco ad ottenere un accredito ed entrare dentro il festival prima dell'apertura e studiarmi bene la location. Mi danno anche un pass bello vistoso di cui mi vergogno un po' e tengo nascosto in tasca.

Il Castello Estense è veramente un bel posto: evocativo, ordinato e pulito (tranne per l'acqua del fosso insolitamente verde che un mio amico definirà “un'istallazione di arte moderna”). Nel suo spazio trovano posto due palchi, uno nella piazza principale e uno nella corte del castello, sui quali si avvicenderanno in tutto dodici gruppi. È quasi l'ora dell'apertura e faccio gli ultimi controlli fra penne, taccuini, soldi, vescica e pass. Mi ripeto un'altra volta che non voglio fare un articolo in stile gonzo-journalism (altrimenti la gente non mi prende sul serio) ed è proprio in quel momento che si aprono i cancelli.
Orde di ragazze e ragazzi si disseminano sulla superficie del castello. Passano pochi minuti è sia il cortile che la piazza principale sono già sufficientemente pieni da far capire che la serata sarà affollata.
Sono le 18:15 ed è ora che si aprano le danze. Comincia a suonare il primo gruppo: gli Altro.
Chi avrà letto il flyer dell'evento senza conoscerli deve aver capito “tutti questi gruppi e altri ancora”, ma chi ha seguito l'andamento della musica italiana sa bene che gli Altro, trio punk dalle canzoni insolitamente brevi ed efficaci, sono un caso particolarissimo. In piedi da quasi dieci anni, negli ultimi passati da totalmente sconosciuti a gruppo di culto. Il cantante-chitarrista Alessandro si è inoltre distinto per le sua abilità di illustratore e infatti è sua la grafica del cartellone della serata, con la ragazza che consuma il brodo di tempestine.

Oggi, sul palco del cortile del Castello, gli Altro sono gli stessi di sempre: cialtroni, diretti e agitatissimi. Certo che la loro dimensione è più quella del centro sociale che non della corte palazzesca, ma l'effetto è comunque portentoso. Passano una ventina di minuti e la loro esibizione finisce - gustoso aperitivo dei concerti a venire. Il tempo di cambiare il palco e la musica ricomincia: tocca ai Cosmetic, uno degli ultimi arrivi in casa Tempesta. I Cosmetic rappresentano perfettamente quello che io definisco “schitarrare”. Riprendendo il grunge e post-grunge americano, unendolo allo shoegaze inglese e un pizzico di fare italiano i quattro ragazzi nerdoidali di Rimini hanno creato una formula molto incisiva e vibrante che li ha distinti da decine e decine di emuli. Devo però annotare un difetto nel concerto di oggi: manca all'appello la bassista Emily. La minuta ragazza che completa la formazione è una delle mie ultime cotte nel mondo indipendente italiano, e giuro che prima o poi lo troverò il coraggio per dichiararle il mio piccolo grande amore. Fino ad oggi mi sono accontentato di guardarla ai concerti somatizzando sognante la mia infatuazione, cosa che avrei voluto fare anche oggi ma per tutta l'estate il suo posto è stato preso da un giovine ragazzo che comunque non sminuisce la portata dei Cosmetic.
In mezzora il loro concerto termina, con i categorici feedback finali, sciabolate di chitarre e salti nella batteria che fanno la gioia di molti. Piano nell'aria si diffonde una gioia collettiva. Il caldo è molto ma sopportabile, l'aria è afosa ma non esiste un festival che si rispetti senza un minimo di calura. Inoltre i punti bar non hanno dei prezzi esosi e farsi una birra o due per rinfrescarsi non diventa una rata del frigorifero, come succede a eventi simili.
Sono passate da poco le 19:00, mentre nel cortile viene smontata l'attrezzatura dei Cosmetic arriva il momento di far partire la musica anche nella piazza.

Il primo concerto del palco principale spetta agli Uochi Toki e al loro rap nevrotico e rumoroso. Il sole è proprio dietro le loro spalle, sbattendosi direttamente in faccia al pubblico e irradiando i due, Napo e Rico, come fossero dei messaggeri divini. Mai un paragone fu peggiore!
Gli Uochi Toki si esibiscono con mordente e fra una canzone e l'altra, come sempre, si divertono a rimproverare il pubblico per svariati motivi, per questo i loro concerti sono tanto divertenti. Ma il bello di oggi è nella possibilità di sentire accuratamente le basi di Rico grazie al bell'impianto del festival, inoltre la voce di Napo oggi è più acuto e tagliente che mai. Per loro deve essere uno dei concerti con più affollati in assoluto, tanto che Napo alla fine dell'ultimo brano Il Ladro prova futilmente a contare tutti i presenti.
Anche il loro è spettacolo è stato sfizioso ma sono ancora molti i gruppi ottimi che dovranno esibirsi, come l'eclettico duo che si sta apprestando a suonare nella corte del castello.

I palermitani Pan del Diavolo sono gli ultimi arrivati fra le fila della Tempesta ma si sono già largamente distinti per stile e capacità. Il loro disco d'esordio Sono all'osso ci ha messo poco a farsi notare e ancor meno a rimanere impresso nella testa di mezza Italia. Arrivo nel cortile che il duo è impegnato a suonare Coltiverò l'ortica, con la partecipazione del cantautore Moltheni alla batteria. Le mura del castello aumentano con esagerazione il rimbombo della grancassa-simbolo dei siciliani, le chitarre suonate con vigore sembrano doversi spezzare sotto le ampie plettrate e la voce sguaiata del cantante Pietro è un eccitante per tutti presenti.

Fra rock & roll primitivo e punk bluegrass il concerto del Pan del Diavolo prosegue con grande entusiasmo di tutti fino a terminare con la title-track del loro album.
Sono passate da poco le otto e, dall'altra parte del festival, i Sick Tamburo hanno appena iniziato a suonare. Non c'è un attimo di pace in questa serata, neanche il tempo che smetta di suonare un gruppo che dall'altro palco cominciano quasi simultaneamente. Stanco per via del sole e delle diverse ore passate in piedi, mi metto a sedere in disparte vicino al colossale cannone che addobba la piazza del castello, e colgo l'occasione per chiaccherare un poco con un vecchio nuovo amico. Trattasi del Mula, il rapper aiutante-schiavo degli Uochi Toki che ho avuto modo di recensire e conoscere in passato.
Forse perché sono logorroico come lui, forse perché abbiamo visioni simili del mondo, forse perché siamo entrambi stempiati o forse perché è pagato dalla Pubblica Assistenza per seguire casi clinici come me, fatto sta che insieme parliamo bene e discutiamo sulla giornata di oggi. Siamo entrambi d'accordo sulla eccellente scelta di Ferrara come luogo per questo evento, perché rende giustizia alla radice provinciale di molta musica indipendente italiana, molto meglio di un festival fatto al Leoncavallo o al Magnolia di Milano.
Intanto i Sick Tamburo, gruppo elettro-punk nato in seguito allo scioglimento dei Prozac +, sono lì sul palco grande che suonano con le loro caratteristiche maschere nere da briganti. Devono essere sudati fradici, anche perché non suonano mica ballate, e il pubblico deve esserlo con loro dato che salta e urla di ammirazione.
I Sick Tamburo finiscono di suonare, saluto il Mula e mi faccio avanti per vedere il successivo concerto degli Zen Circus, ma l'accesso al cortile è interdetto. Il fatto è che la capienza del secondo palco è limitata a novecento posti che con l'affluenza di oggi non deve essere stato difficile riempire. È allora che tiro fuori la pietra dello scandalo e faccio uso dei superpoteri del mio pass finora tenuto nascosto. Mi fanno passare, con tanto di riverenza, e guardando le decine di ragazzi pressati nella fila mi vergogno di me stesso. Ma mi consolo velocemente, pensando alle centinaia di dischi originali che ho stipati a casa e le migliaia di euro che negli anni ho speso in concerti. Sono questi i momenti in cui rifarsi.
Entro nella corte e non ci vuole molto a capire perché l'ingresso sia bloccato. Nello spazio di un campetto da calcio si ritrovano accalcati tantissimi ragazzi che saltano e gioiscono alle note di Punk Lullaby. Il trio livornese è diventato negli anni ammiratissimo, grazie anche al respiro internazionale degli ultimi dischi; dal vivo, invece, sono una carica di energia e umorismo che è meglio di un best of della Gialappa's Band. Una battuta su fra quelle di oggi di essere ricordata: “Stasera suoneranno un casino di gruppi della Madonna, mentre noi siamo solo un gruppo della Puttana”. Il concerto si chiude con una sentitissima Figli di Puttana, canzone in cui tutti si immedesimano. Al finire degli Zen Circus, lentamente la massa sudata dei presenti si sposta verso la piazza del castello. Non faccio in tempo ad arrivare dall'altra parte che già parte la canzone Vita Rubina di Moltheni. La gente si muove lentamente per via dell'affollamento e passano diversi minuti prima che io possa arrivare al punto giusto per vedere bene il concerto appena iniziato.
Moltheni, il Devendra Banhart italiano. Cantautore folk dalla carriera decennale che da un po' di tempo, nonostante il successo, minaccia di smettere di suonare. Per esempio il concerto dello scorso 24 Giugno a Roma doveva essere l'ultimo in tutte le salse, e invece eccolo a qui a ripercorrere il meglio delle sue ultime produzioni. Effettivamente il suo modo suonare sa di addio, di definitivo; Umberto Giardini (vero nome di Moltheni) e i suoi si esibiscono con sentimento, trasporto e passione, ma da qui a dire che non farà più concerti ho i miei dubbi. Finiscono di suonare che il sole è ormai sceso dietro alle case di Ferrara facendo calare il buio dentro il Castello Estense.
Sono le 22:00 e mi reco a vedere l'ultimo spettacolo nel cortile gremito del castello, affidato ai mitici Giorgio Canali & Rossofuoco che per l'occasione divideranno il palco con i Frigidaire Tango. A vederlo dal vivo il vecchio Canali, già chitarrista di CSI e PGR, è un'esperienza molto particolare: questo non più giovane sbraita e si dimena sul palco, imbastendo un rock come se ne vedono pochi in Italia. Si succedono canzoni di protesta a lamenti eretici che vengono impreziositi dall'aggiunta delle icone del new-wave italiano Frigidaire Tango. Uno dei momenti più alti arriva quando dedica sarcasticamente la meravigliosa canzone Precipito a Pietro Taricone, il gieffino recentemente scomparso.
Le canzoni vanno avanti, io intanto mi appresto a cambiare piazza nella speranza di trovare una buona posizione per il prossimo spettacolo. Ad avviare la parte conclusiva della serata che si svolgerà solo nella piazza del castello ci sono proprio loro, le fervidi menti che non solo hanno organizzato questo festival ma che da quindici anni portano senza sosta la loro musica in giro per l'Italia, e da dieci cercano di dare voce e senso artistico a chi altrimenti non l'avrebbe avuto.

I Tre Allegri Ragazzi Morti, padrini dell'indipendenza, nel loro lungo viaggio hanno dato e ricevuto tanto, e l'aver scelto di suonare prima di altri gruppi è un gesto molto corretto e di grande onestà intellettuale. Eppure sono proprio quei tre sul palco, più il turnista con il cappello da topo, che molti stasera aspettavano trepidanti di vedere in concerto, in vista anche del fatto che dall'uscita del loro ultimo disco in chiave raggae Primitivi del futuro durante le loro canzoni adesso si può anche ballare in levare.
L'atmosfera del castello è raggiante e molto positiva. Per il piacere di vecchi fan vengono sfoderati anche brani più vecchi come Mai Come Voi, Il principe in Bicicletta e un medley dub dei primissimi brani che strappano ulteriori sorrisi, se si pensa al lungo e affascinante percorso del trio di Pordenone.

I Tre Allegri Ragazzi Morti finiscono di suonare e vengono salutati con gioia e affetto da tutto il pubblico; sono circa le 23:30 e tra poco comincerà l'esibizione de Le Luci Della Centrale Elettrica. C'è da sapere che io ho un problema con Vasco Brondi: proprio non lo digerisco. C'ho provato ad ascoltarlo bevendo della magnesia ma non è servito a niente, continua a rimanermi sullo stomaco. Ora, siccome io gli voglio bene al mio caporedattore, e non voglio creargli dei fastidi parlando male di un personaggio tanto incensato, neanche mi presto a vedere il concerto e mi allontano per il tempo necessario. Forse mi perderò uno spettacolo bellissimo, ma c'est la vie.
Piuttosto mi ritrovo chissà come nella zona VIP del festival insieme a: il già citato Mula, gli Uochi Toki al completo, il bassista dei Calibro 35 comparso dal nulla, un ragazzo di nome Emmanuel da Cesena e uno sconosciuto molto ferrato in filologia greca. La nostra è una tavola rotonda piena di digressioni dove tocchiamo argomenti come l'imbarazzo, l'esibizionismo, le vite multiple, l'amore platonico e l'amore sessuale. Il tutto innaffiato copiosamente di birra.
Passa la mezzanotte, sento da lontano che Le Luci Della Centrale Elettrica hanno smesso di suonare e ritorno nella piazza del Castello. Trovo un mio amico molto entusiasta, mi dice che l'ultima canzone che ha eseguito il Brondi è stata La Domenica delle Salme di De André. Io gli rispondo: “E 'sti cazzi?”

È mezzanotte e mezzo. Siamo al culmine della serata, la piazza è interamente occupata da persone, tutte felicissime di vivere un evento tanto ricco. A conti fatti tutti gli artisti di stasera rappresentano la colonna sonora di molti amanti della musica indipendente italiana e un evento così definitivo ben gestito è un'occasione più che rara. Ma il meglio deve ancora venire.
Il finale non poteva che spettare alla perla nera de La Tempesta dischi, il diabolico gruppo che da solo ha stravolto la concezione di rock in Italia: Il Teatro degli Orrori. Come loro in pochi sono riusciti nell'arco di soli due dischi a catturare tanta attenzione e influire nell'opinione in un certo qual modo pubblica.
L'ultima esibizione è attesissima, c'è gente che è venuta fin qua solo ed esclusivamente per loro; e loro rispondono a questa richiesta con un concerto tecnicissimo ed energico fin dalla prima canzone, Due. La nuova formazione, cambiata dopo l'abbandono del bassista Giulio "Ragno" Favero, propone un set misurato e studiato in ogni particolare. I movimenti del cantante Pierpaolo Capovilla sono diventati teatrali, fatti con mestiere, come i suoni e le note dei musicisti.
Intanto sotto il palco si sta scatenando il macello totale.
Sfilano con eleganza rumorosa il meglio di Dell'impero delle tenebre e A sangue freddo che il pubblico accoglie come esaltazione da tauromachia. C'è chi viene lanciato nell'aria, chi sgomita a destra e manca, chi non riesce a stare in piedi (complice il ciottolato non livellato della piazza) e chi come me subisce tutto questo ma senza lamentarsi. Piuttosto godendone.
Diversi mesi fa andai a vedere un concerto del Teatro degli Orrori nella mia città. Durante il pogo di quella sera, non so come mi sono procurato una ferita sul dorso della mano sinistra di cui è rimasta una cicatrice; non è molto appariscente ma io so che è lì. Da oggi quella cicatrice ha una compagna, proprio sull'indice dell'altra mano. È un taglio più piccolo ma comunque incisivo, e mi ricorderà che 1) il Teatro degli Orrori sono un gruppo che nel bene o nel male ti lasciano il segno 2) devo starmene lontano dalla gente che non si taglia le unghie.

La concerto finisce. A parte il dito, per miracolo sono illeso. I miei pantaloni un po' di meno: le penne che tenevo in tasca si sono completamente distrutte macchiandomi irrimediabilmente di inchiostro. C'è chi ancora urla gaudiente verso il palco, estasiato dal Teatro degli Orrori. Ma è l'una e mezzo e non conosco città al mondo che permetterebbe di suonare nella piazza centrale oltre quest'ora. La folla comincia a diradarsi e non vedo in giro facce che non siano felici.
Saluto chi c'è da salutare, poi l'ora comincia ad essere tarda e per me il viaggio è ancora lungo. Stanco ma lieto mi incammino con due amici verso la stazione. Arriviamo alla ferrovia e assistiamo a scene di pura ignoranza da parte di alcuni ragazzi reduci del festival impossibilitati a salire sul treno diretto a Bologna (che è anche il nostro) in quanto colmo fino all'inverosimile. Solo dopo molta inciviltà il capostazione cede alla richiesta di aprire i corridoi di alcuni vagoni-letto occupati da turisti tedeschi dormienti, strappando a tutti i presenti la promessa di non fare il minimo rumore. Io me ne sono stato in disparte fino a questo momento, già rassegnato a dormire su di una panchina fino alla mattina seguente, ma cautamente riesco a salire e trovare comodamente spazio fra le cabine crucche.
Il treno riparte, con notevole ritardo. La vibrazione dei binari è soporifera e io mi sento a pezzi.
Mi siedo a terra e svengo.

Tormentone Settimanale - Tenderoni di Kele

2010-07-14T21:22:00.003+02:00

Kele - Tenderoni

Kele Okereke, leader del gruppo indie-rock britannico, ha da poco intrapreso la carriera solista. Il suo primo disco è The Boxer, una interessante parentesi di musica elettronica che rappresenta una notevole evoluzione stilistica del personaggio.
Nel disco, nonostante la musica ricordi il tamarrismo di certa deep-house, i testi di Kele sono come suo solito imperniati sulle difficoltà sentimentali e sociali di persone estremamente sensibili. Per descrivere meglio binomio musica-testi quelli rivista Rolling Stones si sono persino azzardati a coniare il termine "emo-rave".

Per gli amanti delle curiosità:

Kele parla pochissimo di sè e della sua vita privata, raramente rilascia interviste e quando lo fa è sempre molto riservato. Pochi mesi fa però è comparso sulla copertina di Attitude Magazine, famosa rivista inglese sul mondo omossessuale, confermande certe indiscrezioni sulla sua sessualità.
L'espressione "tenderoni" è l'equivalente inglese di sbarbina.
So che è una cazzata ma questa proprio non potevo lasciarla fuori: dal suo blog ufficiale Kele posta link di vari personaggi, canzoni, filmati e cose che lo affascinano e che vuole condividere con il mondo. Uno degli ultimi post, signore e signori, riguarda niente popò di meno che il brano The Riddle di Nik Kershaw nella versione remixata di Gigi D'Agostino. Panico!

Baroness: un richiamo alla tribù del Metal

2010-07-13T13:09:00.010+02:00

Quando ti rasi i capelli a zero, le ancestrali divinità del metallo si adirano. Per rimpoverarti di un simile empio gesto ti sottopongono immediatamente ad una esperienza che ti farà rimpiangere di aver tagliato il tuo tricotico orpello, ricordandoti che il metallo è bello.
Ieri sera al Magnolia di Milano, fresco di un radicale taglio di capelli per l'estate, mi sono ritrovato davanti a questa nuova promessa del metal americano: i Baroness.
Gruppo giovane, sia per età che per stile, proveniente da Savannah, Georgia; dal 2007 ad oggi hanno pubblicato due LP, The Red Album e The Blue Album (sotto la rinomata etichetta metal Relapse Records) che hanno ottenuto consensi molto caldi e positivi, insieme a premi come "il miglior disco dell'anno" datogli, per la prima pubblicazione, dalla rivista americana di metal Revolver. A confermare il loro sempre più grande successo è la recente notizia che il prossimo autunno saranno la band che aprirà tutte le date della tourné australiana e neozelandese dei Metallica. Si, proprio i Metallica.
La loro particolarità è di aver riunito nella stessa forma i canoni dello sludge e del progressive, facendoli legare con massicce dosi di trash metal. Quindi, senza abbandonare il retaggio del migliore hard rock di sempre, hanno spolverato la concezione del solito quartetto metallaro, raggiungendo immediatamente la notorietà e la stessa attenzione data ad altre formazioni moderne quali Kylesa, Lamb of God e Mastodon.
In questo periodo i Baroness sono in pieno tour europeo, collezionando date su date ad un ritmo pauroso, e quella di ieri è stata la loro prima esibizione italiana. Ed è stata formidabile.
Fin dalle prime note il gruppo americano ha sbattuto un faccia a tutti i presenti la forza di un metal puro e sincero, diretto e rapace, senza mancare di tecnicismo e originalità. Tutto era perfetto: i ritmi della scaletta, i suoni delle chitarre, le cavalcate Morriconiane della batteria, la gestione dei problemi tecnici, gli assoli tutt'altro che masturbatòri e le urla tribali del cantante John Baizley (famoso anche per il suo di lavoro di illustratore: oltre a curare tutte le grafiche dei Baroness, disegna anche cover, t-shirt e design per altri gruppi - ed è bravissimo).
Inoltre, il benvenuto italiano è stato un grandioso.
Un pubblico caloroso e vivido - fatto anche di persone, come me, che non conoscevano neanche mezza strofa - ha accolto i quattro americani con entusiasmo. Non sono mancate manifestazioni di gioia pura fra pogate, crowd-surfing, stage-diving, abbracci di gruppo e headbanging senza contegno (e qui servivano i capelli appena fatti tagliare). Senza contare il sudore a litri, che in mezzo a una bolgia metallara non sai mai se è il tuo o quello del ragazzo senza maglietta accanto a te.
Dal canto suo il cantante ha promesso dal palco che è stato uno dei concerti più belli che avessero fatto, che eravamo tutti diventati un pezzo suo "fucking" cuore e che sarebbero tornati non appena avrebbero potuto. In sintesi è stato un concerto pieno di energia, imperdibile per tutti.
L'evento era parte della rassegna estiva Macello Magnolia, un pout-puorrì di metallate che la metà basterebbero a far venire un aneurisma. Scrutando il sito del Magnolia ci può rendere conto che le prossime date, visti gli artisti presenti, saranno altrettanto granitiche e memorabili: il 22 Luglio sarà la volta dei rinomati Clutch, mentre il 4 Agosto (il mio compleanno) toccherà a Converge e Kylesa (e sarà il genetliaco più bello di tutta la mia vita).

Le seguenti foto sono state scattate la sesa stessa da Laura Zanutti che gentilmente mi ha concesso di utilizzarle e altrettanto gentilmente sopporta le mie critiche a tutto e tutti.

The Voice Project

2010-07-09T14:44:00.006+02:00

Ecco una iniziativa intelligente, interessante e ben studiata, forse più nei contenuti che nel messaggio.
The Voice Project è una campagna di raccolta fondi per l'Uganda, volta ad aiutare le donne di etnia Acholi sopravvissute a decenni di guerra, miseria e instabilità sociale.
Queste donne superstiti, come nelle migliore tragedie africane, si sono riunite per il sostentamento reciproco e con l'aiuto di diverse associazioni umanitarie stanno cercando di risollevarsi dalla loro mesta condizioni, grazie anche a un particolare progetto di coro.
Unendo la tradizione ricreativa del coro a messaggi di pace, amore e perdono, il loro canto si è levato in altro, raggiungendo prima i centri focali africani, poi in tutto il globo proprio con The Voice Project che lo ha reso udibile e comprensibile internazionalmente.
Cosa differenzia questo progetto di solidarieta dalla decine di altri che continuamente si appellano al buon senso di colpa dell'uomo occidentale?
La loro originalità sta nell'aver coinvolto dei musicisti famosi.
È vero, non è una cosa originale, ma non si tratta del solito Live Aid, Amiche per l'Abruzzo o qualsiasi altro happening pseudo-buonista alla Bono con cui tingere di lodi ipocritiche le solita star di turno. Di fatto le donne Acholi hanno eseguito canti tradizionali africani, inni di pace,
fino a quando un giorno hanno chiesto a una volontaria statunitense di insegnarli una canzone americana. Ne È venuta fuori una esecuzione molto entusiasmente del brano Suitcase del folk-singer Joe Purdy, e da lì è cominciato tutto.
Verso la fine del 2009 la registrazione è stata fatta ascoltare a Joe Purdy stesso, che a quanto pare è scoppiato in lacrime dalla gioia, e gli è stato chiesto di suonare a sua volta una cover di un brano che ritenesse idoneo e significativo per il progetto. Lui ha scelto ed eseguito Swan Swan H dei R.E.M che è stata filmata e postata sul sito ufficiale, in questo modo il Voice Project ha preso forma e sostanza.
La troupe dell'associazione è arrivata quindi da Mike Mills, chitarrista dei R.E.M, che ha sua volta ha suonato un brano del rocker inglese Billy Bragg. Nel frattempo il coro africano ha ripreso un altro brano, Home di Edward Sharpe and The Magnetic Zeros, mentre è stato chiesto ai californiani Dawes di fare due cover per allargare il numero di catene che sarebbero nate tramite The Voice Project.
L'evento si è fatto inarrestabile. Sono passati pochi mesi dalla sua genesi ma ci sono già diversi filmati preziosi che farebbero aumentare la salivazione ad ogni amante della musica. Non c'è un filo conduttore fra i vari musicisti, sotto lo stesso sole risplendono Gary Go, Har Mar Superstar, Emmanuel Jal, Kitten e molti altri, fino all'ultimo filmato che ritrae Peter Gabriel eseguire la bellissima In The Neighborhood di Tom Waits.
Solitamente i brani sono in acustico, spogli e commuoventi, puntano a una dimensione intima ed evocativa accentuata anche dalle riprese, in bianco e nero, quasi sempre ambientate in abitazioni o stanze d'albergo che aggiungono profondità alle esecuzioni.
Il tutto gratuitamente. Non c'è bisogno di nessuna parcella per visionare i filmati postati sul sito insieme al resoconto progressivo del progetto. Eventuali donazioni sono discrezione dei visitatori se toccati nel profondo dal messaggio che gli viene trasmesso.
È un bel progetto, ho il dubbio è che alla fine la maggior parte dei visitatori si guardi esclusivamente i filmati dal sito, come fosse un youtube di cover, e ignori completamente il richiamo della associazione umanitaria che, ricordiamocelo, fa tutto questo per aiutare certe persone, non per rallegrarne altre.
Ma forse quello delle catene di cover è solo un primo passo. Probabilmente quelli di The Voice Project stanno già studiando metodi per catturare maggiore attenzione, come un concerto o un dvd.
Voglio inoltrare il video fatto a Billy Bragg, che ha deciso di rendere omaggio a Joanna Newsom (ebbene si, sono anche io un blogger innamorato della bellissima arpista californiana. Qualche problema a riguardo?) con una cover dolcemente sinistra e inquietante di On A Good Day, tratta dall'ultimo disco della musicista Have One On Me.

Giuro che se Joanna Newsom risponderà all'appello e continuerà la sua catena di cover allora farò anche io (che sono uno scettico irreprensibile) una donazione a The Voice Project. Non cospicua, ma comunque sincera.

Tormentone settimanale - Milioni di Giorni di Niccolò Fabi

2010-07-05T00:50:00.002+02:00

Niccolò Fabi - Milioni di giorni

Difficilmente una canzone può riparare una perdita.
Non devo e non voglio dare spiegazioni.
Avevo anche trovato una foto della splendida Olivia ma per rispetto mi sono trattenuto dal postarla.

M66r6 (non è un errore di battitura)

2010-07-01T01:30:00.004+02:00

Quello che mi piace della nuova scena musicale italiana è la sua fervida reticolarità. Dato che l'Italia è un paese minuscolo, i musicisti si conoscono praticamente tutti fra loro ed è facile vedere spuntare collaborazione disparate fra artisti, anche molto diversi fra loro, che rivelano innumerevoli rifrazioni.
Quello che non mi piace della nuova scena musicale italiana è l'eccessiva spontaneità. C'è un'irrequietezza in certi progetti che nascono con una fretta esagerata dando alla luce lavori ancora acerbi e grezzi, denontando troppa sicurezza di se stessi.
Per spiegare bene questo disturbo bipolare prenderò ad esempio un progetto appena nato che sta già facendo molto parlare di sé. Trattasi di Mooro, traslitterazione di M66r6, un supergruppo nato dall'entusiasmo collettivo di Jacopo Battaglia (batterista degli Zu), Giovanni Ferliga (membro degli Aucan) e Giulio Ragno Favero (musicista indimenticabile di One Dimensional Man, Teatro degli Orrori, Putiferio e produttore fra i più richiesti d'Italia). Suonano musica elettronica cercando di abbracciare quanti più sottogeneri riescono.
Io non so assolutamente da quanto tempo i M66r6 provino insieme, da quanto abbiano in serbo le registrazioni caricate sul myspace ufficiale e quali forme prenderà in futuro il progetto; però mi riservo il diritto di dire che i tre brani caricati sul loro myspace non sono così spettacolari come ci si potrebbe invece aspettare da una simile collaborazione. "Google Days" in pratica è un sample dei Bloody Beetrots blandamente arricchito, "All Walls Falling" forse è la più interessante ma comunque troppo torbida per essere apprezzata, mentre la conclusiva "Rein" non è che una deep-house distorta e tutt'altro che spettacolare. Tre brani sono ben poco per farci sopra grandi discorsi ma anche un solo spicchio può dire molto di tutta la mela, quindi fermiamoci un secondo a riflettere accuratamente.
Jacopo Battaglia è un musicista diabolico e i suoi Zu, che non temono il confronto con nessuno, sono uno dei gruppi più validi al mondo; Giulio Ragno Favero è una una leggenda vivente, è bigger than life come dicono gli americani, per visione e capacità è paragonabile a Steve Albini e praticamente da solo ha reso la musica italiana ha portato la musica italiana alle antenne internazionali; Giovanni Ferliga, già pupillo del Favero, è una dei personaggi più promettenti della nuova scuola italiana e il recente ep "Dna" dei suoi Aucan è in lista per diventare uno dei migliori esordi dell'anno. Non c'è Cristi che tengano: insieme non possono scaciare, è matematicamente impossibile che dai loro sforzi non venga fuori qualcosa di interessante. A meno che il loro lavoro non sia altro che una prova in studio, un semplice promo di qualcosa che ancora deve maturare e raggiungere la sua forma perfetta. È questa la sensazione che suscitano i meri brani del myspace, lo stesso non molto curato, e quindi prima di gridare al miracolo di riservo di ascoltare più materiale e ricevere più informazioni sul progetto.
Consideriamo il fatto che per ora voglio artisticamente molto bene a tutti quanti i M66r6 presi singolarmente, e dico che possiamo andare più che fieri del recente andamento artistico della musica italiana. Ma ci tengo a porre l'accento sulla questione perché credo che manchi un minimo di riflessione sullo stato dell'arte della grande evoluzione artistica messa in moto proprio da gente come Battaglia, Favero e Ferliga.
Come se si fossero fatti prendere troppo la mano. Come può darsi che la mia sia solo miopia.

Tormentone Settimanale - Pop Korn dei Soil & "Pimp" Session

2010-06-20T23:06:00.002+02:00

Soil & "Pimp" Session - Pop Korn

I Soil & "Pimp" Session sono un gruppo giapponesi e la loro etichetta discografica è la Brownswood Records. C'è chi dalle loro parti ironicamente li etichetta come un gruppo death-jazz.
Vi piace il jazz? Puoi darsi che i Soil & "Pimp" Session vi facciano ribrezzo.
Vi piace il metal? Puoi darsi che i Soil & "Pimp" Session possano piacervi.
Vi piacciono l'istrionismo, l'eclettismo, lo sfarzo, il kitch e il chiasso di un carnevale anfetaminico? Può darsi che i Soil & "Pimp" Session siano il vostro nuovo gruppo preferito.
È uscito da poco il nuovo disco chiamato 6. È imperdibile.

Per gli amanti delle curiosità:

Il gruppo è già molto famoso nella scena internazionale, lanciati tempo addietro dal famoso dj francese Gilles Peterson, proprietario della già citata etichetta Brownswood Records e celebre collezionista di dischi.
I Soil & "Pimp" Session sono formati da sei membri: Midorin il batterista, Akita Goldman il contrabbassista, Josei il pianista, Tabu Zombie il trombettista, Motoharu il sassofonista e The President aka Shacho l'agitatore. Oltre ad urlare e muoversi oscenamente dal vivo quale che sia la funzione di Shacho l'agitatore non ci è ancora dato saperlo.
Nel nuovo album i cari giapponesi fanno qualcosa di inaudito rispetto alla loro discografia: c'è un tale DJKENTARO in apertura, c'è lo scat di Jamie Cullum nel standard jazz Stolen Moments e persino una voce femminile nella canzone My Foolish Heart.

La conferenza TED di David Byrne

2010-06-14T16:55:00.002+02:00

Tramite Pitchfork.com ho potuto scovare questa conferenza TED fatta da David Byrne lo scorso Febbraio.

Per chi non la conoscesse, TED (acronimo di Technology, Entertainment, Desing) è una no-profit che organizza degli incontri dove personaggi più o meno noti di vari campi delle scienze umane sono chiamati a tenere delle letio magistralis. Non si parla molto spesso di musica in queste conferenze, ma quando accade è sempre molto interessante.
Nel particolare, l'ex-frontman dei Talking Heads spiega come l'ambiente dell'esecuzione svolga una sorta di funzione "creativa" nella mente del musicista. In pratica si domanda se un artista non abbia già in mente il luogo dove andrà suonata la musica da lui composta e se non la componga proprio in base a criteri dettati da quel posto.
Pone il caso dello storico club punk di New York CBGB, dove Byrne ha svolto i suoi primi concerti, per poi passare alle radure africane, alle chiese, ai salotti nobiliari, agli stadi, alle sale da concerto, agli amplificatori e i lettori MP3.
Infine paragona questo modello, che definisce evolutivo e adattivo, al canto degli uccelli che varia sensibilmente con le loro abitudini e il loro habitat.
Nei 15 minuti della presentazione David Byrne non dice niente di musicologicamente sbalorditivo, ma è simpatico e interessante e merita di essere visto solo per il piacere vedere una delle figure più intelligenti dell musica pop essere considerata al pari di uno scienziato cognitivo, un massmediologo o un etologo.

Tormentone settimanale - The Space In Between di How To Destroy Angels

2010-06-01T15:14:00.002+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico.
Ogni settimana con la pretesa dell'attualita, una canzonee che faccia da leitmotiv.
Alla faccia delle tutele e dei copyright che tanto non rispetto mai.

How To Destroy Angels - The Space In Between

Negli ultimi tempi si è visto quanto Trent Reznor stesse dando di capo. Pubblicare 3 album nell'arco di un anno (nessuno veramente eccelso), litigare ferocemente con la sua major, dimettere tutti i suoi compagni musicisti, chiudere temporaneamente il capitolo Nine Inch Nails (soprattutto per quello che riguarda i live), ripudiare e rinnegare il mondo dei social network, infine vendere tutto gli strumenti musicali del suo studio su ebay: magari non sono segnali di vero e proprio squilibrio, ma denotano una certa instabilità.
How To Destroy Angels è il suo nuovo progetto, imbastito con la bellissima moglie Mariqueen Maandig e il musicista e produttore Atticus Ross, amico di vecchia data di Reznor. L'omonimo ep di debutto, uscito proprio oggi, è un bel concentrato di industrial e elettronica dove la sottile voce della moglie si inserisce come un rasoio gelido. Erano anni che Trent Reznor non sfornava qualcosa di vosì valido.
Che sia l'inizio di una bella ripresa?

Per gli amanti delle curiosità:

L'ep dei How To Destroy Angels è scaricabile gratuitamente dal sito ufficiale, ma è possibile pagare due dollari per comprare i file ad alta definizione. In formato fisico uscirà il 6 di Luglio ed è previsto anche il vinile in data ancora non annunciata.
La signora Mariqueen Maandig, partner di Trent Reznor, non è nuova nel mondo della musica. La sua formazione è avvunta nelle file dei West Indian Girl, gruppo di rock psichedelico originario di Los Angeles.
How To Destroy Angels è il nome di un EP del 1984 dei Coil, affascinante e poliedrico gruppo industrial inglese che più di tutti ha reso il genere uno stile musicale a se stante.

Il buzz degli Arcade Fire, o Come divertirsi all'antica nell'era del digitale

2010-05-28T17:37:00.006+02:00

Gli Arcade Fire sono uno dei gruppi più validi e rilevanti venuti fuori dagli anni zero.
Chi non è d'accordo, via da questo blog. Per il piacere di chi invece è in linea con la mia considerazione cercherò di riassumere la trama degli eventi recenti riguardanti il gruppo nordamericano.
È da diverso tempo che mezza blogosfera si chiede a quando sarebbe uscito il prossimo disco, la cui ultima fatica Neon Bible è datata 2007. Nel frattempo gli Arcade Fire hanno fatto un po' di tutto: tourné, festival, supporter per Barack Obama, beneficenza per Haiti, collaborazioni con Spike Jonze e tante altre faccende, ma di nuovi dischi non se ne è mai parlato. Non fino alle scorse settimane.
Dopo varie voci mai veramente confermate, nelle prime settimane di Maggio è apparso sul sito degli Arcade Fire, in fase di restyling, un nome che tempestivamete è sparito. Trattasi di un non meglio definito "The Suburbs". Dopo appena pochi giorni sul sito di vendite Amazon.com è comparso in pre-order un singolo inedito della band, chiamato "The Suburbs/Month of May"; mentre sempre sul sito ufficiale è stata pubblicata una cartolina (indirizzata ironicamente a "The Internet: General Delivery, 1400 The Defense Pethagon, Washington D.C. 20301) che annunciava l'uscita a breve di un 12 pollici.
Erano tutti con le orecchie tese quando il 12 pollici è venuto fuori. Però era virtuale.
Di fatto sul sito degli Arcade Fire, in data 20 Maggio, è comparso questa simpaticissima clip interattiva di un vinile su cui era possibile interagire: riproducendolo, rallentandolo, mandarlo in reverse, fargli un po' di scratch e capovolgerlo per ascoltare il lato B. Di entrambi i brani era possibile ascoltare solo pochi secondi. Il lato A era una parte strumentale briosa e solare, molto pop; il lato opposto un rock bello intenso in cui Win Butler, il frontman degli Arcade, recita le parole "Gonna make a record in the month of May".
Maggio è stato sulle soglie di finire e nessuno ha avuto più notizie della band, fino a quando qualche radio sparsa per il mondo non ha mandato in onda integralmente le canzoni appena accenate dal vinile digitale. Inoltre, in un negozio di dischi a Glasgow, è comparso un vero 12" a nome Arcade Fire. In data 27 Maggio era arrivato il momento giusto per rivelarsi, e tramite un post (anzi una lettera, firmata Arkady Fireovitch) sul sito ufficiale gli Arcade Fire hanno annunciato l'uscita di The Suburbs, il nuovo album che vedrà la luce il 2 Agosto 2010 ma già in pre-order anche in versioni speciali, come anche del singolo The Suburbs (contenente le due famose canzoni) che oltre ad essere ascoltabile, ed aquistabile, digitalmente e possibile trovarlo in edizione limitata presso pochissimi negozi di dischi indipendenti ed esterni ai grandi circuiti sparsi in tutto il mondo.
Ultimo particolare, interessante e forse non irrilevante. Dal sito degli Arcade Fire è anche possibile consultare il testo della canzone The Suburbs, ma la sopresa è che le parole sono interattive e intercambiabili.
Per il resto non ci resta che aspettare il mese di Agosto, nel frattempo però gli Arcade Fire torneranno in tour verso la fine di Giugno, magari proponendo delle novità dal vivo.

Paul Gray è morto

2010-05-25T02:14:00.004+02:00

Paul Gray è deceduto.
È una notizia che mi sconvolge nel profondo, molto di più di quella di Ronnie James Dio. Paul era il bassista degli Slipknot, numero 2 e maschera di maiale prima di Hannibal Lecter poi, nonché uno dei membri fondatori del medesimo gruppo insieme a Shawn Crahan, Joey Jordison e Andres Colsefini.
Il suo ruolo non si limitava solo a quello di riempire con il basso le canzoni degli Slipknot, ma la sua indole era quella di un produttore perfezionista e maniacale, doti che lo hanno portato a creare quel sound completo e decisivo che ha fatto la fortuna degli Slipknot già dal loro disco di esordio (interamente scritto da Paul Grey e Joey Jordison). Grazie al suo lavoro l'estetica musicale degli Slipknot è stata una delle più emulate nella mondo del nu metal, tanto che ancora oggi se ne sentono gli effetti.
Il suo cadavere è stato trovato in un albergo di Des Moines, aveva 38 anni e per ora non si sono state chiarite le cause del decesso. Molto probabilmente è colpa di qualche droga (c'è un precedente, Paul fu arrestato nel 2003 per possesso di marijuana, cocaina e altre sostanze stupefacenti); questo non lo rende di certo una persona migliore o pregevole ma se penso a tutta la mia adolescenza passata ad ascoltare i dischi dei nove mascherati dell'Iowa non posso che dispiacermi del fatto che il metal ha perso un musicista fenomenale.
Quando ero giovane e imberbe barba ascoltavo i dischi degli Slipknot a tutto volume nella mia stanza da mattina a sera. Mia sorella entrava sempre in camera mia stizzita e cominciava a rimproverarmi, più per la voglia di rompermi i coglioni che per il fastidio procurato. Mi ricorderò per sempre una sua lamentela: "Ma ti sembra musica questa? È solo confusione, non si riesce nemmeno a distinguere una linea di basso!". Io fra me e me pensavo che si sentivano eccome, venivano dalle dita di Paul Gray e mi eccitavano fuor di maniera, mi bastò ascoltare l'attacco di "Wait And Bleed" per innamorarmene definitivamente.
Gli Slipknot sono entrati verso la fine del 2009 nuovamente in studio per registrare nuovo materiale per il disco che avrebbe fatto da seguito a "All Hope Is Gone". Il disco era previsto per il 2012 e probabilmente si sarebbe chiamato "Vol. 5", ma data la recente triste notizia non si sa bene quale sara il futuro del gruppo. Non mi meraviglierei se decidessero di sciogliersi, ma con tutta probabilità sono legati a dei termini discografici che dovranno a rispettare.
Nell'attesa di maggiori notizie sugli esiti dell'autopsia di Paul Gray e relativi comunicati degli Slipknot non mi resta che riascoltarmi tutti i loro dischi, pensado quanto potrà mancare al mondo del metal un musicista così influente.
Addio Paul, numero 2.

Dio è morto

2010-05-17T01:47:00.005+02:00

Duole annunciare che Dio è morto.
Non è una citazione gucciniana oppure un omaggio a Nietzsche, purtroppo alle 7:45 di stamani mattina è morto Ronny James Dio, per complicazioni dovute ad un tumore allo stomaco.
Non so se riuscirò a dire precisamente quanto Dio sia stato importante per la musica rock, e non solo perché ha militato nei Black Sabbath o perché è stato un pioniere dell'epic metal, ma perché con la sua figura e il suo carisma ha cambiato molti aspetti della musica come la intendiamo oggi; basti a tutti sapere che a lui si deve il gesto delle corna.
Io non ho mai visto dei suoi concerti, né credo di avere mai ascoltato per intero un suo disco, ma di lui mi rimarrano sempre in due ricordi bellissimi. Il primo è nel film "Tenacious D e il plettro del destino" dove un baby Jack Black prega Dio di aiutarlo con i suoi problemi familiari e lui, manifestandosi da un poster, lo incità a scappare verso Los Angeles. Il secondo ricordo riguarda le interviste fatte al caro estinto nel documentario "Metal: an headbanger's journey" di Sam Dunn, dove Dio dimostra tutta la sua piacevolezza e umiltà, sia come uomo che come artista.
Come detto non era il mio musicista preferito, forse nemmeno fra i primi 50, ma anche solo pensare che ci fosse un cantante come Ronny James Dio in un qualche modo mi tranquillizzava e mi rendeva più felice, mi faceva credere che nel mondo c'era equilibrio.
Purtroppo anche i metallari sono costretti ad andersene prima o poi, e per questo bisogna considerarsi fortunati se abbiamo qualcosa di loro che ci rimane, magari fosse anche solo un ricordo.
Addio Dio.

Fratelli Calafuria - AltafedeltàpauraEP

2010-05-14T21:36:00.005+02:00

È appena uscito il nuovo EP dei Fratelli Calafuria (nel momento in cui scrivo stanno facendo il release party al circolo Magnolia di Milano) e tanto per rimanere in linea con la loro naturalissima stramberia (su Rolling Stones scriverebbero weirdness) è totalmente fuori dai canoni di normalità in ogni traccia.
I Fratelli, rimasti in due dopo l'abbandono del batterista, devono esseresi resi conto che il loro precedente SenzaTitolo, per quanto fosse uno dei dischi più belli mai visti in Italia, non reggeva molti confronti paragonato a certi capisaldi stranieri, quindi hanno intrapreso un sentiero contorto e spigoloso (in pratica, un ginepraio) per risultare definitivamente inediti ed originali.
AltaFedeltàPauraEP è un casino totale, un disco costantemente teso e isterico, al limite del sopportabile. In pratica più che una produzione musicale è una prova di resistenza per le orecchie, una forzatura di ciò che è musicale oppure no a vari livelli strutturali.
Io direi di guardare nel dettaglio ogni singola canzone, che tanto questo blog non se lo legge nessuno e non deve sottostare a limiti di battute.

1) AltaFedeltàPaura: Prediamo questa canzone come tramite fra i vecchi Fratelli Calafuria (che stiamo tranquilli che non torneranno mai) e quelli nuovi inaugurati con questo EP. Già si può sentire delle differenze ben marcate nella batteria (molto più scarna e incisiva) che introducono questo nevrotismo sonoro. La forma non è più quella di un semplice trio chitarra-basso-batteria, in favore di rumori provenienti da qualsiasi cosa, e anche il modo di cantare è ora molto diverso, più contenuto e gutturale; così come i testi che sono giunti allle estreme derive della nonsenseness (è un crimine linguistico inglesizzare un termine francese?). Inoltre non ci sono più i riff e melodie cantabili a fare da tormentone, ma brevi segmenti di poche battute che si ripetono fino allo sfinimento.

2) Il Fatto Dei Dischi Incantati: Eccoci davanti al pezzo più discutibile. Se qualcuno ha mai visto il film spun si ricorderà della parte in cui il portagonista lega una spogliarellista al letto e la lascia per due giorni ad ascoltere di continuo "AntiChrist Superstar" di Marylin Manson incatata su un secondo solo. Il Fatto Dei Dischi Incantati riguarda proprio questo, è una meta-canzone che parla dei dischi incantati e di come sia facile incantarci su di essi, e l'unico modo per sfuggirne e renderli commestibili. Una linea di basso, una batteria dance, una voce sussurata e un disco incantato (pagherei per sapere che canzone è...). C'è chi la chiamerebbe musica concreta, c'è chi lo chiamerebbe breakbeat, i Fratelli Calafuria hanno cercato di farne una canzone pop, e ci sono quasi riusciti.

3) Affatto Normale: Unico riferimento al vecchio stile del gruppo, sia per la musica che per il testo ("Sei una testa di cervo!"). La cosa che più di tutto mi piace di questi nuovi Fratelli Calafuria, e in questa canzone si sente bene, è come nelle loro produzioni non ci siano strati sonori indipendenti, ma ogni singola fonte di rumore influisce sulla presenza e il carattere delle altre; chiaro segnale di quanto abbiano piena lucidità e controllo delle loro intenzioni.

4) Denise: Non ho molto da dire su questa canzone: c'è un pianoforte, una voce slegata e in preda alla totale aritmia. Simpatico l'assolo di tromba alla cazzo di cane.

5) Basta Ironia: In questa canzone i Fratelli giocano ad imitare gli Zu. Sentire il cantante Andrea che grida "Basta Ironia!" e come udire il papa che bestemmia, ma per fortuna non si prende sul serio neanche per sè. È una canzone fortissima, dalla grosse spinte dinamiche, contorniata di nostalgici versetti vocali e plettrate sugli armonici. Uno sfogo totale che sa di uno starnuto prolungato nel tempo che finisce in una slabbratura strumentale di rullate sconnesse e rumori frammischiati. Niente male!

Una volta andai a un concerto dei Fratelli e mi sono comprato la loro maglietta. Di solito non compro mai magliette ma quella volta l'ho fatto per due motivi: 1) aveva un bel colore blu 2) c'era scritta sopra questa vera recensione fatta a loro:

Un'accozzaglia a caso di pop e punk della mutua con qualche passaggio math rock spezzato per sembrare nuovi e "alternativi", canzoni con otto cambi inutili per far vedere che "sanno suonare". Ma comunque sufficientemente diluiti per poter elemosinare un passaggio radio. I testi sono da sbellicarsi dalle risate. Nonsense totale, non hanno il coraggio di dire "cazzo" (eh, se no in radio non li passano!) e allora dicono "zzoca", come i ragazzini all'oratorio quando c'è il don nelle vicinanze. Degni esponenti dell'Italia più finta e pronta al compromesso, in cambio di un tozzo di pane.

Trattasi ovviamente di una recensione ingiusta da cerebrolesi su cui lo stesso gruppo lombardo ha voluto scherzare mettendola in bella vista sul loro merchandise, ma sembra quasi che sotterraneamente se la siano un po' presa a male e quando sono entrati in studio abbiano fatto di tutto per non farsi scrivere una cosa del genere, al costo di sembrare dei folli maniaci suicidi.
In sintesi Altafedeltàpaura è un lavoro ardito e coraggioso, che andrebbe ascoltato quella decina di volte per addomesticarlo. Ma sono sicuro che dopo averci preso la confidenza chiunque può goderne appieno e cantarci dietro con gioia e gaiezza, proprio come ai tempi di SenzaTitolo.

Tormento settimanale - Lewis Take Off His Shirt di Owen Pallett

2010-05-06T14:04:00.005+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico.
Ogni settimana con la pretesa dell'attualita, una canzonee che faccia da leitmotiv.
Alla faccia delle tutele e dei copyright che tanto non rispetto mai.

Owen Pallett - Lewis Take Off His Shirt

È arrivata la primavera, tra poco ci sarà l'estate ed io ho bisogno di qualcosa un po' dreamy. Magari barocco e ambiguo, ma comunque brioso e stralunato.
Fortuna che c'è Owen Pallett.

Per gli amanti delle curiosità:

Owen Pallett è canadese, violinista bizzaro ed eclettico. Oltre che per la carriera solista è molto rinomato per il suo contributo fra le fila degli Arcade Fire, gruppo canadese di enorme rilevanza artistica.
È uscito da poco il suo disco nuovo, Heartland. Questo è il primo che esce a suo nome dato che prima si faceva chiamare Final Fantasy; con questo moniker ha fatto uscire due dischi bellissimi, poi la Squaresoft (casa sviluppatrice della omonima famosa saga videogiohi rpg) ha mandato un avvertimento al caro Owen, che si è fatto un paio di conti in tasca ed ha deciso addirittura di ristampare i vecchi dischi a nome suo.
Tanto per rimanere nel mondo della nerditudine: il precedente disco di Owen Pallet, sotto il nome Final Fantasy, si chiamava "He Poos Clouds" (letteralmente "lui caga nuvole") ed era un concept album sulle scuole di magia dello sfigatissimo gioco di ruolo Dungeons & Dragons. Chi ci ha mai giocato, ed interpretato la classe del mago, leggendo i testi di quel disco non può non riempirsi di orgoglio nerd e compiacersi.

Petrina - In Doma

2010-05-06T13:59:00.004+02:00

Debora Petrina è una musicista colta e distinta proveniente da Padova. Pianista e cantante talentuosa di estrazione classica e jazz - già vincitrice del Premio Ciampi nel 2007 per la sua operosità, nonché partecipe di numerose collaborazioni internazionali di stampo avanguardista - ma anche vittima di di un grande amore per le chanteuse rock di tutti i tempi che la rendono gradevole sia per la bassa che l'alta cultura; in pratica un alter-ego femminile di John De Leo.
In Doma è il suo disco d'esordio, in cui Petrina violenta gli stilemi della canzone tradizionale per naufragare in un mondo astratto di pop sperimentale e rocambolesco. Dall'uso di pianoforti preparati ai sintetizzatori, dall'eclettismo vocale à la Kate Bush al poliglottismo, gran parte della produzione di Petrina è alla ricerca di sistemi espressivi con cui modellare le canzoni e dargli forme inusuali. Già dai primi minuti del disco, la ragazza si rivela per il personaggio particolare che è: l'introduttiva Babel Bee è una delicata e melodiosa presentazione di se stessa come un'ape babelica (nel senso linguistico), mentre la seconda Ce Soir è una frenetica drum & bass acustica che cattura le orecchie con la sua eclettica energia. Con la successiva She Shoe si capisce quanto Petrina si diletti nel saltare fra lingue differenti, come i cari e vecchi Scisma, e ci riesce talmente bene che il risultato è quanto di più gradevole: prove eccellenti sono il brillante mosaico testuale di SMS ed il progressive-rock in stile Area di Asteroide 482 (con tanto di cammeo di Ascanio Celestini). Allo stesso modo degli idiomi Petrina riesce facilmente a rovesciare il suo stile folgorante da disturbo bipolare, elaborando brani più sospesi e nebulosi come Fuori Stagione e Ghost Track che rendono In Doma ancor più fresco e variegato.
Nonostante tutte le canzoni del disco siano di qualità abbondantemente superiore alla media nazionale, parlano da se due capolavori sonori: Pool Story - una ballata sensuale che in divenire esplode in un cataclisma rumoroso - e la conclusiva Sounds-like, dove la musicista padovana dichiara la sua definitiva non appartenenza ai generi.
In definitiva ogni minuto di questo esordio discografico è un tratto di ispirazione, un gesto di delicatezza, bravura e mestiere, che uniti al respiro internazionale di Petrina (tant'è che l'ha notata anche David Byrne, inserendola nei suoi podcast ufficiali) la rendono una delle realtà più solide e valide della musica italiana. Cento di questi dischi!

AG

Tormentone settimanale - The kingdom di Jesca Hoop

2010-04-22T15:35:00.003+02:00

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Jesca Hoop - The Kingdom

Jesca Hoop è una musicista delicata e morbida, ma anche piena di impeto e vigore. Viene dal Nord California ma vive a Manchester, da poco è uscito il suo secondo album "Hunting my dress" e devo dire che sono commosso da quanto mi piace. Lei è da poco in attività, circa cinque anni, ma ha già perizia e mestiere da vendere. Mi ricord Patrick Wolf al femminile (devo quindi supporre che sia lesbica?).
Questo è il primo singolo, The Kingdom.

Per gli amanti delle curiosità:

Jesca Hoop è stata la baby-sitter dei figli di Tom Waits e Kathleen Brennan. Sono serio.
Di lei, l'omaccione rauco di Pomona, ha detto: "Ascoltare la sua voce è come nuotare in un lago di notte".
Per la rete ho trovato anche un remix del brano Seed Of Wonder, dal primo disco "Silverscreen Demos", fatto da The Killabitz. Niente di speciale.

Ultime notizie di cronaca (nera)

2010-04-12T23:17:00.002+02:00

Sull'appennino tosco-emiliano c'è un vecchio uomo, alto e magro, che vive in una casa antica nel mezzo della foresta. Quell'uomo abita lì da solo, l'unica sua compagnia sono tante bestie, come cani, cavalli e mucche, che considera più umane dei tanti uomini e donne che ha incontrato nella sua complicata vita. Di fatto il nostro caro uomo ha viaggiato molto nei suoi lunghi anni e conosciuto tante persone che lo hanno accompagnato attraverso diverse esperienze e traguardi. C'è stato un tempo in cui cantava in gruppo musicale, anzi tre, i quali per l'originalità della musica e la profondità dei messaggi trasmessi erano arrivati a diventare un riferimento contro-culturale per molte persone, una sorta culto per la sinistra intellettuale italiana. Sebbene stralci di registrazioni recenti, quella dei gruppi musicali è una storia d'altri tempi ed il presente risulta essere molto diverso da come ci si sarebbe aspettato.
Dopo tante avventure il vecchio uomo si era stufato del mondo e della sua complessità, decidendo così di tornare nella terra in cui era nato e cresciuto, sulle lande montane che erano rimaste impresse nella sua memoria. Si sa che l'aria di montagna mantiene giovani e salubri, ma a certe altezze l'ossigeno è più rarefatto ed è noto anche che il cervello umano per funzionare bene ne deve essere rifornito costantemente. In simili condizioni scatti di demenza acuta sono sempre in agguato, pronti a colpire soprattutto nei momenti più difficili - quali votazioni, conclavi ed elezioni - in cui si ha bisogno di molta concentrazione per non perdere ogni briciolo di dignità. Se a questa condizione ambientale si aggiunge il fatto che il nostro vecchio uomo era tanto solo ed alienato, si potrà ben capire come negli ultimi anni abbia cominciato a sragionare, arrivando ad esternare opinioni e commenti controversi su fatti di cronaca ed attualità. Il tutto è iniziato con una lettera di complimenti indirizzata a un quotidiano millantatore e destrorso, il cui direttore è famoso per occupare con la sua massa tre fusi orari diversi. In questa lettera il vecchio uomo rivolgeva pesanti critiche sulla questione della fecondazione assistita ed il relativo referendum, condanndandola come immorale e inumana; ma la perdita di autorevolezza del vecchio uomo ha culminato in un libro morboso e soporifero in cui ha rivolto i suoi sinceri apprezzamenti verso il Cardinale Joseph Ratzinger, attuale Papa della Chiesa Romana Cattolica Apostolica sotto il nome di Benedetto XVI.
Verrebbe da credere che il vecchio uomo, un tempo totalmente distante da certe posizioni politiche ed ideologiche, sia effettivamente impazzito e che oggi debba essere lasciato da solo a fare comizi alle sue bestie sull'appennino tosco-emiliano, ma a quanto pare ci sono giornalisti che ancora si interessano alle dichiarazioni del vecchio soggetto, forse perché ignari di quanto sia avanzato il suo stato confusionale, o forse perché interessati a delineare uno scenario sempre più comico. Fatto sta che ancora oggi, in un momento tanto triste per lo stato italiano - e non posso che riferirmi ai funebri esiti politici delle elezioni regionali svoltesi nei giorni scorsi - il vecchio uomo non si sia trattenuto dal tirare i suoi sfondoni, confermando quella che anche i medici meno dotti diagnosticherebbero come demenza senile. E c'è chi ha avuto l'accortezza di riportare i suoi farneticamenti: “Meno male che c'era la Lega, altrimenti non avrei saputo chi votare”. E poi ancora “Fino a pochi giorni fa ero quasi convinto di dare il mio voto al Pdl. L'ultimo discorso del presidente Berlusconi sulla faccenda araba non mi è piaciuto, anzi lo ringrazio perché così mi ha chiarito le idee facendomi risolvere quello che era un mio problema e cioè a chi dare il voto. Il nostro è un Paese molto complicato con tanti problemi da risolvere. Ormai sta prendendo campo il sistema che più che votare a favore di qualcuno si vota contro il presidente. Meno male che c’è la Lega Nord. Preferisco scegliere, consapevole che eleggiamo signori che stanno lì solo cinque anni. Berlusconi ha molti pregi, però ultimamente sta attraversando un periodo pesante e particolarmente sfortunato".
C'è chi ancora oggi attribuisce al vecchio montanaro intelligenza e inossidabile coerenza, finanche coraggio e sincerità, ma se mi si permette la presa di posizione viene da credere che simili virtù siano solo giustificazioni vacue a sostegno di una figura mitizzata e idealizzata negli anni. Forse è sempre stato frainteso nel suo ruolo provocatorio di cantante punk, e il suo vero messaggio è stato alterato da sonorità e canzoni come non se ne erano mai sentite in Italia.
Sarà pure coerente, sarà pure coraggioso, sarà pure che questo paese che non sa più che pesci pigliare, ma se mi tocca sentir dire simili fesserie persino da artisti un tempo controcorrente allora mi domando cosa ci è rimasto della musica di protesta del passato, e mi domando cosa facciano concretamente anche gli artisti di oggi. Forse la musica non è più una forma di dissenso? Esiste ancora la musica di protesta o è tutto svanito nel fumo delle canne alla manifestazione?
Mi consola una battuta che ho sentito dire dalle mie parti, un modo di dire usato per comparare persone o situazioni particolarmente fastidiose o sgradevoli, descrivendo appieno quanto il nostro caro e vecchio uomo sia diventato deludente e inutilmente pesante: “Sei simpatico come una chiaccherata con Giovanni Lindo Ferretti.”

AG

Divagazione su Michel Gondry, Lady Gaga e Telephone

2010-03-22T18:31:00.005+01:00

Con grande interesse ho letto e propongo un articolo in cui Michel Gondry, il geniale regista di Versailles (chi non è d'accordo che lo sia può anche cambiare pagina), con grande onesta morale ed intellettuale sputtana Lady Gaga per la sua musica e i suoi video.
Ecco il link:

http://www.movieline.com/2010/03/exclusive-music-video-pioneer-michel-gondry-on-lady-gaga-im-not-interested.php

Come tutti sanno la musicista di New York se ne è da poco uscita con un video di circa 9 minuti, Telephone, girato da uno svedese di cui non ricordo il nome, in cui la Gaga si è fatta affiancare nuovamente da Beyonce; infatti non paga di avere sfigurato nel precedente Bad Romance, nel quale a confronto di Beyonce era una piatta, rigida e sciapa. Adesso ha voluto, o chi per lei, intrigare il tutto con una sorta di pulp-clip (con tanto di Pussy Wagon ripresa da Kill Bill) che altro non è che il pretesto di esibire product placement e capezzoli semicoperti. Per il suo contenuto violento e per la sua "sconceria" il video infatti è stato bandito ad alcune TV statunitensi, ma su youtube - nel momento in cui scrivo - sul canale ufficiale di Lady Gaga si è beccatto più di 4.000.000 di visite.
Ora io mi domando e dico, ma perché ci dobbiamo sorbire sta solfa un'altra volta?
Lady Gaga se esce sempre con dei singoli uno più ridicolo dell'altro, con un video un po' esagerato che fa scalpore e tendenza, ma musicalmente e artisticamente c'è una povertà di idee che neanche un regista svedese di cui non ricordo il nome può compensare.
Con Telephone la storia altro non è che quella di Paparazzi solo prolungata di nove minuti (anzi, a quanto pare è proprio il sequel del precedente singolo) e terminata alla Telma & Louise (senza morte, peccato...), ma la regia è banale e poco motivante (la solita sbornia di simbologie alla David La Chapelle), le coreografie e i costumi sono deventate più importanti delle protaginiste stesse (auto-citazioniste e vanagloriose) e la canzone (che in fin dei conti è la cosa più importante) non è affatto gradevole, scontata e belle che dimenticata. Inoltre questa avventata, e totalemente fittizia, indole sado-trash di Lady Gaga mi ha stufato già da parecchio. È una montatura come le sue capigliature. È fastidiosa come le sue capigliature.
Prendiamo in cosiderazione i casi simili e precedenti: il più eclatante è quello di Grace Jones, la panterone ninfomane che negli anni ha perso totalmente tutta la sua valenza artistica. Cito a memoria un articolo di Lester Bangs, che decisamente non era un democristiano, in cui manifestava il suo dissenso per l'ostentata attitudine sadomaso della venere nera, e tutto questo esibizionismo per l'esibizionismo, in quanto inutile e superflua per una valenza artistica. Costringere le persone ad essere voyeur, in modo tale che gli ascoltatori non possano tornare a guardare le Miley Cyrus acqua e sapone, è solo una strategia di marketing in cui solo le case discografiche ci guadagano; il pubblico e le teen-idol femminili ci perdono e basta.
Basta farci caso, pian piano sono tutte rifinite nell'erotico spinto, da Britney Spears a Shakira, da Mariah Carey a Jennifer Lopez. È inutile dirlo ma sono tette e culi che nessuno di noi avrà mai, sia gli uomini che le donne, quindi perché corrergli dietro? (Inoltre Lady Gaga, all'anagrafe Stefani Germanotta, sotto quei trucchi e quei vestiti è una donnetta non più bella della mia dirimpettaia).
Eppure c'è chi è riuscito persino a risollevarsi da quel livello di bassezza, come Christina Aguilera, e chi proprio non c'è mai cascato forse perché superiore a queste cose, come Rihanna.
Perché ne parlo? Non lo so, sono a casa e non ho niente da fare; siccome mi piace guardare le forme delle cantanti pop allora mi sono creato un pretesto per guardare i loro video senza dover sembrare un guardone represso.

AG

Tormentone Settimanale - La Faccia Della Luna dei Tre Allegri Ragazzi Morti

2010-03-22T18:03:00.004+01:00

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Tre Allegri Ragazzi Morti - La Faccia Della Luna

Sono tornati i TARM con "Primitivi da Futuro", un album veramente spiazzante. Non dico tutto ma almeno il 90% delle canzoni è dub o reggae, generi che nella loro lunga esistenza non avevano mai abbracciato. A detta del sottoscritto la seguente canzone è la più bella di tutto il disco che, nonostante la sconvolgente deviazione di stile, non è affatto male.

Per gli amanti delle curiosità:

Le sessioni di registrazione sono state effettuare in diversi studi sparsi in tutta Italia, ma la masterizzazione è stata affidata al Wolf Studio di Brixton, lo stesso quartiere londinese che i Clash nel 1979 citarono nella celebre Guns Of Brixton.
Il titolo del disco è stato ripreso dai Primitif du Futurs, un gruppo jazz in cui suona il disegnatore Robert Crumb che a sua volta si è ispirato al filosofo John Zerzan, il quale professava la dottrina dell'anarco-primitivismo. Inoltre i Future Primitive sono anche un gruppo hardcore straightedge californiano.
A suggellare questo nuova rotta stilistica, che non si sa ancora se essere definitiva o meno, Davide Toffolo e compagnia hanno assoldato come produttore il bassista degli Africa Unite Paolo Baldini.

Prove tecniche di nuovo millennio

2010-03-16T22:52:00.006+01:00

Che bello... Questo blog ha registrato più di quattro mesi di inattività, una latitanza del genere farebbe impallidire Bernardo Provenzano. Com'è che il gestore di tale sito è tanto sconsiderato.
Chiedo sucsa a tutti i lettori (inesistenti) di questo blog, ma nell'ultimo periodo ho avuto alcune difficoltà che mi hanno rubato diverso tempo.
Mi sono laureato (in Scienze della Comunicazione), ho cambiato città (da Siena a Milano), sono stato mollato (da una sconsiderata).
La mia proverbiale pigrizia ha fatto il resto.
Giuro solennemente davanti alle divinità karmiche dei blog che d'ora in poi manterrò un ritmo costante nella gestione di questo Euterpe e che post di varia natura avranno una cadenza regolare. Innanzitutto con la ripresa delle recensioni, dei report e dei tormentoni settimanali, ma anche con l'inserimento di nuove rubriche.
Il titolo di questo post simboleggia l'ingresso nel nuovo decennio - se fino a Marzo non ve ne eravate ancora accorti - un decennio che a quanto pare sarà molto turbolento (così dicono i Maya, ma si sa che la sono presa molto a male per lo scherzetto di 500 anni fa e che ancora non l'hanno ben digerita) e persino decisivo (così dicono gli ecologi, e non offendetevi se do più fiducia più agli ecologi che ai Maya), ma personalmente voglio credere che sarà l'inizio di una nuova ed emozionante epoca. Fino ad ora, negli ultimi dieci anni, abbiamo solo scherzato, abbiamo fatto finta di essere in un nuovo millenio, tentando di credere che eravamo pronti ai cambiamenti tecnologici e sociali. Ora viene il bello, e sono sicuro che non solo la musica ma la tutta la cutlura umana attraverserà sorprendenti cambiamenti.
Noi tutti, critici, artisti, studenti, lavoratori, blogger, lettori e aspiranti uomini del futuro, dovremo fare in modo di non farci cogliere impreparati, come se non stessimo facendo niente. Noi dovremo fare in modo di essere quel cambiamento.
(qualcuno ha sentito la puzza di una citazione?)
Infine, per ricordarvi che state leggendo un blog di cultura musicale e non l'editoriale di Beppe Servegnini, vi lascio la possibilità di leggere, commentare e rubare la mia tesi di laurea in Semiotica dello Spettacolo. Solo il titolo dovrebbe allettare qualunque interessato di musica: Rumore - L'alterità del suono da Jimi Hendrix ai Nirvana.
Non è corretta in molti punti, presenta diversi errori grammaticali e manca di una seria formattazione, e infatti il voto finale non è stato di certo da luminare.
La mia proverbiale pigrizia colpisce ancora.

AG

Tormentone Settimanale - Boy Lilikoi di Jonsi

2009-12-07T19:55:00.004+01:00

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Jonsi - Boy Lilikoi

Jón Þór Birgisson, voce e chitarra dei Sigur Ros, dara alla luce nei primi mesi del 2010 un album solista, si chiamerà Do ed uscirà sotto etichetta XL.
Intanto ci regala un'anticipazione con questa Boy Lilikoi che odora di pop islandese da un miglio di distanza.

Per gli amanti delle curiosità:

Il Lilikoi altro non è che un frutto della specie passiflora, altrimenti detto frutto della passione, di cui probabilmente Jonsi è ghiotto in quanto vegetariano. E omosessuale. E cieco da un occhio.
Jonsi insieme al suo partner, che è il maggior autore delle grafiche dei Sigur Ros, nello scorso luglio ha pubblicato un disco ambient chiamato "Riceboy Sleeps"
C'è una pletora di collaborazioni nel disco venturo di Jonsi, dal percussionista dei Mum al produttore di Bjork. Sono diversi, non ho voglia di scriverli ed elencarli tutti, ma sentendo l'eccellente risultato della canzone non si può dire che non abbiano fatto il loro dovere.

Tormentone Settimanale - (sometimes you got to be) Gente degli Heavy Trash

2009-11-08T13:00:00.003+01:00

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Heavy Trash - (Sometimes you got to be) Gentle

Gli Heavy Trash sono quell'inarrestabile macchina rock'n'roll guidata da Jon Spencer e Matt Verta-Ray. E' uscito da poco il terzo disco "Midnight Soul Serenade" che a differenza dei due precedenti, di stampo rockabilly e r'n'r, è più talkin' song e raw blues. Sembra quasi che a qualcuno manchi la Blues Explosion...

Per gli amanti delle curisosità:

I dischi degli Heavy Trash escono sotto etichetta Yep Roc, un fenomeno tutto particolare che racchiude sotto lo stesso tetto da Bob Mould ai Madness, dai Mercury Rev a Paul Weller
Matt Verta-Ray lavora in uno studio di registrazione a New York chiamato N.Y.Hed dove si cimenta anche come elettricista per amplificatori, effetti, chitarre e quant'altro. Questo spiegherebbe il perché abbia dei suoni tanto spettacolari.
A partire dalla primavera 2010 l'etichetta Shout! pubblicherà un best of e ristamperà tutti i dischi della Jon Spencer Blues Explosion. Aggiungo finalmente, perché in giro sono diventati introvabili.

Ministri: le giacche sono finite

2009-11-02T22:03:00.008+01:00

I Ministri, gruppo hard-rock di Milano, sono finalmente diventati una realtà ben consolidata nel panorama musicale italiano.
Merita sicuramente discutere della recente iniziativa intrapresa con la nuova serie di concerti, il "Mille pezzi tour", perché una cosa va detta: che piacciano o no, i Ministri hanno sempre avuto delle buone idee, da fare invidia.
Al tempo del loro esordio i Ministri pubblicarono il disco "I soldi sono finiti" per l'etichetta Otorecords, le copie di quell'edizione oggi sono esaurite e non se ne trovano più in giro. Più che per la musica in esso contenuta, l'album fu apprezzato per la trovata geniale di inserire in copertina un euro, vero e proprio, riducendone il prezzo di vendita. Fu un piccolo successo indipendente.
Sono passati parecchi anni da quel disco, nel frattempo hanno pubblicato per l'Universal "Tempi bui" e si sono fatti conoscre in tutta la penisola attraverso una fitta serie di concerti, sempre pieni di energia e vigore. Per la precisione i concerti dei Ministri sono stati 198 e sono stati tutti eseguti indossando le celebri giacche napoleoniche che li hanno sempre contraddistinti.
C'è da dire che i Ministri non sono uno di quei gruppi che rimangono fermi durante l'esibizione: saltano, sudano, scazzottano, si gettano per terra e si scapicollano. Questo continuo logorarsi fisico li ha portati a deteriorare definitivamente quelle famose giacche che alla fine non riuscivano più a stargli addosso; inoltre voci non confermate mi dicono di non essere nemmeno mai state lavate, quindi immaginarsi il tanfo di quasi 200 concerti rappreso addosso.
Inventandone una delle loro i Ministri hanno deciso di prendenre le loro giacche ormai inutilizzabili e di tagliarle in mille pezzi, dunque hanno ristampato il disco "I soldi sono finiti" in 1000 (800?) copie numerate e vi hanno apposto, anzichè il vecchio euro, un pezzo consunto di giacca.
Da questa iniziativa è partito il nuovo "In Mille Pezzi Tour" di cui ho assistito alla prima serata il 31 Ottobre alla Flog di Firenze. Il nuovo tour vede dei Ministri particolarmente preaparati: moltre vercchie canzoni rinnovate, ottimo preparazione del concerto e il tournista baffuto che li segue ha lasciato a casa il sintetizzatore per darsi solo alla chitarra. Il risultato è un buon concerto di rock politicamente scorretto, diretto e pienamente godibile. Totalmente rinsaviti dalla prima ondata inebriante di simil-successo, adesso il gruppo milanese ha raggiunto quelle piena fiducia con i palchi di tutt'Italia rendendo questo tour qualcosa che merita pienamente di essere visto (unica pecca i fan medio-scemi dei Ministri, come me, che ho sempre più la convinzione essere dei deficienti), inoltre queste date sono l'unico luogo in cui comprare il primo disco tornato alle stampe.
Dimenticavo... adesso hanno delle nuove giacche.

AG

Tormentone Settimanale - Fuoco Fatuo & Per farcela dei Massimo Volume

2009-10-30T00:42:00.006+01:00

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Alla faccia delle tutele e dei copyright che tanto non rispetto mai.

Massimo Volume - Fuoco fatuo + Per farcela

Lo so che è uscito il nuovo disco del Teatro degli Orrori, e che quindi dovrei inserirli nel tormentone settimanale, ma non ho voglia di parlarne adesso... ogni cosa a suo tempo. Per adesso godiamoci i Massimo Volume con questa perla tratta dal live del 28 Novembre 2008, di questo concerto è stato fatto un disco nominato per motivi oscuri "28 Nov. 2008".

Per gli amanti delle curiosità:

Emidio Clementi, cantante e bassista dei Massimo Volume, è anche un fine scrittore, veramente abile. La sua autobiografia "L'ultimo dio" è un libro profondo e rivelatorio.
Non si sa come ma la storica etichetta discografica Mescal sta risorgendo dalle sue ceneri. Dopo un periodo buio in cui ha visto allontanarsi tutti i suoi nomi migliori e non ha prodotto niente di decente, finalmente sta tornando a galla proponendo dei capolavori come questo live dei Massimo Volume.
Negli anni di separazione i vari membri dei Massimo Volume non sono rimasti senza far niente. Ognuno di loro ha seguito la propria carriera artistica in modi più o meno diferrenti, riscuotendo più o meno successo; io ho apprezzato particolarmente il chitarrista Egle Sommacal che dopo i Massimo Volume è entrato fra le file di Ulan Bator e Blake/e/e/e, inoltre ha registrato a proprio nome due dischi semplicemente meravigliosi.

Vegetable G - Calvino

2009-10-21T21:45:00.004+02:00

Mio nonno possiede una casa a Castiglione della Pescaia, nel grossetano; il giorno in cui è andato in pensione ha deciso di comprarsi un'abitazione in questa località marittima che ogni anno si prende una bandiera blu per la qualità delle spiagge ma che ospita anche il degrado umano proprio di ogni meta turistica di massa.
All'arrivo dell'estate può darsi che io non vada in spiaggia una sola volta, ma ogni anno puntualmente mi reco nel cimitero di questo paese, in cima a un colle dal quale si vede tutto il Tirreno. Per un particolare gioco del destino questo piccolo cimitero ospita la salma dello scrittore Italo Calvino, e dalla posizione della sua tomba si può contemplare il mare infinito, rimirare il sole che irraggia su tutta la Maremma e osservare la natura che rigogliosa si espande sulle colline circostanti. Ogni volta che giungo su quella lapide mi viene da pensare al mondo che mi circonda, a Calvino e alle sue opere, alla stato della mia vita: é un luogo di vera ispirazione.
Quando nel 1985 un ictus lo stroncò, Italo Calvino stava scrivendo le celebri “Lezioni Americane”, un'ottima lettura nonostante l'incompletezza piena di consigli sulla vita, l'universo e tutto quanto; in particolare propone sei qualità da adottare per il nuovo millennio: leggerezza, rapidità, esattezza, visibilità e molteplicità.
Inspirandosi a queste prende vita il nuovo album dei Vegetable G, il progetto musicale che silenziosamente è cresciuto dal nucleo germinale elettronico del fondatore Giorgio Spada, fino ad arrivare all'attuale trio che ha raggiunto la maturità necessaria per rimanere negli annali di musica italiana. “Calvino” è l'ultimo fatica di un gruppo inusuale che si fa ultimo portavoce della vasta nuova onda di gruppi pop italiani. “Pop is not dead” verrebbe da dire, anche perché le possibilità di questo genere tanto paradossale sono ancora grandi e difficilmente troveranno fine.
Il disco traccia un percorso che accosta la spensieratezza delle melodie alla profondità delle emozioni umane, fra ricerca e piacevolezza, che nella sua apparente semplicità spiazza anche le persone più esigenti, in questo senso “Arcade lovers” è l'ouverture perfetta che apre le danze a un sfilata di gradevoli canzoni.
L'elettronica protagonista dei primi dischi viene detronizzata in favore di un rock elegante e per niente eccessivo, il disco procede quindi fra delicatezze musicali simili al neopop dei primi Baustelle, momenti di revival anni '80 e “oddities” spaziali del meglio David Bowie. I momenti belli sono parecchi e difficili da scordare: la commuovente melodia di “Fratelli d'Italia” di Novaro che inframezza “American lessons”, il falsetto catchy di “Elettric show”, l'introduzione di “Space forms” simile a una vecchia hit degli OMD, la voce dolce di Enzo Moretto degli … A toys Orchestra in “BW”, o ancora il fraseggio di chitarra nella conclusione di “Hal”.
Degno del nome che porta, il disco dei Vegetable G è pieno di ispirazione, intelligente, energico e vitale ma dotato anche di una faccia diversa composta da canzoni come “Satellite tune e “Xclock”, cupe e amare in cui il pop sa essere anche triste, di una profonda nostalgia che le melodie ci fanno sorridere di imbarazzo, su tutte la strappalacrime “Saucerman”.
Alla fine di questo bellissimo “Calvino”, consolati da tanto buon gusto, ci si rincuora con la certezza di avere trovato qualcosa di prezioso, quasi irripetibile, solo due dubbi rimangono insoluti e lasciano all'ascoltatore la possibilità interpretare il risultato: il primo, di ordine linguistico, è come si pronuncia correttamente Vegetable G (vegetèibol o vegèteibol), il secondo, più pragmatico, è perché rivolgersi ancora all'estero per il pop quando ormai anche nel Belpaese lo facciamo così bene.

AG

Tormentone settimanale - "Too many rappers" dei Beastie Boys

2009-10-14T19:01:00.005+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico.
Ogni settimana con la pretesa dell'attualita, una canzonee che faccia da leitmotiv.
Alla faccia delle tutele e dei copyright che tanto non rispetto mai.

Beastie Boys feat. Nas - Too many rappers

Il nuovo album dei Beastie Boys, "Hot Sauce Committee, pt.1", doveva arrivare nei negozi lo scorso 15 Settembre, purtroppo il male che ha colpito MCA ha fatto ritardare l'evento.
Per fortuna adesso MCA, nome d'arte di Adam Yauch, sta guarendo del tumore che lo affligge; con notevole ritardo dedico il tormentone di questa settimana ai leggendari Beastie Boys, con la speranza che tornino presto sulle scene per spaccare come sempre.

Per gli amanti delle curiosità:

In molti sanno che i Beastie Boys nascono nei primi anni ottanta come gruppo hardcore, genere a loro tanto caro; molti di meno sapranno che si chiamano così anche perchè l'acronimo BB è uguale a quello dei fantastici Bad Brains, band che loro hanno sempre ammirato.
Dal testo della canzone, questa parte è cantata da Nas: "I have carte blanche, the vagabond/ Nas is a narcissist, my pockets are rotundI’m no killa,/ but compared to you i’m more realer / You aint a shooter, a mobster or a drug dealer / A slug peeler, you’re not, mafioso, no / You aint got the cutthroat in ya, beginner / I aint tryin’ to hear your racket
You work with police dog, you snitch, you rat, you wear that jacket". Certo che non peccano di modestia 'sti rapper.
I Beastie Boys nel 1985 parteciparono come gruppo spalla al Virgin Tour di Madonna. Ovviamente i ragazzacci di New York risultarono sgradevoli e fastidiosi per la delicata regina del pop e il suo pubblico, in particolare Adam Yauch ci teneva parecchio durante i concerti a mostrare i genitali agliu astante e dovette chiedere ufficialmente scusa per il suo comportamento, per non incrinare il rapporto di lavoro. In pratica quella zozza di Veronica Ciccone fingeva di masturbarsi sul palco ed era un idolo, MCA tirava fuori direttamente il pacco ed era disdicevole. Parcondicio?

Tormentone Settimanale - Papillon degli Editors

2009-09-29T15:28:00.005+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico.
Ogni settimana con la pretesa dell'attualita, una canzonee che faccia da leitmotiv.
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Editors - Papillon

Dopo tutt i risentimenti che hanno mostrato per essere stati paragonati ai Joy Division se ne escono con questo singolo che è new wave fino alla banalità. Io gli inglesi proprio non li capisco.
A ottobre esce il nuovo album "In this light and on this evening". Speriamo bene.

Per gli amanti delle curiosità:

Il prossimo album, che dovrebbe uscire il 12 prossimo venturo, è già stato sgamato su internet qualche giorno fa. Non sono andato a cercarlo, perchè rispetto i tempi d'uscita, ma sono veramente curioso di ascoltarlo
Del disco uscirà anche una deluxe edition con incluso un EP bonus contenente cinque tracce echiamato "Cutting 2".
Il video di "Papillon" secondo me non è niente male, il regista è Andrew Douglas ed è stato girato fra le strade di Los Angeles.

Port Royal - Dying in time

2009-09-26T11:00:00.013+02:00

Pubblico con piacere una recensione doppia fatta con il vacchio Martin Hofer e comparsa sul sito Hatetv.it.
Un grazie ancora a Martin e ai ragazzi di Hatetv che continuano incautamente a riporre fiducia in noi.

(2009) Sleeping Star / N5MD

Tracklist:
1. Hva (Failed Revolutions)
2. Nights In Kiev
3. Anna Ustinova
4. Exhausted Muse/Europe
5. I Used To Be Sad
6. Susy: Blue East Fading
7. The Photoshopped Prince
8. Balding Generation (Losing Hair As We Lose Hope)
9. Hermitage pt. 1
10. Hermitage pt. 2
11. Hermitage pt. 3

I Port Royal rientrano in quella categoria di gruppi che senti nominare dappertutto ma che in fin dei conti conosci poco o nulla. Leggi che suonano di qua e di là, che stanno lavorando a un disco nuovo, che godono di buona considerazione in Italia e all’estero, che collaborano con quello e quell’altro artista e ti riprometti di approfondirne la conoscenza. Ascolti un paio di pezzi (nello specifico Zobione part.2 e Decadance), non ti sembrano malaccio e li metti in un cassetto che per pigrizia non riaprirai mai. Questo Dying in Time rappresenta quindi la miglior occasione di riscatto nei confronti della mia inettitudine.
Partiamo da dati oggettivi. Port Royal: un po’ band un po’ collettivo di musica elettronica formatosi a Genova attorno a cui gravitano vari personaggi componibili e scomponibili a seconda della dimensione in cui vengono considerati (quattro, sei o infiniti in studio; dai due ai quattro in concerto).
Inizio l’ascolto: Hva (failed revolution) è un respiro continuo e ritmato che attinge inizialmente da riserve shoegaze molto M83 per spezzarsi sul finale in un singulto glitch che ricorda le atmosfere lontane e discontinue di Telefon Tel Aviv. Nights in Kiev è il naturale proseguimento di questo flusso malinconico e al tempo stesso danzereccio, perennemente indeciso sul da farsi: ti faccio commuovere o ballare? Per adesso balla commosso che poi ci penso.
Distese di tastiere e synth illuminano Anna Ustinova in modo caldo e glaciale, mentre Exhausted Muse/Europe rivela sembianze tipicamente post-rock e inaspettate viscere electro. Percorriamo i sentieri scuri e tortuosi di I Used To Be Sad e Susy: Blue East Fading (dove l’amalgama fra beat, riverberi e delays non si fonde con naturalezza), e arriviamo a The Photoshopped Prince, primo pezzo strutturato nella canonica forma canzone (voce, ritornello, durata ridotta ecc.). Con Balding Generation (Losing Hair As We Lose Hope) si ritorna al continuo susseguirsi di suoni d’ambiente e improvvisi stacchi ritmati. Le velleità da club rimangono però incompiute, pensieri estemporanei al quale dare sfogo per pochi minuti, salvo poi assopirsi tutto d’un tratto.
Nelle tre Hermitage (part 1,2,3) regna un’indeterminatezza sonora quasi ipnotizzante che consuma i minuti restanti di questo ottimo album, che spazia con disinvoltura in generi contigui tramite brani che possono essere visti uno come ovvia prosecuzione dell’altro.
Tutto d’un fiato e una sola volta. Basta e avanza per apprezzare l’algida magia di Dying In Time.

Martin Hofer

***

In pochi anni i Port Royal si sono intromessi nella scena italiana (e internazionale) spodestando nomi e situazioni già consolidati. Prima con lo shoegaze e il post-rock, poi con l'elettronica, l'ambient e i remix: un percorso che ingoia fra sé generi e stili infrangendo ogni limite. Può sembrare patetico ma sono un gioiello nella musica italiana e ogni loro uscita è sempre un vero e proprio evento.
Ma perché i Port Royal sono così importanti?
Immaginatevi un viaggio in treno, un lungo, lunghissimo treno alla volta di città innevate, che nel suo viaggio attraversa fredde e desolate lande invernali, immobili, cupe, toccate soltanto da una brezza diamantina che sferza feroce contro quel treno che, visto da lontano, parrebbe lento ma in realtà è veloce ed implacabile. Dentro un'immagine musicale del genere i Port Royal vedrebbero quel treno come la mastodontica e possente Trans-siberiana, per gli altri gruppi italiani al massimo è la Freccia Rossa Firenze-Milano che fa sempre ritardo di mezz'ora.
Sta per uscire il nuovo Dying In Time, disco che segna un punto d'arrivo per la band genovese. L'abbandono recente di alcuni membri ha decretato il definitivo approccio alla musica elettronica: drum-machine, pad, arpeggiatori, sintetizzatori; mentre del post-rock ormai è rimasto soltanto il post delle canzoni che tendono all'infinito, dai movimenti lunghi e interminabili che cristallizzano le emozioni facendole durare interi minuti, un metodo che nel precedente Afraid To Dance era stato accantonato. Rimane intatta invece la filosofia della Deca-dance, non quella di J-Ax bensì il fare della musica elettronica un mezzo capace di sondare emozioni e situazioni che vanno oltre il danzereccio, renderla un poco più intelligente: più IDM,appunto. Di fatto i Boards Of Canada sono un gruppo molto affine a canzoni come Hva e Anna Ustinova ma senza sembrarne emuli, perché dentro Dying in Time si sentono toni che difficilmente si prestano a essere etichettati. Ovviamente non sono state abbandonate completamente le chitarre (vedi Exhausted Muse/Europe e Nights In Kiev) e nemmeno i pezzi cantati, ma gli episodi vocali del disco non differiscono nello stile da quelli strumentali, giacché le voci si ordinano e si mischiano fra gli strumenti diventando una nuova fonte sonora, eccezione fatta per The Photoshopped Prince dall'umore dreamy tanto Cocteau Twins.
Quasi tutte le canzoni sono divise in due movimenti alternati fra quiete e agitazione, climax e raffreddamento, restando sempre nella gamma atmosferico-cromatica del blu. L'apice del disco probabilmente è in Balding Generation dove l'unione definitiva fra la freddezza elettronica e il caldo romanticismo genera una vivida bellezza cristallina; il trittico conclusivo di Hermitage, invece, riassume perfettamente le sfaccettature dei genovesi: IDM, post-rock, ambient.
Dying In Time alla fine si rivela bellissimo e inquietante allo stesso tempo, tanto malinconico quanto raggiante; con questo disco i Port Royal scavano in profondità nelle loro muse svelando un'interminabile ispirazione, e il risultato é fra i migliori del 2009.

Antonio Garosi

Tormentone settimanale - Balding Generation dei Port Royal

2009-09-22T17:25:00.004+02:00

una rubrica un minnimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana con la pretesa dell'attualita, una canzonee che faccia da leitmotiv.
Alla faccia delle tutele e dei copyright che tanto non rispetto mai.

port-royal - The balding generation (losing hair as we lose hope)

Sta per uscire "Dying in time" il nuovo disco della band che ha rovesciato la scena post-rock italiana. Sarebbe indelicato non concedergli come tormentone il singolo in pre-release. Ho scelto questa canzone anche perchè pure io mi sento parte della balding generation ossia di quelli che perdono i capelli come perdono la speranza.

Per gli amanti della curiositá:
• La musica dei port-royal é piú che perfetta come sottofondo per i film porno, per questo li rinominerei porn-royal.
• port- royal deve essere scritto esattamente in questo modo.
• Se vi sembra che questa settimana non ci sia alcun collegamento alla canzone e che i commenti siano strani, per non dire inutili, è perchè in questo istante sono in Svezia ed ho di meglio da fare piuttosto che stare a linkare video o scandagliare la blogosfera. Fatevelo da voi.

AG

I 50 dischi più brutti degli anni 2000

2009-09-16T13:11:00.007+02:00

Sul sito rockol.it hanno pubblicato un'interessante lista redatta dal sito inglese gigwise.com.
Si tratta della classifica dei dischi più brutti degli anni 2000 e devo dire che per i dischi che conosco sono anche d'accordo.
La riporto per intero:

50. Oasis: ‘Standing on the shoulders of giants’ (2000)
49. Black Eyed Peas: ‘The E.N.D’ (2009)
48. Hard-Fi: ‘Once upon a time in the West’ (2007)
47. Razorlight: ‘Razorlight’
46. Scouting For Girls: ‘Scouting For Girls’ (2007)
45. Daniel Powter: ‘Daniel Powter’ (2005)
44. Darkness: ‘One way ticket to Hell… and back’ (2005)
42. Queen & Paul Rodgers: ‘The cosmos rocks’ (2008)
41. Guns N'Roses: ‘Chinese democracy’ (2008)
40. Kaiser Chiefs: ‘Yours truly, angry mob’ (2007)
39. Mark Ronson: ‘Version’ (2007)
38. Puddle Of Mudd: ‘Life on display’ (2003)
37. Staind: ‘Break the cycle’ (2001)
36. Avril Lavigne: ‘Let go’ (2002)
35. Nickelback: ‘All the right reasons’ (2005)
34. Twang: ‘Jewellery quarter’ (2009)
33. Towers Of London: ‘Blood sweat and towers’ (2006)
32. Soulja Boy Tell ‘Em: ’souljaboytellem.com’
31. Limp Bizkit: ‘Results may vary’ (2003)
30. Las Ketchup: ‘Hijas del tomate’ (2002)
29. Westlife: ‘Allow us to be frank’ (2004)
28. Tokio Hotel: ‘Scream’ (2007)
27. Jennifer Lopez: ‘Rebirth’ (2005)
26. Robbie Williams: ‘Rudebox’ (2006)
25. Lindsay Lohan: ‘Speak’ (2004)
24. Mariah Carey: ‘Charmbracelet’ (2002)
23. Geri Halliwell: ‘Scream if you wanna go faster’ (2001)
22. Alice Deejay: ‘Who needs guitars anyway?’ (2000)
21. Ashlee Simpson: ‘I am me’ (2005)
20. Kelly Osbourne: ‘Changes’ (2003)
19. James Blunt: ‘Back to Bedlam’ (2004)
18. Jessica Simpson: ‘Do you know’ (2008)
17. Craig David: ‘Born to do it’ (2000)
16. Insane Clown Posse: ‘Bizzar’/'Bizaar’ (2000)
15. Celine Dion: ‘Taking chances’ (2007)
14. Gareth Gates: ‘What my heart wants to say’ (2003)
13. Rik Waller: ‘From now’ (2002)
12. Enrique Iglesias: ‘Escape’ (2001)
11. Daphne & Celeste: ‘We didn’t say that!’ (2000)
10. Vanilla Ice: ‘Bi-polar’ (2001)
9. Victoria Beckham: ‘Victoria Beckham’ (2001)
8. Cheeky Girls: ‘Party time’ (2004)
7. Paris Hilton: ‘Paris’ (2006)
6. Chris Cornell: ‘Scream’ (2009)
5. Kevin Federline: ‘Playing with fire’ (2006)
4. brokeNCYDE: ‘I’m not a fan… but the kids like it’ (2009)
3. Crazy Frog: ‘Crazy hits’ (2005)
2. Jonas Brothers: ‘A little bit longer’ (2008)
1. Katie Price & Peter Andre: ‘A whole new world’ (2006).

Curiosa, no.
Chissa cosa conterrebbe una simile lista di soli dischi italiani?

Tormentone Settimanale - Warp di The Bloody Beetroots

2009-09-10T12:40:00.002+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana, con la pretesa dell'attualità, una canzone per trovare un leitmotiv.
Alla faccia dei copyright e delle tutele che tanto non rispetto mai.

The Bloody Beetroots - Warp

Bob Rifo (la mente dietro ai Bloody Beetroots) al momento è la figura italiana più interessante a livello nazionale, e pensare che vengono da Bassano del Grappa!
Finalmente, dopo svariati EP che hanno fatto il giro del mondo, esce il 25 Settenbre il suo primo vero full-lenght chiamato "Romborama", per l'etichetta americana Dim Mak di Steve Aoki.
E' aperto anche un video-contest che faccia da teaser per l'uscita del disco.
"Romborama" è già in prevendità digitale su Itunes e Beatport, ma siccome ho scoperto di avere una carta di credito che in realtà è una carta di debito non ho potuto ancora acquistarlo.

Per gli amanti delle curiosità:

I Bloody Beetroots sono famosi per molti dei loro remix e hanno firmato anche le colonne sonore del videogioco FIFA 2009 e del serial-tv CSI: Miami, in più sono i testimonial delle cuffie della Wesc. Se questo non è sfondare...
La copertina del disco in uscita è stata disegnata da celeberrimo fumettista Tanino Liberatore, omaggiato e idolatrato spesso dal gruppo (es. le maschere di Venom)
Bobo Rifo e Steve Aoki insieme vogliono esordire con un gruppo punk-hardcore chiamato Rifoki con un album previsto per il 2010 sotto la produzione di Giulio Ragno Favero; se ne può sentire un validissimo promo su www.myspace.com/bobrifo.

25.08.2009 Area @ Città Aromatica, Siena

2009-09-09T16:12:00.004+02:00

Ogni estate nel comune di Siena l'assessorato alla cultura organizza un festival artistico chiamato “La Città Aromatica” la cui direzione artistica è affidata all'onnipresente Mauro Pagani.
Di per sé questo evento è pensato principalmente per placare le smanie attira-turisti dei senesi ancora caldi dalla vicina manifestazione culturale detta Palio, e quindi senza mirare a più alti obbiettivi ideologico-culturali; quest'anno però una ricorrenza molto particolare ha fatto da pretesto per dare maggiore visibilità e creare una migliore atmosfera.
C'è stato un periodo in cui la scena musicale italiana poteva essere paragonata senza sfigurarci a quella di qualunque altra nazione europea, erano gli anni '70, ma non i '70 del punk o del metal o del pop, bensì gli indimenticabili anni della nascita, dell'ascesa e della morte della musica progressive.
Il primo Franco Battiato, la PFM, i Picchio dal Pozzo, i Goblin, Le Orme, i Formula 3 e tanti altri: tutti nomi che hanno contribuito splendidamente alla ricerca continua su tutti i campi della musica che questo genere richiede, ma fra tutti solo un gruppo è emerso in maniera particolare sugli altri, un gruppo che poteva essere considerato una primizia, una felice presenza quasi anacronistica sul suolo italiano: gli Area.
Grazie a loro l'Italia non aveva da invidiare niente a nessuno e chissà quanto sarebbero potuti andare lontano se il cantante Demetrio Stratos non fosse venuto a mancare prematuramente nel 1979.
A trent'anni dalla scomparsa della voce più bella e intelligente che la penisola abbia mai avuto gli effetti delle sue innovazioni e dei suoi esperimenti sono ancora un punto di riferimento innegabile per chiunque voglia dirsi cantante e Mauro Pagani, vissuto a stretto contatto con quella scena e avendone capito gli insegnamenti, ha voluto quest'anno dedicare l'edizione della Città Aromatica alla voce innovativa degli Area riunendo su un palco i restanti membri dello storico gruppo: Ares Tavolazzi, Paolo Tofani e Patrizio Fariselli (anche Giulio Capiozzo ci ha lasciato nel 2000).
La serata è stata divisa in quattro parti per quattro concerti distinti; a iniziare ognuno dei membri ha singolarmente proposto una mezzora abbondante di proprio repertorio, mentre in chiusura si sono riuniti insieme a Pagani per rievocare insieme l'universo degli Area.
Ad aprire la serata è stato Patrizio Fariselli che insieme a sua sorella Loretta Fariselli, una danzatrice molto bella, ha eseguito lo spettacolo “Area: variazioni per pianoforte e danza”.
L'intenzione era di ricreare un'atmosfera particolare incrociando la musica da jazz contemporaneo per solo pianoforte e qualche occasionale base elettronica del vecchio tastierista insieme alla danza moderna di sua sorella. Uno spettacolo curioso e tecnicamente ineccepibile ma bisogna ammettere che i due sono risultati un poco noiosi, quasi soporiferi, per un pubblico che si aspettava ben altro dalla serata, inoltre devo dire – forse per mia ignoranza - di non avere riconosciuto nessuna delle variazioni fatte da Fariselli sulle vecchie canzoni degli Area, forse solo verso la fine ho intuito qualcosa ma non mi azzardo a fare nomi per paura di sbagliare.
Dopo è toccato a Paolo Tofani che al tempo degli Area era il chitarrista e l'addetto ai sintetizzatori; oggi è un Hare Krishna con una buona parlantina che ha intrattenuto la piazza con world-music molto sperimentale dal sapore orientale. Anche lui si è aiutato con delle basi, oltre che con numerosi effetti per la voce e per gli strumenti, ed ha prima eseguito una suite per santur, uno strumento persiano esotico e intrigante ma totalmente fuori contesto, poi si è cimentato in una composizione per uno strumento da lui ideato chiamato Tri-Kanta Veena: una cordofono a tastiera a tre manici capace di esprimere, con l'aiuto dell'elettronica, solamente suoni fuori controllo e anticonvenzionali. Alla fine del suo spettacolo Tofani ha celebrato il commiato Stratos con un discorso molto commuovente scritto di suo pugno, decantandolo sopra una vecchia esecuzione vocale del cantante progressive.Ad Ares Tavolazzi è toccato l'ultimo degli spettacoli prima del concerto finale ed ha portato sul palco tre giovani musicisti - un pianista, un chitarrista e un batterista – che hanno eseguito diverse canzoni jazz tratte dal progetto musical-teatrale “Godot e altre storie di teatro”.
Tavolazzi e allievi sono sicuramente risultati i migliori per il pubblico, fino ad allora francamente poco soddisfatto dalle esecuzioni precedenti, anche perché il gruppo è stato di una bravura e una pulizia tecnica da rendere gradevole anche il jazz più caustico.
Passate le undici e mezza è arrivata l'ora di richiamare sul palco una vecchia formazione che molte persone non hanno dimenticato: al contrabbasso Tavolazzi, al pianoforte Fariselli e alla chitarra elettrica Tofani; alla batteria si è prestato il figlio di Giulio Capiozzo che ha voluto onestamente rendere omaggio al padre defunto. Per i più nostalgici costoro sono dei semi-dei, eroi di un evo antico e lontano dai giorni nostri che testimoniano un'Italia culturalmente fervida che non si è mai più ripresentata.
Come già detto la reunion ha visto come protagonista anche lo stesso Pagani che, imbracciando il violino, ha capeggiato la formazione risultando persino troppo imperante. Fa così a tutte le edizioni della Città Aromatica, per esempio l'anno scorso che volle salire sul placo con i Marta Sui Tubi, oppure quando si ricongiunse con la PFM per un concerto memorabile in Piazza del Campo (pubblicato anche su Cd/Dvd).
La cosa non darebbe nemmeno troppo fastidio se il poliedrico artista non ribaltasse ogni volta l'evento in un rito auto-celebrativo, e lo si può notare in parecchie cose come il livello esagerato di volume che si ostina a tenere o le improvvisazioni fuorvianti che tira fuori ad ogni canzone; anche questa volta non si è trattato di un tributo fedele, ma di un omaggio tutto rivisitato (e improvvisato) del fenomeno Area.
Le canzoni sono state eseguite come degli standard jazz, dove lunghe improvvisazioni di tutti i musicisti hanno preso maggiore spazio rispetto ai temi del repertorio, senza un filo conduttore e senza che il pubblico avesse respiro per dire “... adesso stanno suonando questa precisa canzone”.
Sono sicuro di avere udito chiaramente “Nervi scoperti” dall'album “Crac”, insieme a molte frasi familiari che purtroppo non sono riuscito a registrare nella memoria.
Solo la conclusiva “Luglio, Agosto, Settembre (nero)” è stata suonata per filo e per segno, senza stravolgimenti o destrutturazioni, con Pagani alla voce e l'intero gruppo a reggere il tiro di quella mirabile canzone che apriva l'album “Arbeit Macht Frei”.
Nella serata non sono mancati dei momenti atroci di pura impreparazione, come Pagani che inizia l'esibizione declamando sardonico “anche questa volta abbiamo provato tantissimo …”, oppure Tavolazzi che rimane attonito quando capisce che è in ritardo per il suo momento di improvvisare.
Eppure fra gli oblii delle varie improvvisazioni slegate fra di loro è scattato anche una sorta di meccanismo alchemico in cui la musica non è stata più l'elemento principale del concerto; dopo tanto tempo la stessa presenza simultanea di quei musicisti sul palco ha reso elegantemente giustizia a un genere ormai caduto in declino.
Purtroppo a metà degli anni '70 il progressive non ha retto il confronto con il punk e la disco-music, cadendo in una crisi formale che ha portato i suoi i musicisti a rifugiarsi nella fusion e nel jazz. Al tempo molti musicisti progressive traevano molta ispirazione da free-jazz e avanguardie musicali, il connubio con pop e rock dette risultato splendido che però non avrebbe portato molto lontano, non senza sconfinare in altri generi perdendo dunque parte del suo significato di partenza.
La riesumazione degli Area di questa sera ne è stata una prova, sia nei concerti iniziali sia nella jam-session intrapresa con Pagani che è sconfinata in un recesso di noia jazz senza soluzione (come dice un amico mio: “Dal vivo la musica jazz è come una scorreggia, piace solo a chi la fa”), perché anche se l'evento è nato come un omaggio a Demetrio Stratos - per quanto dovuto e gradito - alla fine si è rivelato poco accattivante e per niente memorabile, perché basta veramente poco a far scadere le migliori intenzioni in un risultato senza un reale valore intrinseco.

AG

Ultimo Attuale Corpo Sonoro - Memorie e Violenze di Sant'Isabella

2009-08-31T16:51:00.002+02:00

Gli Ultimo Attuale Corpo Sonoro sono un quartetto di rock alternativo di Verona e tutte le volte che penso al loro acronimo UACS mi viene voglia di rinominarli Unità di Analisi del Crimine Sonoro. Un paragone Zingarettiano che mi da sollievo ogni volta che cerco di ignorare tutti gli storici gruppi italiani che ricordano: Massimo Volume, Disciplinatha, Marlene Kuntz, Verdena, ma su tutti in maniera inequivocabile il Consorzio Suonatori Indipendenti. Nemmeno loro nascondono la cosa e nelle loro interviste evidenziano sempre come Giovanni Lindo Ferretti e i suoi gruppi siano per loro una chiara e costante ispirazione.
“Memorie e violenze di Sant'Isabella” è il loro secondo disco e nelle note di copertina si può leggere “Quaranta minuti e quattro anni di impegno ”; potrebbero sembrare tanti in visione di un solo disco ma il risultato maturo che rivelano le sette canzoni facenti parte giustifica pienamente un periodo così lungo.
La musica lenta e diluita, piena di riverberi, delay e filtri, è affidata a pochi strumenti che si orchestrano fra loro in perfettamente equilibrio, riflettendo un' identità di gruppo cupa ed turbata che si slancia in poche e distanti esplosioni dinamiche (“Empirismo eretico”, “L'esilio del canto” e “Memorie e Violenze di Sant'Isabella”). La formazione post-rock dei musicisti è ben chiara (“Le ceneri dell'Idroscalo”, “I fantasmi del Bosforo”, “Impossibile dormire a Varna, amore”) ma le canzoni sono prive di quelle lunghe derive sonore tipiche di questo genere, e gli UACS preferiscono ancorarsi a una forma-canzone molto più adatta allo stile del cantante Gianmarco Mercati. Anche qui Lindo Ferretti fa da paragone: il registro basso, la pesante pronuncia delle esse, il cambiamento di colore sulle note più alte, ma non mancano momenti narrati in cui si avvicina più ad Emidio Clementi.
La musica degli UACS è innegabilmente basata sui modelli di genere di loro idoli e predecessori ma il modo in cui riusano gli elementi a disposizione li allontana da ogni accusa di emulazione o plagio. Vanno oltre il semplice imitare sia in senso semplice, perché il loro è un grato riconoscimento, sia in senso complesso, perché la componente ben più importante di questo gruppo sono i testi e le ideologie dietro lo sviluppo dell'intero disco.
Inteso quasi come un libro, “Memorie e violenze di Sant'Isabella” è diviso in tre capitoli ognuno dedicato ad un poeta: Pier Paolo Pasolini, Nazim Hikmet, Arthur Rimbuad, rispettivamente visti con gli occhi di Italo Calvino, Pablo Neruda e Jack Kerouac.
L'approccio al verso del cantante è mirabile, abile nelle scelta delle parole che dosa con la giusta efficacia, con la sue descrizioni sottili ed evocative si merita senza dubbio il posto fra i nuovi migliori parolieri italiani.
La vocazione letteraria nei testi di questo gruppo però non deve essere intesa come un semplice vezzo intellettualoide, non sono solo citazioni o rievocazioni superficiali in stile Baustelle, piuttosto la loro capacità di rendere ancora attuali questi artisti e i loro messaggi è notevole, ed esprimere concetti ed idee come se venissero dalle loro penne è un lavoro complicato ed oneroso che richiede onestà intellettuale e coerenza prima di tutto.
Il testo di ogni canzone meriterebbe di per se una lunga discussione proprio perché densi di significato e perché questo gruppo, totalmente alieno nell'odierna realtà musicale italiana, ha molto da dirci e ne avrà ancora per molto, come si intenderebbe da quei suoni bruscamente interrotti alla fine del disco.
Su tutte le canzoni “Empirismo eretico”, con il suo infinito rimprovero “Io so ma non ho le prove” che cambia di inflessione vocale ad ogni ripetizione, è quella che di più si rivolge ad ognuno di noi e ci incita al ritorno all'impegno politico, alla proprietà intellettuale, all'identità culturale. Sono questi i pilastri su cui si appoggiano, sono questi i loro mezzi per cercare di migliorare il mondo in cui viviamo, senza mai dimenticare chi prima di noi è morto per la sua natura ed ha sofferto per la sua cultura.
40 minuti e 4 anni in questo senso sono tempi che dovrebbero prendersi tutti i gruppi se fossero da soli necessari per un così buono risultato, ma c'è anche l'impegno che va oltre la semplice musica, oltre l'arte e diventa vera e propria comunicazione, sociale.

Tormentone Settimanale - These are my twisted words dei Radiohead

2009-08-18T14:50:00.008+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana, con la pretesa dell'attualità, una canzone per trovare un leitmotiv.
Alla faccia dei copyright e delle tutele che tanto non rispetto mai.

These are my twisted words - Radiohead

Qualcosa che solo menti straniate dalla realtà braudillardiana potevano realizzare.
Azioni di viral? Fan fiction? Web 2.0? I Radiohead vanno oltre (e dentro) tutto questo attraverso la loro musica. Ecco "These are my twisted words", una canzone che ha movimentato la blogosfera.

Per gli amanti delle curiosità:

Oltre a questa i Radiohaed in questi giorni hanno fatto girare la canzone "Harry Patch (in memory of)" che Gianni Sibilla ha definito una "una lagna noiosissima, che suona davvero vecchia". Di questa invece ha detto "nulla di nuovo, sembra una loro canzone di 4-5 anni fa, ma bella". Secondo me non è malvagia, solo un poco inconcludente.
C'è chi ha intravisto nel testo e nelle informazioni della canzone messaggi criptati sull'uscita di un nuovo EP dei Radiohead intitolato "Wall of ice" previsto per il 17 Agosto. Ma non è successo niente, è apparso solo un messaggio dal blog ufficiale del gruppo che ha dichiarato la paternità della canzone.
La canzone allegata di un semplice artwork è scaricabile gratuitamente dal sito www.radiohead.com/deadairspace

Due strumenti per riscoprire la musica

2009-08-13T20:48:00.015+02:00

Se c'è qualosa di più bello di scoprire la musica è riscoprirla.
Le persone con un minimo di curiosità, come credo di essere anche io, ascoltando nuovi gruppi e uscite recenti - ma anche scoprendo vecchi artisti - godono di una soddisfazione particolare che si paragona a poche altre gioie delle esperienze culturali.
Internet, stampa, chiacchere con gli amici ed ogni altro media caldo o freddo diventano per l'occasione strumenti imparagonabili che arrichiscono il proprio bagaglio di conoscenze.
Questo agire però può portare ad una deriva pericolosa; se si considera la musica concreta (non quella di Pierre Schaffer ma quella su dischi, vinili, cassette, in soldoni che ha bisogno di uno strumento mecccanico per essere riprodotta) non ci sono problemi, ma quando hai a disposizione una biblioteca virtualmente infinita come internet e la possibilità di accesso illimitata di chi non soffre del Digital Divide allora la ricerca diventa una bulimia insaziabile che non si placa di fronte a poche nuove scoperte, troppo tardi ti accorgi che sono più i gruppi che hai ascoltato di quelli che hai assimilato, cioè quelli di cui ti ricorderai e ripenserai in futuro.
Ci sono poi, soprattutto per chi ascolta molta musica da anni, dei momenti di commozione e pura gioia quando per un caso fortuito si riesce a riscoprire una canzone che si pensava dimenticata, riaprendo certe finestre che non si ricordava nemmeno di avere, riabilitando nel presente l'accesso a conoscenze e ricordi di vecchia data ricollocati nelle attuali condizioni dagli ascolti che lo hanno seguito.
Last.fm è stato per molti il primo gigante vorticatore nel mare calmo della musica sconosciuta e della musica scordata, ma la sua nuova politica aziendale (3 € al mese per avere accesso all'asolto del database) ha allontato diversi clienti abituali che lo usano ormai solo come un social network musicale.
Il sito a gestione francese www.deezer.com poteva essere una ottima alternativa, forse migliore sotto certi aspetti (accesso libero a discografie intere, collegamento diretto con youtube) però non riesce a decollare e a funzionare come dovrebbe, quindi in attesa di giorni migliori rimane solo un sito secondario se non un'ultima spiaggia per la consultazione più che per la ricerca.
Non ci sono dei rimedi a lungo termine per calmare definitivamente la sete di conoscenza le lacune della memoria, quindi per chi cercasse sollievo dalle curiosità che ardono negli animi inquieti ecco due mezzi semplici e comodi che permettono a chiunque, dallo smemorato senza cura al musicofilo incallito, di trovare piacere nel ascoltare e riascoltare musica.

Il primo: www.damnfineday.com
E' un blog in inglese che ogni giorno propone e invia tramite newsletter una canzone corredata da un inciso esplicativo scritto da un qualche nome importante del settore musicale. Damnfineday.com propone sempre canzoni che abbiano un piglio nostalgico sull'ascoltatore, cercando di rimanere sul tema dell'attualità (anniversari, commemorazioni, fatti di cronaca recente). Oltre a rivelare delizie musicali che altrimenti sarebbero fuori portata delle masse ogni tanto se ne viene fuori con una canzone conosciuta agli ascoltatori di tutti i generi che difficilmente avrebero risentito (ultimamente sono saltate fuori cose bellissime di Smiths, Iron Butterfly, Usker Du, ma ce ne veramente per tutti i gusti).
Purtroppo nasce con due limiti: il più leggero è che si rifà eccessivamente al repertorio anglo-americano, quindi non sempre si manifesta così rievocativo per le persone non globalizzte; il problema più pesante è che le canzoni non possono essere ascoltate per interno in quanto ne viene proposto solo un estratto di 30 secondi (la cosa non sussiste per gli utenti americani, quindi sicuramente c'è un metodo per fregarli e chi lo sa è pregato di contattarmi).

Il secondo: www.musicovery.com
Trattasi di una piattaforma geniale e semplice in uguale misura. Basta scegliere i generi voluti, l'arco temporale da cui attingere e un punto su una curiosa mappa sinestetica del sound , ed ecco fatto! Viene immediatamente stilata e riprodotta una playlist di canzoni corrispondenti ai criteri assegnati che spesso regala qualche perla nascosta nella memoria dell'appassionato di musica. Poche canzoni e ci si affeziona a Musicovery in maniera incondizionata tanto è soprendente.
Il servizio può essere a pagamento o gratuito ma le differenze non sono eccessive: pagando puoi giusto scorrere nella playlist e accedere a qualche funzione in più oltre che usufruire dell'audio ad alta qualità (l'audio a bassa qualità non è poi così deprecabile, basta e avanza per un sottofondo musicale).
I soli limiti che si oppongono ad un servizio efficiente sono dati dalla inaffidabilità di alcuni parametri di ricerca (per esempio la ricerca di musica metal è pietosa) e dalla programmazione instabile dell'interfaccia che ogni tanto ha bisogno di una spinta per tornare a girare come deve.

Tormentone Settimanale - I'm not alone di Calvin Harris

2009-08-09T15:06:00.004+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana, con la pretesa dell'attualità, una canzone per trovare un leitmotiv.
Alla faccia dei copyright e delle tutele che tanto non rispetto mai.

I'm not alone - Calvin Harris

Nel mio lavoro mi capita spesso di dovermi confrontare con i giovani d'oggi (nessuna speculazione, lavoro nella ristorazione), ragazzi e ragazze privi di coscienza che pensano sempre di saperla lunga, soprattutto nella musica, ma l'uniche canzoni che ascoltano sono quelle che gli propinano, sono vittime inermi dei tormentoni.
Fra tutti i tormentoni estivi c'è ne uno che non capisco proprio come non abbia fatto colpo su di loro. Si tratta di "I'm not alone" di Calvin Harris, il primo singolo del nuovo album "Ready for the Weekend".
Semplicemente non gli piace, forse perché in Italia non viene spinta dai media come invece succede con Pitbull, Black Eyed Peas o Bob Sinclair (... che presente desolante ...), quindi io per arroganza la elevo a tormentone settimanale dato che secondo me è la meglio hit dell'Estate.

Per gli amanti delle curiosità

Calvin Harris è giovane e talentuso. Il primo di disco "I created disco" era una summa del revival della musica elettronica degli anni '80. "Ready for the weekend" deve ancora uscire ma ascoltando il singolo sembra un elogio della house dei primi anni novanta.
Per avere più tempo per la creazione del nuovo disco Calvin Harris si è inventato una bufala. Ha detto ai giornali di avere smarrito il portatile con dentro il master del disco insieme ai suoi bagagli all'aereoporto di Heatrow a Londra, notizia che ha smentito pochi giorni dopo.
Stando alla Wikipedia inglese, Calvin Harris di recente avrebbe rifiutato in maniera discreta una collaborazione con Lady Gaga.

Tormentone Settimanale - Nostalgia de Il Teatro degli Orrori & Zu

2009-07-29T01:40:00.010+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana, con la pretesa dell'attualità, una canzone per trovare un leitmotiv.
Alla faccia dei copyright e delle tutele che tanto non rispetto mai.

Nostalgia - Il Teatro degli Orrori & Zu

Appena ho saputo che a Ottobre uscirà il nuovo disco del Teatro degli Orrori mi sono tornate in testa tutte le canzoni di questa splendida, tetra e bellissima formazione, scalzando con arroganza tutti gli altri possibili tormetoni settimanali.
La canzone che uscì per la compilation "Il paese è reale" non mi fece impazzire ma sono comunque trepidante per l'attesa di questo nuovo lavoro.
Se chi legge non conosce il Teatro degli Orrori si ritroverà interdetto da ogni sito,blog, forum e social network della rete globale.

Per gli amanti delle curiosità:

"Nostalgia" è contenuta nel vinile-split in edizione limitata (666 copie) fatto con gli Zu per La Tempesta dischi.
Il nuovo album si chiamerà "A sangue freddo", forse è una citazione dal(l'ultimo) romanzo dello scrittore americano Truman Capote "In cold blood".
Il sito aggiornato del gruppo - www.ilteatrodegliorrori.com - contiene qualche informazione e un filmato con brevi ma interessanti anteprime.

18.07.2009 Italia Wave @ Livorno

2009-07-26T00:24:00.006+02:00

Avevo voglia di preparare un live report su tutte le giornate dell'Italia Wave 2009, ma siccome sono parecchio lento e mentalmente impegnato elargisco solo il resoconto di Sabato 18 Luglio scritto in collaborazione con Martin Hofer e apparso sul sito www.hatetv.it
Sono diventato veramente pigro.

Italia Wave @ Stadio Armando Picchi, Livorno - 18/7/2009

Martin Hofer (intro): I quattro credono di essere dei robot e hanno inventato la musica elettronica come propriamente la intendiamo oggi, l’altro ha più di una rotella fuori posto, e a sua volta è stato uno dei pionieri della nouvelle vague che a inizio degli anni ’90 impose all’attenzione del grande pubblico una sottocultura del sopraccitato genere fatto di IDM, ambient, breakbeat, drum & bass e tante tante droghe sintetiche. Basterebbe solo questo per trovarci oggi allo Stadio Picchi di Livorno, dall’anno scorso sede di Italia Wave, giunto ormai alla 19esima edizione.

Antonio Garosi (ore 1.58): Avete mai visto quella scena molto orwelliana di uno stadio pieno di persone e tutti che saltano, ballano e sudano sotto i ritmi ansimanti di un dj nevrotico? Aphex Twin alla fine ce l'ha fatta e ha creato la situazione. Non capisco perché ci abbia messo così tanto, ma l'ultima mezzora è un groviglio estasiante di suoni violenti e strappi acustici, da schizofonia, da assassinio sulla pista da ballo. Magnifico. Stancante. Alla faccia di dj Ralf e del Cocoricò, vado via dallo stadio: da adesso in poi è roba da fighetti. Basta musica per oggi, c'è ne stata fin troppa, fin troppo buona.

M.H. (ore 20.15): Entriamo nello stadio e non posso esimermi dal cercare con gli occhi e percorrere con la memoria i luoghi e gli eventi salienti che dettero vita alla straordinaria performance dei Chemical Brothers lo scorso anno.

A.G. (0.55): Aphex Twin sta facendo abbastanza pena, la musica non è niente di che, mi ci vuole non so quanto per capire che ha finito il dj sotto il palco e ha iniziato il leggendario musicista elettronico irlandese. La musica è proprio insipida, i visual pure, la maggior parte delle persone non balla nemmeno. Che sta succedendo? Trovo inaspettatamente sotto la colonna degli amplificatori di sinistra il mio vecchio amico Gianluca che mi saluta calorosamente, balla divertitissimo e smanioso, contento di essere qui. L’immagine mi rende un poco più felice, più allegro, e un qualcosa di segreto comincia a spingermi i piedi verso il ritmo, sembra di cominciare a muovermi. Ad un tratto mi accorgo che intorno tutti ballano.

M.H. (20.30): Da quando il festival si è spostato nella città labronica l’organizzazione ha provveduto a una saggia razionalizzazione del materiale a propria disposizione, classificando in modo più marcato le serate per genere musicale, e riconoscendo alla musica elettronica il giusto spazio anche al di fuori di Elettro Wave. Così stasera, oltre alle attese esibizioni di Kraftwerk e Aphex Twin, assisteremo anche a quelle di Offlaga Disco Pax, Marco Passarani e Ralph.

A.G. (0.30): C'è un dj normalissimo sotto il palco che copre il silenzio mentre montano la postazione di Aphex Twin, l'altro attesissimo nome che dà lustro all'Italia Wave di quest'anno riconfermandolo, dopo due anni di infelicità, come la migliore proposta italiana in quanto festival di musica e arti in genere. Mi chiedo quanto mai ci si possa mettere a collegare un laptop e due giradischi all'impianto, mi destano dalla noia solo due paramedici che corrono chissà dove con la barella per soccorrere chissà chi da chissà che cosa. Perché i maxi-schermi proiettano già il logo di Aphex Twin?

M.H. (20.45): Fanno il loro ingresso sul palco gli Offlaga Disco Pax, accompagnati dal trio d’archi Ginko Narayana. Dopo una rigorosa media fra parametri come qualità (alta), attesa (di poco superiore a zero), scaletta (perfetta), spessore del gruppo (medio) e impatto dal vivo (discreto), la loro esibizione si rivela forse la più gradita della serata. Già con Ventrale le tortuose distese sonore che fanno da cuscino ai racconti di Max Collini si diffondono sinuose nell’aria, catturando l’attenzione di un pubblico non ancora numerosissimo.

A.G. (0.01): Sono in fila allo stand del merchandise dei Kraftwerk. Il gruppo tedesco ha finito di suonare da poco e metà stadio si riversa al banchetto per comprare la maglietta-ricordo di un concerto strepitoso. Dopo We are the robots è tornato sul palco il gruppo in carne e ossa con le tute fosforescenti e ha fulminato l'intero pubblico che nel frattempo è diventato veramente vasto - non come a inizio serata - adesso siamo tutti a comprare magliette, anche se sono rimaste solo taglie L e XL.

M.H. (21.00): L’apporto di viola, violino e violoncello conferisce ai pezzi una leggerezza che, mescolata con i beat sostenuti, la chitarra e la narrazione spesso ironica di Max, scatena un effetto d’insieme bizzarro, divertente e allo stesso tempo malinconico. Piccole storie, alcune inventate, altre vere: ricordi nostalgici sulla quotidianità della provincia emiliana e situazioni umoristiche (una su tutte Dove ho messo la golf?) scorrono piacevoli in una Livorno ormai raggiunta dall’oscurità.

A.G. (23.45): Non mi vengono in mente battute su Michael Jackson.

M.H. (21.30): Quando Collini annuncia: “Per capire il senso di questa canzone procuratevi un elenco telefonico di Reggio Emilia”, capiamo che è il momento di Onomastica, lista dei nomi strani della città emiliana condensati in un ipnotico giro di basso. A seguire, il primo successo della band, quella Robespierre dedicata agli “amici del campetto, passati dalle Marlboro direttamente all’eroina…alla faccia delle droghe leggere…”; degna conclusione di un bel concerto che vede in quarantacinque minuti la sua esatta dimensione.

A.G. (23.16): Una sfilata meccanica di kitsch robotico, i Kraftwerk eseguono uno dopo l'altro i capisaldi della loro decennale carriera musicale. Splendidi e freddi nelle loro tute nere. Le tende del palco poi si chiudono. Che sia finito il concerto? Si riapre in poco tempo svelando la presenza sul palco di quattro esili sagome, i celeberrimi manichini meccanizzati. We are the robots. We are the robots.

M.H. (22.00): Siamo comodamente sdraiati per terra in pacifica attesa dei Kraftwerk quando, del tutto inaspettatatamente, una voce robotica proveniente dal palco suggerisce in modo neanche troppo velato l’inizio del concerto degli inossidabili teutonici. Sulle note di Man Machine i quattro di Dusseldorf si affacciano sul palco, andando a occupare come di consueto le quattro postazioni computer iper-minimaliste. In senso buono, i Kraftwerk sono proprio dei pezzi d’antiquariato: immobili come manichini e con qualche capello bianco in più, automi che propongono un repertorio “vintage” e coadiuvati da visual che definire retrò sarebbe un eufemismo (un bula bula è progresso puro in confronto).

A.G. (22.13): Chi sono i Kraftwerk? Dei nazisti post-moderni? Oppure dei residuati bellici all'avanguardia della DDR? Io credo che i Kraftwerk siano dei musicisti innovatori con un sottile senso dell'umorismo e una coerenza che spesso la gente fraintende, ma il cui risultato è alla portata di tutti. I Kraftwerk salgono sul palco e iniziano a suonare Man Machine, tutto il pubblico tende le braccia con fotocamere e cattura-immagini digitali per carpire quello che sarà un concerto memorabile.

M.H. (22.20): Consapevoli della venerazione che quasi tutti gli appassionati di elettronica nutrono nei loro confronti, ci propongono i pezzi nella versione più fedele, senza alcuna rivisitazione o la minima ombra di un mixaggio fra una canzone e l’altra. Ogni pezzo è freddo, asettico, disinfettato a dovere e non contaminato dall’influenza dei tempi che corrono. E’ impossibile però rimanere indifferenti ai monili d’epoca che i Kraftwerk ci sventolano sotto il naso con la convinzione di chi pensa di offrirti un articolo all’ultimo grido: Tour de france (Paris), Vitamin, per non parlare di Autobahn. Emozionano ed esaltano la folla con toni solenni, avveniristici e al contempo obsoleti. Sullo schermo, immagini che ormai sono diventate vere e proprie icone, come il simbolo dell’autostrada o la pedalata in bianco e nero su una salita del tour, mentre in sottofondo il rombare di un maggiolone o il respiro affannoso di un ciclista diventano pian piano melodia precisa e inanimata.

A.G. (22.01): L'attesa dei Kraftwerk inizia a farsi lunga, tutte le persone dello stadio (me compreso) si sono ammassate sotto il palco, quindi non c'è più modo di muoversi e il tipo di fronte a me puzza d'erba da far venire la nausea (ho detto puzza, non profuma). I teli che servono da superficie per i proiettori sbattono con le folate d'aria e sono veramente imbarazzanti a vedersi, non si capisce perché nessuno li fissi. Capisco che è ancora presto ma quando cominciano questi crucchi?

M.H. (22.45): Non manca certo qualche momento di noia, dovuto anche all’ostinata inespressività della band che se ne strafrega dell’entusiasmo manifestato dalla folla: Homecomputer e The model risultano troppo polverose per far muovere un pubblico fatto di aficionados della prima ora, ma anche di molti giovani.

A.G. (21.31): All'intonare di Onomastica sale sul palco il ballerino che compare nel video della canzone, poi rimane anche per Robespierre e il concerto degli Offlaga Disco Pax finisce con l'applauso compiaciuto di tutto il pubblico. Lo stadio è un poco più affollato, ma comunque non si fa a cazzotti per spostarsi. Perché?

M.H. (23.00): Arriva il momento cruciale, scandito dall’incedere di un telegrafo. Radioactivity, unico messaggio di umanità nonché capolavoro assoluto dei calcolatori di Dusseldorf, si propaga nell’etere scatenando il delirio del sottoscritto. Ancora il tempo per Trans Europe Express e poi la temporanea uscita del gruppo dalla scena.

A.G. (21.04): Il pubblico continua a non essere propriamente numeroso, eppure accanto a me ci sono persone di tutti i tipi. L'invasato in tuta mimetica, la raver di colore, la famiglia pettinata e i ragazzi senza maglietta e sinceramente non capisco il perché dato che fa freddo. Gli Offlaga e loro neosensibilismo stanno suonando Dov'è la mia golf? e per ora stanno andando alla grande. Non sono affatto noiosi, condizione che spesso suscitano al pubblico medio. Non mi viene in mente nessuna battuta su Michael Jackson.

M.H. (23.10): Sono anche autoironici, questi Kraftwerk: consci di non rappresentare il prototipo degli animali da palcoscenico lasciano che per The robots siano quattro manichini semi-mobili a occupare le loro postazioni. Di questo se ne accorgono in pochi, anzi, i busti mostrano movenze ed espressività che non riapprezzeremo più per tutto il resto del live.

A.G. (20,48): Incontro Martin Hofer e i suoi occhi di colori diversi per decidere sul da farsi per questo benedetto report sulla giornata di oggi. Siamo d'accordo sul fatto che dobbiamo scrivere molte battute su Michael Jackson. In questo istante hanno iniziato a suonare gli Offlaga Disco Pax, sono saliti sul palco con un trio d'archi francese e per quel che ne so è la prima volta che suonano in uno stadio, “strano che l'Unità non abbia detto niente”. Gli archi intonano le prime note della Sinfonia n.9 di Beethoven e poi parte Ventrale.

M.H. (23.15): Il rientro vero è proprio è segnato da Numbers, che registra anche un cambio d’abito con eccentriche tutine fosforescenti.

A.G. (20.34): I My Toys Like Me hanno finito di suonare e in fin dei conti sono stati bravi. Lo stadio è ancora abbastanza vuoto e minaccia di rimanerlo per tutta la sera. Il mio amico ha preso una copia omaggio di XL e aprendola alla pagina di Harry Potter ci si è messo con il culo sopra.

M.H. (23.30): Dopo una manciata di altre canzoni (con l’ottima Music non stop a conclusione) i Kraftwerk si congedano senza nemmeno salutare. Chissà, avere una decina d'anni in più sul groppone mi avrebbe aiutato a comprendere meglio una performance che di per sé è stata comunque ampiamente godibile. Da oltre trent’anni i Kraftwerk fanno scuola, anche se non sarebbe una vergogna per loro studiare un possibile nuovo lavoro in funzione di qualcosa di più fresco e attuale. Per giudicare l’operato del gruppo ai giorni nostri è infatti necessario compiere un’accurata operazione di contestualizzazione senza la quale i Kraftwerk oggi non sarebbero considerati i Kraftwerk (se Computerworld uscisse domani chissà quante pernacchie raccoglierebbe). Viva i Kraftwerk dunque, ma se fossi stato nel 1976 mi sarei divertito di più a cantare “Machine machine machine machine machineeeeee…”

A.G. (20.04): Ho dovuto scendere a patti per scrivere queste frasi. La ragazza carina dello stand ha detto “Ti regalo una penna se compili il modulo della nostra iniziativa”. D'altra parte non posso scrivere della serata senza una penna e, d'altronde, se non sono abbastanza professionale da portarmela da casa è giusto che chilometri di email spam inceppino la mia casella. Bastava dare dati falsi, ma metti caso la vinco davvero una macchina fotografica. E' sabato all'Italia Wave nella stadio Armando Picchi di Livorno e si preannuncia un evento memorabile. Erano mesi che aspettavo questa sera. Kraftwerk e Aphex Twin sono le portate principali, di contorno gente più o meno famosa: gli Offlaga Disco Pax al vertice della loro carriera, gli ospiti inglesi My Toys Like Me e in chiusura dj Ralf (chi? Il resident del Cocoricò. chi?). Ho preso anche le ferie da lavoro per non perdermi niente. Nel fare la fila per comprare il biglietto ho fatto tardi e gli emergenti Auslander, il primo gruppo, me li perdo; ora stanno suonando i My Toys Like Me, musica elettronica più per inglesi che per italiani. La cantante è parecchio bona. Mannaggia, ho come l'impressione che scriverò solo cose noiose sulla serata di oggi.

M.H. (23.10): Entriamo subito in clima Aphex Twin. La domanda è d’obbligo: “Che cosa diavolo vuole fare di questo benedetto dj set il buon Richard D.James?” L’eclettico producer di Limerick è infatti uno di quei geni (per riprove, ascoltare dischi come Classics o Richard D. James Album) inclini alla schizofrenia musicale (si vedano le uscite sotto gli pseudonimi di Afx, The Tuss, etc.) e manie di onnipotenza (alcuni suoi live set presuntuosamente inascoltabili). Viene quindi da chiedersi che cosa dovremo aspettarci questa sera. Il suo ultimo live in Italia, considerata la defezione dell’ultima ora di un paio di anni fa a Roma, risale addirittura a Torino 2005.

M.H. (0.00): Ecco finalmente salire sul palco Aphex Twin.

M.H. (0.15): Inizio morbido, quasi debole: i primi pezzi sono orientati sul versante ambient-techno.

M.H. (0.20): Per uno che collabora da anni con un certo Chris Cunningham, avere come visual la “A” di Aphex Twin che cambia colore e altre proiezioni insipide non è proprio il massimo.

M.H. (0.30): La scaletta è indecifrabile: si riconoscono solo spezzoni di Fingerbib e Metapharstic oltre a qualcosa di Afx; per il resto non riusciamo a capire se i pezzi sono suoi e remixati, di altri e remixati, suoi e sconosciuti alle nostre orecchie.

M.H. (0.45): Il live si fa sempre più indecifrabile e cacofonico. Si registra una netta sterzata verso territoti acid dai quali non ci sentiamo particolarmente attratti.

M.H. (??): Sulle note di Come to daddy (fatta durare troppo poco) ci spostiamo a poche file di distanza dal palco, proprio quando il dj impazzisce e decide di offrire il peggio di sé. Una logorrea di rumore ci investe spettinandoci. Delle persone che mi circondano solo i più fatti sembrano capire l’essenza del set.

M.H. (??): Aphex Twin sta praticamente suonando per sé stesso, totalmente disconnesso dalla realtà.

M.H. (??): rumore…

M.H. (??): rumore…

M.H. (??): rumore…

M.H. (??): Con un certo sollievo salutiamo Aphex Twin e il suo delirio autoreferenziale. Dell’ipnotica Digeridoo, della paranoica Flaphead, del carillon di Nannou, di Windowlicker o Girl/Boy song, neanche un accenno… Una performance piuttosto fastidiosa e arrogante nella quale il buon Richard, per mostrare al pubblico il suo indiscusso talento, ha voluto eccedere spingendosi ben oltre i confini dell’inascoltabilità. Avremmo preferito un set maggiormente digeribile, con più pezzi noti e magari qualche traccia di gruppi targati Warp (Autechre, The Black Dog, Plaid…ma putroppo Aphex si è recentemente smarcato dalla sua etichetta storica). Bocciato.

M.H. (2.30): La serata prosegue con la performance poco saporita di Ralf, a cui prestiamo poca attenzione, ancora intontiti dalle precedenti esibizioni. Il momento più alto sono sicuramente le note inconfondibili di Two months off degli Underworld. Vanno fatti comunque i complimenti all’organizzazione di Italia Wave, capace di confezionare una serata che sulla carta sarebbe stata (e a tratti lo è stata) letteralmente sopraffina.

M.H. (4.00): Quando le luci dell’Armando Picchi sono spente ormai da parecchio, gli automi si sono congelati in attesa del prossimo show, Aphex Twin è collassato su una panchina chissà dove nei pressi di Livorno, a noi non resta che trovare una spiaggia dove trascorrere quel che resta della notte.

Antonio Garosi
Martin Hofer

Tormentone Settimanale - In Principio: Erat Lux Vera di Arvo Part

2009-07-20T12:57:00.003+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana, con la pretesa dell'attualità, una canzone per trovare un leitmotiv.
Alla faccia dei copyright e delle tutele che tanto non rispetto mai.

In principio: Erat Lux Vera

Il modo di ascoltare musica classica è definitivamente cambiato. Il determinismo tecnologico ha reso anche i musicisti colti alla portata di tutti e quindi anche uno come Arvo Part viene codificato come musica pop se contestualizzato in canali mediatici come Last.fm, myspace, blog e riviste di settore (prima o poi scrivero un saggio su questa questione).
"In Principio" è la raccolta degli ultimi lavori del compositore estone Arvo Part. Rilasciata per l'ECM, quindi qualità sopra la media sotto tutti gli aspetti.
In questo movimento (il terzo su cinque) c'è un climax fra i 6'00'' e 6'40'', ogni volta che lo ascolto sento il mio cuore infrangersi. La forza segreta della musica colta.

Per gli amanti delle curiosità:

Arvo Part dovrebbe essere il solo compositore di minimalismo sacro al mondo.
Part ha ideato un metodo compositivo semplice ed elegante che articola poche voci per un risultato sorprendente. Questo metodo è stato da lui definito Tintinnabuli.
Dalle note di copertina: "Il terzo movimento centrale non è solamente il più lungo ma è quello in cui Part enfatizza il messaggio ripetendo le parole tre volte - una cosa che non ha mai fatto prima nella sua musica vocale. Evidentemente ha fatto ciò per inviarci un segnale direttamente a ciascuno di noi: Venne fra la sua gente, ma i suoi non l'hanno accolto.."

Tormentone Settimanale - The sun is often out di Patrick Wolf

2009-07-12T19:43:00.007+02:00

Una rubrica un minimo dinamica per un blog eccessivamente statico. Ogni settimana, con la pretesa dell'attualità, una canzone per trovare un leitmotiv.
Alla faccia dei copyright e delle tutele che tanto non rispetto mai.

Patrick Wolf - The Sun is often Out

Non so come fare per descrivere positivamete Patrick Wolf senza passare per omosessuale.
E' uscito da poco il nuovo disco The Bachelor per l'etichetta Bloody Chamber Musica che lui stesso ha di recente fondato. Ovviamente è bellissimo.
Un must per chi ancora non lo conosce.
La canzone che ho scelto è la meno significativa ai fini del concept dell'album (che verrà ripreso nel successivo lavoro, The Conqueror, previsto per il 2010) ma credo che sia di una profondità commuovente.

Per gli amanti delle curiosità:

Thomas Bloch ha suonato in diverse canzoni i suoi fantastici strumenti
Il disco è stato finanziato attraverso Bandstocks, ossia un progetto in cui i fan investono soldi direttamente acquistando una quota sul lavoro dei musicisti
Alec Empire degli Atari Teenage Riot ha prodotto (artisticamente ed esecutivamente) un paio di canzoni di questo album. Niente di spettacolare

10.06.2009 MI ODI @ Magnolia, Milano

2009-07-03T14:21:00.007+02:00

Cosa ci faccio io qui?
Non sono un metallaro, né un punk, né uno straight edge, né un gotico della morte. Non ho tatuaggi né uno straccio di piercing, non porto catene o anfibi della New Rock, eppure questo di oggi al Magnolia è il MI ODI, la versione rumorosa e bastarda del MI AMI organizzato da Rockit, l'evento più atteso per gli amanti del frastuono musicale e del rumore in tutte le salse e in tutti i generi. Dopo il fenomeno Teatro degli Orrori del 2007 in Italia ci siamo ricordati che siamo in grado anche noi di fare parecchio casino, quindi l'organizzazione, gestita dai ragazzi di SOLO MACELLO, ha predisposto una giornata memorabile con un cast da paura: solo il meglio dei gruppi italiani fra hardcore, grind, metal, punk, noise e alternative.
Qual'è la mia mise en abyme? Non si direbbe a vedermi - capelli a fighetto con un principio di alopecia, maglietta polo nera, pantaloni stretti e adidas bianche (come quelle del chitarrista dei Morbid Angel) – ma io amo nel profondo il rumore. Posso non rievocare lo stereotipo del casinista da sottopalco, quello che inizia a pogare alla prima schitarrata, quello che grida “Metallo !!!” sotto il palco, quello che usa le magliette nere dei gruppi metal come abito da sera e conosce le battute di “Fusi di testa” a memoria, ma davanti a delle frequenze distorte sono peggio di un capellone rivestito di pelle e borchie, quindi non potevo mancare.
Sono le sei e mezzo e sono sicuramente in ritardo perché ho perso il treno che ero intenzionato a prendere e il tassista che mi ha portato fin qua si è dilungato per tutto il viaggio in discorsi pseudo-politici senza capo ne coda e penso che abbia fatto un giro più lungo solo per concludere la sua filippica, fatto sta che mentre cammino nel viale di ingresso del Magnolia il primo gruppo della giornata, The Infarto, Scheisse!, sta già suonando sul palco esterno. Ovviamente a quest'ora non c'è troppa gente ma i presenti sono comunque abbastanza da non rendere l'esibizione desolante, una trentina di persone ben intenzionate (tra le quali io sono ovviamente il più normale) che apprezzano le urla del cumoroso abbastanza da non tradire le aspettative del cartellone, il problema è che non avrò il tempo di assistere alla totalità del concerto perché da un momento all'altro comincerà la performance di Bologna Violenta. Infatti mi allontano un secondo solo dallo stage, anche per scoprire l'ambiente, che noto dentro il locale un capannello di persone di fronte a un palco sul quale un uomo barbuto sta preparando i suoi strumenti.
Mi avvicino e mi accorgo che è lui: Nicola Manzan in arte Bologna Violenta. Artista poliedrico e turnista impegnatissimo che in questa one-man band ritaglia frammenti sonori e dialoghi atroci di film d'annata e li mescola con basi ritmiche grind (alla Agoraphobic Nosebleed), suonandoci sopra una chitarra incazzifottita ed escogitando per la gioia degli occhi anche dei balletti e dei movimenti esilaranti. Comincia a suonare e si rivela uno spettacolo della natura: ironia dissacrante e ritmi estremi, con una predilezione per le frequenze basse che trasformano la musica in movimento fisico.

Nicola Manzan in arte Bologna Violenta

Scorrono diverse canzoni arrabbiatissime, il pubblico comincia a crescere di numero e comincia ad essere anche più coinvolto dall'esibizione, mi allontano dal palco di Bologna Violenta quando imbraccia il violino e intona un intermezzo sinfonico per scoprire il Magnolia dato che non ci sono mai stato. Struttura gradevole e spaziosa, con il pieno di persone deve essere anche più bella. Scorgo il grande palco che si accenderà solo stasera e trovo anche le bancarelle che saranno preda dei violenti saccheggi per cui, data la mia bulimia da shopping, sono famoso. Torno al palco esterno per vedere che aria tira e per vedere se riesco a farmi per intero il concerto che vi comincerà a breve.
I Cani Sciorri sono uno dei gruppi che mi ha portato oggi al MIODI. Vengono dalla stessa provincia dei Marlene Kuntz, Cuneo, e suonano un genere classificabile avvenieristicamente come blues-core con lunghe parti strumentali. Ti muovi senza volerlo, agiti la testa fino alla rottura del collo e a vederli sono un poco come me, delle persone normalissime (a parte il batterista), ed è anche per questo che mi stanno simpatici. Arrivo sotto il palco esterno vuoto e i Cani Sciorri iniziano a suonare. Tempo trenta secondi e diversa gente comincia ad avvicinarsi, perché i Cani Sciorri sono veramente forti.

Il batterista non normalissimo dei Cani Sciorri

La voce sguaiata del chitarrista è troppo magica ed il tiro che che il power-trio esprime con semplicità ed eleganza non può che colpirti nelle viscere.

Noto che fra il pubblico a volte ci sono più fotografi che ascoltatori normali, quasi sempre più fotografi che teste in fase di headbanging, e questo è ormai scontato a tutti gli eventi organizzati da Rockit. Personalmente mi ripartisco fra tutte le categorie, in quanto non mi posso definire un fotografo, però, fra una sgrollata di capo e l'altra, con la mia polaroid catturo qualche frammento di MI ODI.

Una fotografa bona

Mezz'ora di sudato casino e il concerto dei Cani Sciorri finisce lasciandomi profondamente felice, sentendo crescere in me la consapevolezza della fortuna di non essermi perso questo evento.
Allora ricomincio a girare fra le aree del Magnolia. Sento che al palco interno stanno suonando i Lucertulas, ma non mi colpiscono l'orecchio e vado oltre. Passo davanti allo stand della Sound Metak ed ho il piacere di scambiare due chiacchere con Xabier Iriondo riguardo un trabiccolo elettronico chiamato Thingamagoop. Sono ufficialmente iniziati i miei acquisti spensierati fra libri e dischi e il mio stipendio da dipendente dell'osteria “Da Trombicche” viene velocemente sperperato.
Il palco esterno su cui dovranno suonare gli Stoner Kebab, che mi dicono essere particolarmente bravi, non è ancora pronto e allora torno dentro per assaggiare un poco di Lucertulas che sono ancora in azione.
Solo adesso mi accorgo del grande errore di valutazione fatto poco prima, cioè che i Lucertulas sono tremendamente bravi. Hard-rock impregnato di furore e psichedelia, ogni elemento di pure quest'altro power-trio è folgorante: la potenza del chitarrista, l'incisività del batterista, il carisma del cantante-bassista. Resto per il resto (attenzione: gioco di parole) del concerto sotto il palco fulminato dall'esecuzione.

L'errore di valutazione chiamato Lucertulas

Finiti i Lucertulas le orecchie cominciano farmi male, inoltre è dall'inizio del MI ODI che sento un lieve ma sempre più forte mal di testa, non avendo mangiato niente e avendo bevuto solo birra per tutta la giornata, ma questa condizione non fa altro che rendere il tutto più metal, non è un a cosa di cui lamentarsi.
Continuo con i miei acquisti, scordandomi totalmente del concerto degli Stoner Kebab, sento lontanamente solo qualche altisonante accordo di chitarra doom a cui però non faccio molto caso.

Bruno Dorella degli OvO in borghese

Cominciamo ad essere veramente in tanti. Cerco di avvicinarmi allo stand gastronomico, ma la fila è interminabile quindi decido che per oggi niente cibo, spenderò i soldi solo in dischi.
Sono le otto e mezzo e io ho già praticamente finito ogni banconota, al palco interno stanno suonando i Goran D Sanchez ma ho bisogno di dissipare dalle orecchie il rumore delle ore precedenti e quindi decido di non ascoltarli, solo ogni tanto mi concedo qualche scorcio dello spettacolo di questo gruppo che fino all'ultimo non era previsto nel cartellone. Probabilmente sono gli uomini più brutti d'Italia e questo non gli fa che onore.
Cominciamo ad essere veramente ma veramente in tanti. Il Magnolia ormai pullula di capelloni con magliette di qualsiasi gruppo al mondo, ragazzi smilzi con capelli a frangia e braccia tatuate integralmente, ragazze aspiranti Suicide Girls di ogni taglia, foggia e colore, palestrati più o meno rasati con espansori alle orecchie ed anche se ormai mi sono rassegnato ad essere forse l'unica persona ad indossare una Polo sono proprio felice, perché un mite velo di allegria ricopre questa giornata dedicata alla baldoria.

Tipico spettatore del MI ODI

Sto giocando a biliardino con delle ragazze cremonesi di vecchia conoscenza incontrate per caso e sento che i Bastion hanno iniziato a suonare sul palco interno, quindi perdo per cavalleria la partita (bugia bella e buona) e come faccio per andare a vederli mi accorgo che anche qui il rumore la fa da padrone. Il gruppo vede Jukka Reverberi, Valerio Cosi e per l'occasione anche Francesco Donadello alle prese con la pura sperimentazione sonora, oltre le strutture musicali, oltre il gusto e il piacere. Pretese ambiziose ma risultati efficaci, perché i Bastion ricevono consensi ottimi da tutto il pubblico.

Il frigorifero musicale dei Bastion

Se all'inizio le sovrapposizioni fra concerti erano solo un fastidio, adesso che si è accesso anche il palco principale, su cui stanno suonando gli Zippo, sono diventate una cosa ingestibile.

Inizio a roteare come in preda a un ossesso fra i tre palchi attivi. Gli El Thule me li perdo per intero; gli Zippo, Xabier Iriondo e i Gerda me li godo ad intervalli di pochi minuti perché l'intenzione è quella di vedere tutto senza perdersi niente. Gli Zippo da Pescara sono molto scenici e dimostrano di saper gestire anche un palco grande davanti a un pubblico sempre più numeroso. Xabier Iriondo rappresenta il lato intellettuale del MI ODI, ha portato in scena tutti gli artifici rumorosi e gli ammennicoli sonori che me lo fanno somigliare al John Cage avanguardista, certo è un po' pesante ma suscita sempre curiosità ed interesse. Purtroppo la sua esecuzione viene disturbata dal rientro rimbombante della musica del palco principale, quindi molte finezze e trovate passano inascoltate.

Xabier Iriondo che suona un vibratore

Ho saltato da un palco all'altro per una mezz'ora e francamente seccato da questa trovata di far suonare quanti più gruppi in una sola giornata decido di fermarmi per vedermi appieno i Gerda.
Gerda, “e non è con le chiacchere che uscirai da questa merda”.

La gara di salto in alto del cantante dei Gerda

Screamo da Jesi. Bazzicando spesso sul sito della Wallace Records li avevo già notati, ma non mi ci ero mai soffermato abbastanza per capire che dal vivo sono energia pura. Non sono troppo iconici, non sono fasulli e sono terribilmente bravi. Può darsi che il MI ODI abbia creato la giusta atmosfera per i gruppi, cioè il pubblico caloroso, l'intesa perfetta con l'ambiente, ma devo dire che sono parecchi coloro che hanno regalato un bellissimo spettacolo, proprio come i Gerda.

Bassista dei Gerda che fa yoga

I Gerda finiscono e vado via in fretta, ormai sgomitando fra le persone, per beccarmi un poco del concerto dei Morkobot, altra chiccheria della serata, allo stage principale; prima però passo davanti al palco interno, anzi non passo, tante sono le persone che assistono all'inizio degli OvO.
Gli Ovo sono l'art brut del post-punk: allo stesso tempo geniali e pazzi, semplici e intensi, paranoici e terapeutici. L'idea di sonorizzare il film del 1920 di Murnau “Nosferatu” è una follia, non vedo come il pubblico in una simile atmosfera possa rimanere immobile per più di un'ora e mezzo (io personalmente ho delle brutte esperienze con le sonorizzazioni di film muti, mi ci addormento sempre), ma la folla davanti al palco mi smentisce e nonostante il film sia già iniziato da un po' non si riesce ancora a passare da una parte all'altra senza sgomitare e io che non sono nemmeno molto alto non vedo nemmeno le immagini del film. Quindi corro dai Morkobot.
Il trio, due bassi e una batteria, ovviamente sta già suonando da un po', ma quanto vedo mi basta per essere felice. I Morkobot sono uno di quei gruppi che difficilmente riesco a classificare; certo è che Lin, Lan e Len (così si fanno chiamare) fanno baccano, oltretutto con maestria, ma sono talmente originali che sembrano sul serio dei messaggeri guidati da un entità aliena superiore che ci osserva e ci studia dalle profondità dello spazio. Finiscono di suonare e il pubblico lancia un grido: “Lode a Morkobot”. È troppo sublime.
Torno dagli OvO e la situazione è la stessa di prima, non si riesce ne a passare ne a vedere niente, quindi vado al palco esterno e mi trovo davanti una delle sorprese della giornata, ossia Eraser.
Eraser è uno di quegli artisti italiani più apprezzati all'estero che in patria ed è un circuit-bender. Il circuit-bending è l'arte di cortocircuitare e modificare apparecchiature elettroniche quali giocattoli, strumenti musicali, sveglie e eccetera eccetera, per ricavarne suoni indeterminati e affascinanti.

Eraser che calcola il suo 740 con un euro-convertitore

Eraser attraverso i suoi trabiccoli escogita delle tessiture sonore strabilianti, architetture elettroniche dettate dal caso che inneggiano alla pura ricerca sperimentale, poco contestualizzate nell'ambito del MI ODI, ma comunque godibilissime.
La sua esibizione dura poco e appena il tempo di riassettare il palco che cominciano a suonare gli Inferno.
Gli Inferno, che vengono da Roma e si definiscono un gruppo sci-fi grind 'n' roll, riescono a scatenare un pogo esagerato a circa un secondo dall'inizio del loro concerto. Fino ad ora in tutto il MI ODI ci sono stati molti headbang, molti salti sul posto, molte birre e qualche spinta ma veri e propri poghi fino agli Inferno no. Non a caso sono un gruppo molto conosciuto nell'Italia del grind e inoltre sono molto bravi, non fanno semplicemente casino con la doppia cassa ma rendono giustizia ad un genere musicale troppo spesso suonato male o in modo banale, inoltre lo stile fantascientifico degli Inferno - devo assolutamente reperire una maschera da alieno-radioattivo-anticristo-lampeggiante come quella del cantante - rivela quell'ironia intrisa nei musicisti che quando manca nei generi estremi porta a conseguenze spiacevoli (dall'insulsaggine manifesta all'omicidio rituale).

Il chitarrista degli Inferno inorridito dal pelato accanto a se

Il pogo durante le canzoni non finisce un secondo che sia uno, rendendo gli spettatori tutti amici e contenti, facendo condividere dei momenti bellissimi a tutto il pubblico. Il concerto finisce e credo di essermi rotto qualche falange, ma invece riesco a muovere ogni singolo osso e quindi torno nella forma mentis adatta ai concerti.
Diamine, mi rendo conto solo adesso che una giornata come questa era veramente necessaria in Italia, dovuta e non più rimandabile, ci sono alcuni festival che inneggiano ogni cosa che finisce con “core” o che inizia con “post” cercando di fare il punto della situazione nazionale ma un evento come quello di oggi era impensabile fino a qualche hanno fa.
Camminando fra i locali del Magnolia, dove la musica arriva solo come richiamo lontano, mi convinco del fatto che per almeno due o tre giorni a venire le mie orecchie fischieranno senza tregua, per la mia brutta abitudine di assistere ai concerti da sotto gli impianti di amplificazione, e riesco a vedere la conturbante fine della sonorizzazione degli OvO perché adesso c'è molta meno gente e capisco il perché non appena ritorno allo stage principale dove stanno suonando i The Secret.
Non so quale sia il segreto dei The Secret ma la gente sotto il palco, a giudicare il pogo iperviolento, sembra gradirli molto. Il cantate con la faccia acqua e sapone e le braccia completamente tatuate urla come un dannato dell'inferno, il batterista sembra voglia distruggere la batteria piuttosto che suonarla, il bassista eccede oltre ogni limite di decibel definito da ogni ordinanza statale e il chitarrista... il chitarrista non è che riesca a sentirlo molto bene, un po' per i miei acufeni, un po' perché mi sa che è proprio basso di volume, però ha un bell'atteggiamento (anche se è pelato) e quindi mi piace. Sono coordinati e ben studiati, si muovono molto bene sul palco e l'effetto del loro post-hardcore è stupefacente.

The Secret che richiama l'attenzione su una C3 nera posteggiata male

La parte che riesco a sentire, molto stile Neurosis, vede salire sul palco un secondo batterista che non ho idea di chi sia ma era stato annunciato dal gruppo sul loro myspace come una sorpresa per il concerto (in futuro scoprirò essere il batterista del Teatro degli Orrori, strano non l'abbia riconosciuto). Questo ospite sfida il primo batterista a chi pesta più forte arrivando ovviamente a spaccare le bacchette e regalando un finale che lascia l'intero pubblico stordito.
Adesso siamo veramente in parecchi, dappertutto, deve essere bellissimo vedere questa folla dai palchi, sia a livello visivo sia a livello emotivo, perché dopo concerti su concerti in locali semivuoti – fare casino non è mai stato troppo di moda - finalmente tutti i gruppi di questo MI ODI hanno potuto godere di un bel pubblico folto e omogeneo.
Mi avvicino al palco esterno dove stanno suonando i cremonesi Cripple Bastard, un'istituzione nell'ambiente grindcore, ma non riesco nemmeno ad avvicinarmi tante sono le persone che si sono affollate per vederli. Da fuori del tendone sento solo gli sbraiti e le schitarrate. Avvicinandomi potrei assistere dalle file più esterne, ma io mi diverto bene solo quando sono sotto il palco e perciò mi allontano.
Adesso mi rimane da vedere solo loro, gli eroi nazionali del rumore, i mostri-maestri del baccano, l'irriducibile power-trio del jazzcore: gli Zu.
Averli messi come headliner di questa giornata fantastica è come eleggerli a sovrani dell'hardcore italiano, consacrandoli a eroi nazionali. Gli Zu cominciano a suonare davanti a un pubblico numerosissimo, attesi come superstar, e pure questa sera sono come sempre: superiori a tutti.
L'incrocio tra gli spasimi ritmici di basso-batteria e le urla soffiate del sassofono va oltre lo spazio e il tempo, agiscono in profondità nella percezione dell'ascoltatore aumentandone la portata della sensibilità acustica. Posso sembrare un esaltato, ma gli Zu secondo me sono da insegnarsi a scuola, ricoprono un'importanza sulla scena musicale più che meritata, rilevanti e necessari tanto quanto John Zorn o Glenn Branca (e quindi assolutamente niente per molte persone).

ZUzzurelloni

Eseguono quasi tutto il repertorio dell'ultimo disco per un concerto da libidine, anche se gli Zu funzionano meglio in spazi chiusi piuttosto che in palchi grandi ed il pubblico sia parecchio stanco, quasi immobile, e non risponda come dovrebbe agli attacchi sonori del gruppo; la giornata è stata pesante per molti e non mi meraviglio quando Luca Mai, il sassofonista, esorta il pubblico ad muoversi.
L'ultima canzone che suonano è Ostia (quella con la cassa dritta e quindi ballabile anche dai truzzi) e finalmente fra la gente c'è un movimento uniforme simile a un pogo che rende giustizia ai nostri cari Zu, quindi la serata finisce e si spengono gli amplificatori, l'impianto manda una canzone ignorabile e i tecnici iniziano a smontare tutto. La gente comincia ad andare via.
Sono felice di ammettere di essere esausto, sudato, indolenzito e completamente appagato da tutto quello che mi ha offerto il MI ODI; anche se sono sembrato all'aspetto un pesce fuor d'acqua di certo mi sono divertito molto più tanti metallari, punk o presunte altre sottoculture presenti che parlano tanto, aspettano molto e quando il momento arriva non fanno niente, non sanno come comportarsi.
Mi appresto ad andare via, fuori dal Magnolia c'è un furgoncino alimentare che dopo una giornata totale digiuno per me rappresenta una visione paradisiaca, le persone già servite sono tutte straight-edge e mangiano dei tristissimi panini ripieni con solo le aggiunte di verdure e funghi (la cosa meno stagionale e salubre in giro, di certo meno del prosciutto o del salame).
Mangio il mio sanguinario, crudele e ingiustificabile panino con la salsiccia (che a Milano orribilmente chiamano “salamella”, eretici...) e mentre aspetto un taxi per tornare in centro penso a tutti gli spettacoli che ho visto oggi, a tutti i dischi che ho comprato, alle polaroid che ho scattato, ai volti visti e all'opportunità che hanno avuto tutti, dai gruppi al pubblico; penso anche a chi non sono riuscito a vedere, grazie ad una furiosa sovrapposizione dei concerti, soprattutto i Nurse!Nurse!Nurse! che hanno tenuto un ghost-show fra le bancarelle senza che me ne sia accorto; penso anche ai nomi che sono mancati e che per completezza avrebbero dovuto esserci a questa prima edizione, forse i Fratelli Calafuria o i Venezia, sicuramente i Dead Elephant; infine penso che la giornata sia stata un successo sotto tutti gli aspetti: nelle presenze, nel sentimento, nella qualità e nella carica simbolica che già ricopre questo nome, MI ODI, anche se qua nessuno si odia.
Arriva un taxi, lo prendo e il tassista che somiglia a Cleveland dei Griffin incomincia a parlarmi delle sue avventure sessuali, purtroppo molte delle cose che dice non riesco nemmeno a capirle perché le orecchie mi fischiano fino all'inverosimile, ma la situazione è comunque la perfetta conclusione di questa giornata.
Arrivo al mio albergo e sono fisicamente distrutto ma penso rallegrato a quello che sarà il racconto della mia bellissima esperienza al MI ODI scritto in tempo presente.

AG

Foto rubata da Blogosfere. La persona in primo piano con il braccio sproporzionato rispetto al resto del corpo sono io nel pogo Infernale

Devocka - Perchè sorridere !?

2009-06-17T18:57:00.004+02:00

Perché sorridere?

È una domanda lecita: c'è crisi, c'è disoccupazione, ci sono gli stupri, la droga, l' alcol e la criminalità disorganizzata. C'è emergenza di emergenze, come diceva Luttazzi, e quindi perché dovremmo sorridere?

Perché “...quando inizia una crisi un po' tutto è concesso...” e se davvero stiamo per finire tutti con le gambe all'aria è certo che le idee valide e originali nascono proprio in questi momenti.

Devocka è la parola usata per riferirsi alle ragazze in Nadsat, lo slang parlato da Alex il protagonista di Arancia Meccanica, ed è già chiaro dal nome del gruppo che il loro è un universo pulp di prosa nera e musica post-punk. Io, personalmente, sorrido perché finalmente sento un gruppo degno di proseguire il sentiero solcato tanti anni fa da un gruppo semi-ignorato in Italia: il Santo Niente.

Loro, i Devocka, vengono da Ferrara ed hanno già un po' di materiale e di esperienza alle spalle; di solito a questo punto ci si chiede se un gruppo abbia raggiunto la maturità, se sia pronto per la svolta e quindi se rimarrà negli annali della musica. Vediamoli nel dettaglio.

Nella torbida quiete della prima canzone “Piero” capisci subito che il disco ti esploderà nelle casse più e più volte, e allora cominci a prendere la rincorsa per slanciarti in quella aspettativa mantenuta egregiamente nella successiva “Corri” (un'altra canzone che cita il film “La haine” di Kassovitz). Nei Devocka sono presenti tutti gli elementi necessari per un buon rock, dalla voce grintosa che si alterna fra grida, parlato e cantato alle chitarre digrignanti e alla solidità della batteria il tutto ornato da effetti sonori non esagerati, e il primo quarto d'ora d'ascolto è un concentrato di rock alternativo gettato a pioggia sull'ascoltatore per testarne il gusto e vederne l'effetto.

Da “Ventre” in poi il gruppo cessa di essere monolitico, le idee e le ispirazioni delle successive canzoni si fanno variegate e molteplici scalando diversi strati di rock fino a sfociare in sequenze crossover, come “Medved'” tanto vicina ai Rage Against The Machine, o persino metal, come “Pane” o “Lab” certamente non molto attuali nello stile (...e chi se ne frega... non statemi ad ascoltare e suonate tutto il metal che volete).

La deflagrante “Reazione/azione” termina perfettamente quel tragitto interiore cominciato con l'arpeggio di una chitarra acustica e concluso in un coacervo di feedback e rumori.

Forse “Perchè sorridere!?” non è il conseguimento della maturità e non rappresenta la “svolta”, ma senza dubbio rappresenta uno dei migliori dischi della stagione a venire, grazie anche all'ottima produzione di Giulio Ragno Favero (One Dimensional Man, Putiferio, Teatro degli Orrori) che trasforma in oro in ogni gruppo che tocca, anche se devo dire che sovente tira troppo la corda con il risultato che i Devocka a tratti, come nella title-track o in “Umor vitreo”, ricordano in maniera quasi imbarazzante il caro Teatro degli Orrori tanto da farli sembrare degli epigoni.

Comunque più che parlarne “Perchè sorridere!?” dovrebbe essere ascoltato, fino a impararlo a memoria, per poi andare a vedere i Devocka dal vivo e cantare tutte le canzoni a squarciagola da sotto il palco, sarebbe stupendo.

La cura di Lady Sovereign

2009-05-21T15:07:00.008+02:00

Oggi ho visto in TV il nuovo singolo di Lady Sovereign, "So Human".
Quando la rapper inglese uscì con "Public Warning" nel 2006 si capiva subito che era superiore alla media - aldilà del fatto che è alta un metro e un fracobollo steso - perchè a differenza di tutte quelle mignottone esagerate che cercano inutilemente di fare rap senza riuscirci, la "biggest midget in the game" mostrava un atteggiamento cafone e modesto allo stesso tempo, ti sbalordiva e ti rapiva, aveva quel cazzo di flow sempre più raro nel mondo del rap.
Scusate se oggi parlo come Pino Scotto.
E' uscito da pochi mesi il nuovo disco di Lady Sovereign, "Jigsaw", e il secondo singolo estratto "So human" che contiene frammenti della canzone "Close to me" dei Cure. Non voglio certo dare giudizi sulla correttezza di questa moda anche troppo longeva di ricampionare vecchie canzoni, credo che il mercato sforni due o tre hit a stagione in questo modo, piuttosto mi chiedo perchè debba essere fatto senza il minimo criterio di gusto, in quanto "So human" fa abbastanza schifo.
Il video è carino (ma non originale), la Sovereign è simpatica e brava (qui nemmeno troppo), ma riprendere i Cure e farne un singolo, nonostante le buone intenzioni, non credo sia una buona intuizione.
Perchè?
Oltre ad essere un idea troppo rodata e abusata (non è uscito giusto poche settimane fa Flo Rida che riprende i Dead or Alive?) il campionamento non deve basarsi solo su una melodia carina o un motivo orecchiabile tanto eighties con cui fare copia-e-incolla; il risultato deve essere buono a prescindere dalle citazioni e non basarsi solo su rimandi metamusicali, deve avere un significato e una coerenza stilistica che non vengono da una buona produzione ma da una ragionamento intelligente.
Non ho ancora ascoltato il nuovo disco della Sovereign, quindi non intendo qui giudicare negativamente lei o il suo lavoro, piuttosto intendo esprimere il mio dissenso (... ecchissenefrega ...) verso le scelte sbagliate e incosistenti del settore musicale.
Soluzioni: sicuramente riascoltare "My life in the bush of ghosts" della coppia Brian Eno e David Byrne, perchè è talmente brutto ma anche talmente lungimirante che non mi lascia mai indifferente. Per quanto pesante fu uno dei dischi più innovativi del pop e cercare di capire le canzoni di quel lavoro può anche aiutare capire le idee che c'erano dietro.

AG

Squilibri Musicali

2009-05-05T18:06:00.011+02:00

Come dovrebbe sapere mezza Italia a Siena si sta tenendo una mostra chiamata "Arte, Genio e Follia: il giorno e la notte dell'artista" ideata e studiata da Vittorio Sgarbi.
In questa mostra sono presenti tanti quadri e sculture che descrivono o ricoprono (ovviamente) il tema della follia e perciò gente come Antonio Ligabue, Vincent Van Gogh, Adolf Wolfli, Xavier Messerschmidt e tanti altri che forse con la follia non c'entrano niente.
Per conto dell'Università di Siena ho realizzato insieme ad Andrea Capaccioli e Paolo Tani "Squilibri Musicali", ossia una colonna sonora ispiratada ai quadri esposti composta da artisti che in qualche modo hanno ricalcato il ruolo del pazzo o abbiano descritto il tema della follia o comunque che con le loro canzoni abbiano evocato gli stessi sentimenti trapelati dalle opere. Il progetto rientra nell'ambito più grande di "Arte, Università e Follia" coordinato da Monica Granchi e nel quale sono riuniti anche lavori di altri ragazzi e saranno presenti al museo Santa Maria della Scala fino alla fine della mostra.

Ecco le canzoni, suddivise per sezioni, che abbiamo scelto per accompagnare la mostra:

La scena della follia:
- Robert Schumann - Carnaval: Pierrot
- Tom Waits – Midtown
- Lou Reed – Ecstasy

Nato sotto Saturno:
- The Beatles - Eleanor Rigby

Genio e follia al tempo di Nietzsche
- Richard Wagner – Tristan und Isolde: Liebestod
- Pink Floyd – Brain Damage
- Chet Baker – My funny Valentine

La follia collettiva: la guerra al tempo degli artisti:
- Vinicio Capossela – Brucia Troia
- Giuseppe Verdi – Macbeth: Di destarlo per tempo il re m'impose
- Chris Thomas King – Hard time killing floor blues

L'arte dei folli: Omaggio a Hans Prinzhorn:
- Velvet Undeground – I'm sticking with you
- Karlheinz Stockhausen – Kontakte: Structur VIII

Art Brut:
- Tom Zé – Abrindo dos urnas
- Frank Zappa – Peaches en Regalia

L'alchimia dell'arte: Antonio Liguabue:
- Skiantos – Pichiatello
- Franco Battiato – L'animale

Alcuni casi italiani fra normalità e follia:
- Jaco Pastorius – Okonkole Y Trompa
- Devo – Satisfaction
- King Crimson – Starless and bible black

Viaggio in Toscana:
- Chopin – Nocturne op.9/2
- Tool – Disposition

La lucida follia dell'arte nel XX secolo:
- Elliott Smith – Angeles
- Sigur Ros – Intro
- Queen of the stone age – Song for the deaf

Il montaggio che abbiamo fatto fa abbastanza schifo e guardarsi i quadri su uno schermo mentre sono esposti liberamente nelle stanze adiacementi è da scemi, personalmente credo che sia meglio per chiunque scaricarsi la playlist e ascoltarsela in cuffia seguendo il perscorso della mostra.
Ho deciso comunqu di postare il video che mi pare sia venuto meglio, quello riguardante il Weiner Aktionismus (si sconsiglia la visione ad un pubblico troppo sensibile e ad un qualunque avvocato o lavoratore per la SIAE).
Enjoy.

Zu - Carboniferous

2009-04-08T16:15:00.003+02:00

Gli Zu sono uno dei gruppi migliori al mondo, l'ho già detto in passato e continuerò a ripeterlo fino allo stremo.
E' uscito or ora "Carboniferous", il nuovo disco prodotto dalla IPECAC di Mike Patton (amico inseparabile, dopo il tour mondiale insieme). Un'altra perla di quel jazz-core tanto vicino a John Zorn (e che sicuramente non dispiacerebbe ad altri jazzisti canonici come Charles Mingus), un lavoro splendidamente fuligginoso e sporco, con collaborazioni dello stesso Mike Patton, King Buzzo dei Melvins e l'onnipresente Giulio Ragno Favero; un disco che riporta l'attenzione generale sul regno indomato del noise. La qualità del trio basso, batteria e sassofono baritono (più innesti qua e la di elettronica, chitarra e percussioni) è sempre alta e raggiunge dei livelli di tecnica mai mostrati nei dischi precedenti e l'ottima produzione dei suoni rende "Carboniferous" ancora più godibile. Non si tratta solo di canzoni inedite, per esempio da tempo "Chtonian" gira su un video nel myspace del gruppo, oppure "Soulympics", una versione aggiornata di "Maledetto Sedicesimo" già apparsa nella raccolta "Il Paese è reale".
Se da una parte la critica musicale etichetta questi i generi "rumorosi" come sorpassati, sopravvalutati e oggigiorno per niente innovativi, questo disco che spazia dal math all'ambient alla pura sperimentazione pulsa di una freschezza creativa non indifferente, pieno di voglia di riscoprirsi e di sondare nuove strade, come fu per i Naked City o i Flying Luttebachers prima di loro, ossessionati dal flusso creativo che furiosamente li ha portati a creare spigolose opere.
Per gli amanti del genere i momenti alti in questo disco sono parecchi ("Ostia", "Carbon", "Orc" o la suprema combinazione di "Beata Viscera" e "Erinys") e comunque rappresenta un approcio morbido per i neofiti che voglio avvicinarsi a questo mondo catartico, perchè gli Zu possiedono la rara capacità di gestire e modellare a proprio piacere quella materia nera che in pochi osano anche solo toccare, il rumore, sostanza paragonabile per mistero e fascino nella musica solo al silenzio.

Uochi Toki - Libro Audio

2009-03-22T18:17:00.006+01:00

Quando un medium che nato e conformato in una realtà culturale si ritrova trapiantato in una nuova realtà, come una nazione diversa, si attuano una serie di cambiamenti nel suo contenuto, nella sua produzione e nella sua interpretazione, che lo rendano più assimilibile e fruibile nella nuova realtà; si chiama paradigma dell'indigenizzazione.
Quando il medium che migra è un sottogenere musicale intriso di particolarità è sempre un avvenimento interessante, nel caso specifico parlo di alternative hip hop, quel genere confuso e di culto che ha influenzato molto il mainstream ma non è ha mai fatto veramente parte, come erano i primi Beastie Boys o gli Insane Clown Posse.
Il rap alternativo in Italia ha prodotto delle vaccate abominevoli come Metal Carter e tutta la crew del Truceklan, inutili per il semplice fatto di esistere, incapaci di adattare il mezzo di comunicazione al proprio contesto sociale credendo di fare qualcosa di "nuovo"; ma c'è chi è riuscito a gestire le risorse date costruendosi un'identità più originale e interessante, si tratta degli Uochi Toki da Alessandria, due (o tre?) rapper anti-conformisti e lungimiranti che ci mostrano oggi l'hip-hop italiano di domani.
E' uscito da poco per l'etichetta La tempesta (aperta definitivamente a tutti i generi) il loro nuovo disco "Libro Audio" e come si intuisce dal titolo rappresenta un sorta di racconto, praticamente un concept-album come il precedente split "La chiave del 20" realizzato insieme agli Etherea Post Bong Band e uscito appena un anno fa.
Questa volta si parla del passaggio dal reale all'immaginario percorso attraverso una serie di personaggi scanditi dalle canzoni, ognuno descrivendo la vita dei Uochi Toki, dei loro amici, dei loro parenti, delle loro ossessioni e delle loro paranoie."Libro Audio" è una vetrina di personaggi in cui indentificarsi come quando eri abbastanza scemo e giocavi a Dungeons&Dragons, perchè i racconti che si dipanano sono innumerevoli e vari che è quasi impossibile non pensare almeno qualche volta "Ehi, sono d'accordo!".
La prima parte, da "Il cinico" fino a metà de "L' Osservatore, l'osservatore 1", parla di persone vere e fatti presumibilmente veri dove la realtà supera l'immaginazione; mentre nella seconda parte, da metà de "L' Osservatore, l'osservatore 1" a "La bestia", saltano fuori personaggi fittizzi che incarnano il lato oscuro delle personalità contemporaneamente distorte e chiare dei musicisti.
Le strutture e i suoni dei Uochi Toki meritano sempre una certa attenzione, nelle canzoni non esistono ritornelli e si sbizzariscono sperimentando macchine rumorose self-made, sample capovolti e innesti di batterie vere che fanno la gioia chi ama la geekness. In questo disco vari stadi dell'elettronica si mischiano per un risultato eterogeneo: sperimentale, elettroclash, minimal, cut & paste, trance, industrial, sfociando in momenti di noise e rapcore restando però fedeli all'estetica almeno apparente del lo-fi. E' rimasto invariato anche il tono acido del cantante Napo che non si trattiene dal gettare a pioggia commenti e critiche, come se ogni canzone fosse un dissing quando non scatena incendi di non-sense lessicale tipici del loro vecchio progetto Laze Biose.
Napo incarna l'anti-mc: non canta quasi mai in rima, non fa freestyle, rifiuta la logica del flow, non vuole fare il finto gangster e ha una sua opinione sincera (e anche discutibile) sul mondo, ma non si tratta di un demente della prim'ora che cerca di fare il rapper senza riuscirci, è invece una personalità intelligente e formata che nei suoi testi delinea una serie di cruciverba semantici complicati come pochi nel suo ambiente sanno gestire.
Il disco è pieno di personalità e denso di ciò che manca a molti altri dischi simili, l'originalità, senza che però questo tracci un sentiero che debba essere seguito da epigoni: se tutti i neofiti del rap seguissero il modello dei Uochi Toki si finirebbe presto con saturare la scena e a rigettarla, anche perchè "Libro Audio", per velleità sperimentali e compositive, in certi momenti è proprio pesante - un rap lungo più di 9 minuti è eccessivo così come le basi troppo complesse non si prestano facilmente ad accompagnare una voce - soprattutto per le orecchie di un ipotetica massa abituata a un hip hop esageratamente commerciale.
"Libro Audio" dei Uochi Toki è un disco da qui trarre insegnamenti, tutti, basta oguno capisca quale e il gioco è fatto.

AG

AA VV - Il paese è reale

2009-03-06T02:17:00.008+01:00

Gli Afterhours si confermano un'altra volta gli eroi della scena italiana. Escono con un cd bellissimo per una major, rompono il contratto con la major, vanno a Sanremo osannati dal conduttore, perdono il concorso, vincono il premio della critica e fanno tutto questo solo per promuovere la compilation in cui sono presenti la loro canzone in gara e altri 18 inediti dei musicisti italiani che più gli piacciono.
"Il paese è reale - 19 Artisti per un paese migliore?", senza dire quale paese, tanto ci pensano le piume nere della copertina a delimitare i confini di uno stato in cui di reale sembra esserci solo la crisi, economica o culturale che sia non importa, tanto i musicisti delle crisi se ne fregano e ci cantano sopra (chi in anticipo, chi in ritardo). Non c'è bisogno di stare bene per suonare o per godere della musica, è facoltativo; è molto più importante per gli artisti di oggi risvegliare la coscienza collettiva, fargli aprire gli occhi sulla realtà sottostante la superficie, su "la verità relativa".
Merità indubbiamente sprecare un paio di parole per oguna delle canzoni scelte senza uno scopo esaustivo o l'ambizione di definire una grande famiglia italiana.

1) Afterhours - Il paese è reale: Non ci voleva molto quest'anno a Sanremo per partorire la canzone più bella del festival, visti gli altri concorrenti. E' più difficile cercare di convincere gli italiani che gli Aftehours hanno ancora molto da dire, soprattutto per chi li accusa di essersi venduti. "Il paese è reale" è una canzone consapevole del fatto che per trasmettere un significato profondo bisogna anche rischiare di essere banali. Rock alternativo unito a un buona orchestrazione, urla, melodia e ostinazione sfrontata nel cambiare dinamica repentinamente. Un'ottimo risultato, una canzone che vale.
2) Paolo Benvegnù - Io e il mio amore: Il cantautore bresciano appare un poco appanato, è un peccato anche perchè è molto più competente di come sembra in questo rock troppo simile allo stile del vecchio singolo "Suggestionabili". Non è che manchi di originalità, e il ristultato non è nemmeno pessimo, ma poteva essere meglio.
3) Marco Parente - Da un momento all'altro: Il pianoforte di Marco Parente non è mai banale, come non lo sono mai le sue parole. Si possono amare o odiare, ma non lasciano indifferenti. Ecco una canzone soave e leggera come una fiamma di candela; pochi elementi per una semplicità nella struttura che è disarmante, come il controtempo del ritornello, come l'intermezzo onirico di archi sottili e come l'accordo conclusivo che non risolve niente. Proprio come la voce acuta di Marco Parente tutto il pezzo trasmette un calore freddo e intenso, .
4) Dente - Beato me: Dente è alla ricerca continua della bellezza semplice tipica del suo padre artistico ideale, Lucio Battisti. In questa canzone rimescola bruscamente gli elementi del pop d'autore e dell'indie-folk per un risultato effervescente e melodioso. Niente male.
5) Cesare Basile - La canzone dei Cani: Cesare Basile quando canta in inglese potrebbe tranquillamente passare per un folk-singer americano, quando canta in italiano invece sembra un pò artificioso. I tratti caratteristici de "La canzone dei cani" non si scostano dalla solita produzione del musicista siciliano: violino, marranzano, batteria polverosa, testo criptico - alla Bob Dylan - e svariate chitarre, ma non gli fa fare brutta figura restando comunque sopra la media nazionale.
6) ... A Toys Orchestra - What I Said: Questo è il gruppo su cui puntare in assoluto per il futuro che merita veramente l'attenzione generale. Gli ... A Toys Orchestra regalano questa canzone formidabile da assaporarsi nella dormiveglia, con quella chitarra che sembra suonare un' aria che udivi nella culla da bambino, una dolcissima e lieve ninna nanna.
7) Reverendo - California: Acoltando questa compilation non mancano certo le soprese e "California" di Reverendo è una di questa. Fra la psichedelia pop di Beck e gli umori fuzz del garage rock per un prodotto che sa di cantautoto lisergico. Il ritornello è qualcosa di unico. Un altro segno positivo dell'Italia sotterranea.
8) Calibro 35 - L'uomo dagli occhi di ghiaccio: Quando in Italia esistono le menti (e i musicisti) per creare un gruppo simile non si può dire di essere alla deriva culturale. La rivincita dei polizieschi anni '70 e dei maestri che li sonorizzavano: un pezzo acid-rock che ci riporta indietro con gli anni, quando i cinema erano invasi da una coltre di fumo e i suoni degli strumenti non erano ancora diventati stereotipati.
9) Il Teatro degli Orrori - Refusenik: Anche qui mi trovo un poco interdetto: è una canzone buona ma potrebbe essere meglio. Se le classificazioni hanno un senso il pezzo è più stoner che post-punk, non si tratta del vecchio e caro Teatro degli Orrori, ora è più "piallato" e scevro di ambizioni. E' questo il futuro del gruppo che ha cambiato le carte in tavola in Italia nel 2007?
10) Roberto Angelini - Tempo e pace: Il "Gattomatto" è un triste capitolo del passato e ora Roberto Angelini vuole percorrere la strada della redenzione riprendendo il songwriting dei defunti Nick Drake e Elliot Smith riuscendoci pienamente. Quanta leggerezza nel falsetto e negli archi, quanta maestria nella chitarra acustica e quanta dirompente potenza nello stacco rock che frusta l'orchestrazione. E' tornato dall'inferno del pop commerciale ed più virtuoso che mai.
11) Beatrice Antolini - Venetian hautboy: Questa giovane ragazza non vuole fare altro che del sano psycho-pop - e chi glielo vuole impedire se il risultato è così buono. Suona tutto da se, se lo canta e se lo produce. "Venetian Hautboy" è una canzone simpatica e irriverente. Non c'è veramente niente da ribadire. Brava...
12) Zu - Maledetto sedicesimo: Gli Zu sono una delle migliori band al mondo e di questo sono fortemente convinto. Possono fare male se non ci si è abituati ma non è che noise, è naturale. Si stanno allontanando dal jazz-core per abbracciare un post-rock molto matematico, e lo fanno perchè gli Zu possono permettersi di tutto (dimostrandolo nei side project e nelle collaborazioni), come offrire il pezzo più contorto e ctonio di tutta la compilation.
13) The Zen Circus - Gente di merda: Non è un vero e proprio pezzo, sembra più l'unione di strofe recitate su slide di chitarra, rullate e finale rumoroso. Non c'è a dire il vero molto su cui parlare apparte una considerazione: hanno rotto un pò il cazzo a fare tanto i moralisti.
14) Marco Iacampo - Che bella carovana: Mmm... Questo invece non convince molto, è una canzone folk-pop che al contrario di tutte le altre del disco non ha niente che si possa dire alternative. Questo non sarebbe un problema se Marco Iacampo non fosse circondato da artisti che gareggiano per essere originali. Forse questo è un pregio, una qualità distintiva che però da sola non può rendere una canzone migliore. Niente male le parole dell'ultima strofa.
15) Mariposa - Le cose come stanno: Ecco una canzone sulle cose come stanno, stanno male ma non lo danno a vedere, sono incrinate ma continuano ad andare e "se tornano poi se ne vanno". Questo pop sbiadito e psichico dei Mariposa è magico ed elegante, trasmettono lo stesso sapore dei Beatles del Sergente Pepe frizionato con la retorica ironica all'italiana. Un altro colpo messo a segno in questa compilation.
16) Settlefish - Catastrophy liars: I Settlefish in Italia sono il gruppo indierock per antonomasia, di quello che viene tanto importato dall'estero con gruppi come Bloc Party, Snow Patrol e Artic Monkeys per citare i più famosi, e devo dire che sono piacevolemente stupito nel vederli qui. Dal mio canto i Settlefish li gradisco più dal vivo che su disco, ma "Catastrophy liars" è comunque un bel brano, come non apprezzare la parte conclusiva con il cambio di ritmo e l'assolo garage.
17) Disco Drive - The giant: I Disco drive fanno i salti mortali per non farsi etichettare, ma non sempre gioca a loro favore, e poi non so perchè mi ricordano in ogni cosa che fanno i Blur. Anche con "The giant" che è troppo breve e troppo diluita per capirci qualcosa. Vale anche per loro il discorso live dei Settlefish.
18) Marta sui Tubi - Mercoledì: Marta sui Tubi più folk che mai! Sembra a tratti una suonata bluegrass oppure i Raconteurs nei loro momenti più rurali. Mi piace pensare che se solo ci fossero in Italia più persone piene di qualità come questo trio siciliano non si perderebbe tempo a piangere sulle crisi e sui talenti sprecati.
19) Amerigo Verardi + Marco Ancona - Mano nella mano: Se c'è un elemento ricorrente in questa compilation è di certo la sensazione di folk song che riveste e guarnisce molte delle canzoni, vale anche per "Mano nella mano" di questo duo niente male che si merita a pieno diritto l'ultimo posto (quello migliore insieme al primo per una compilation). C'è una delicatezza nel lap-steel e nelle voci gentili accarezzate dagli echi tali da commuovere e il testo - che sarebbe tristissimo - trascorre leggero come una fila di foglie mosse dal vento. Amerigo Verardi + Marco Ancone regalano la perla finale di questa preziosa collana.

Tra la demagogia e il mecenatismo, Manuelli Agnelli e compagnia non hanno che invitato alcuni dei loro amici a prestare qualcosa che magari era lo scarto del disco appena uscito o in uscita."Il paese è reale" è una compilation composta di (alcune) belle canzoni ed il prezzo di vendita è veramente irrisorio, probabilmente già da adesso questo disco rappresenta la miglior compilation di tutto il 2009, ma si nota, ascoltandolo da principio a fine, come la scelta non abbia un preciso filo logico, si sente il peso di ispirazioni troppo distanti e le canzoni sono quasi tutte "brevi", con troppe riserve e allora i vari gruppi vanno ascoltati e considerati a se stanti; inoltre dispiace sentire la mancanza di certi generi musicali come il rap o la musica elettronica.
Che il paese abbia bisogno di punti di riferimento è importante e questo disco praticamente ci riesce, ma la deriva peggiore in cui si può finire è che si perda il contatto di cosa è veramente "reale" e disperdere ogni energia consumata.

AG

ps: Enrico Gabrielli vince il premio con il maggior numero di presenze.

Proiettili Buoni

2009-02-18T23:31:00.003+01:00

C'era una volta nella Firenze degli anni novanta un giovane ragazzo dal padre napoletano e dalla madre svedese a cui piaceva cantare e suonare tanti strumenti, fare il turnista e presenziare fra i gruppi indipendenti dell'epoca, arrivando persino a suonare la batteria dentro i dischi dei CSI. Dopo tanti anni quel ragazzo, chiamato Marco Parente, è diventato un musicista maturo i cui dischi sembrano riscuotere buoni successi dalla critica e che riesce a sfoggiare con eleganza la veste del cantautore.
A poca distanza dal suo ultimo progetto "Neve Ridens" e a tanti anni dal suo esordio "Eppur non basta", Marco Parente tira fuori un nuovo capitolo che rievoca le sua gesta giovanili quando era culo e camicia con altri ragazzi pieni di vitalità e di speranza nel futuro; si tratta dei Proiettili Buoni, cioè quella produzione di canzoni della fine anni novanta del cantautore in compagnia dell'allora sottovalutato Paolo Benvegnù e dei compagni di avventure Andrea Franchi e Gionni Dall'Orto. Un ante-supergruppo, insomma.
Dopo tanti anni i Proiettli Buoni si sono ripresentati con una serie di show all'inizio del 2008 in giro per la penisola ed pubblicando sul relativo myspace quei vecchi brani rimasti inediti fino a quel momento.
La tournee si è conclusa a Febbraio presso il Viper Theatre di Firenze - a cui ero presente - un concerto che poi è stato registrato e stampato sul disco che uscito a fine 2008 per l'etichetta Black Candy. A dire il vero sul disco sono presenti anche registrazioni delle prove fatte il giorno prima del concerto, senza sovraincisioni comunque, e complessivamente risulta compatto ma con qualche incrinatura.
Partono bene i Proiettili Buoni attraverso la title-track, con tinte rock dei lontani anni '90, ma calano di tono immediatamente con "Ragazza1". In questo disco sono molti i tratti di lentezza e dilatazione e pure gli eccessivi alti e bassi di ritmo e di dinamica che rendono l'ascolto un poco faticoso; è troppo facile distrarsi o annoiarsi ("Deserto cammina" ne è l'esempio), ma comunque non è difficile farsi piacere in diverse occasioni (come in "Carne in scatola" o in "Anni in tasca") lo stile germinale del Parenti alle soglie del 2000, stile che si evolverà poi in quella splendida produzione più sperimentale degli anni successivi.
Successioni azzardate di schitarrate pesanti e arpeggi ingenui, falsetti, voci flitrate e riverberi di ogni genere, sono molti i richiami a gruppi come gli U2 o i Radiohead non elettronici; un appunto positivo è dato dall'eleganza del violoncello ospite in "Karma Parenti" e in "Fermo immagine".
I testi sono un fiore all'occhiello, con le numerose citazioni e le proiezioni mentali tipiche del modo di scrivere di Marco Parenti che in più di una volta dimostra la sua originalità.
Se da un lato il concerto dal vivo non era affato male il disco è in fin dei conti un pò pesante e dire che è un disco memorabile sarebbe mentire ruffianamente, perchè di lavori più belli ce ne sono molti altri in giro, ma c'è un qualcosa che rimane dopo ogni ascolto dei Proiettili Buoni, una sedimentazione stratificata di quel senso tanto cercato che altro non è che l'esperienza dell'ascolto stesso.
Il disco in fondo è solo rock - un poco alternativo, non troppo - che sembra più adatto a un sottofondo che ad attirare attenzione, ma la verità è che dentro ad ogni membro del gruppo si cela una qualità fondante e irripetibile, cioè che Parente è un genio del male e una fonte inesauribile di creatività, Franchi è un batterista unico e mirabile, Dall'Orto è un bassista intelligentissimo e Benvegnù... insomma, non è il miglior chitarrista italiano ma comunque sa farsi valere, con il suo impegno infonde un tratto di spessore che rende unico il progetto.
I Proiettili buoni sono dei colpi sparati a salve, sicuri del fatto che non avrebbe fatto male a nessuno ma che il loro rumore sarebbe a lungo riecheggiato fragorosamente nelle teste degli ascoltatori.

AG

Sushi & Casa, Marta Sui Tubi e gli house concert

2009-01-27T16:44:00.014+01:00

Foto rubata meschinamente a www.serenaremondini.it

Ai Marta Sui Tubi piace fare concerti. E' indubbio.
Non si vede tanto spesso un gruppo che da quei cinque o sei anni che sono in giro non ha smesso mai di suonare, alternando registrazioni e tournée in modo serrato e programmatico. Inoltre i Marta Sui Tubi sono indiscutibilmente capaci, eclettici e prolifici, sono fra i più competenti in giro e oltrettutto sono anche simpatici, nel senso che dal vivo riescono a creare quelle situazioni di ilarità e di scherzo scuola Elio E Le Storie Tese che solo pochi gruppi sanno realmente gestire. Perciò se uno ci pensa non c'è niente di strano nel fatto che il gruppo di Marsala sia una delle formazioni più ricercate dai locali e dai festival di tutta Italia e che quindi abbiano la possibilità di fare tante date.
E' uscita da poco la loro ultima fatica in studio "Sushi e Coca", un lavoro ancora più sbalorditivo, pimdalico e stravagante dei precedenti, meno Folk-Punk e più Progressive; questo disco è segnato dall'ingresso di un nuovo membro nel gruppo (un tastierista) ed è stato presentato a fine 2008 in mezzi club della penisola. Invece di continuare con un semplice tour, l'anno nuovo i Marta sui Tubi lo hanno voluto inaugurare con una iniziativa più particolare che si adatta perfettamente al loro stile: gli house concert.
Gli house concert sono quel tipo di show dove c'è qualcuno che mette una casa dove un gruppo viene a suonare e il pubblico, pochi eletti, di solito porta da mangiare e da bere. Niente SIAE, niente ENPALS e tanto calore umano. Non è affatto una cosa innovativa o avanguardista, anche perchè storicamente la musica è nata così, ma grazie al web 2.0 è una pratica tornata in auge e che ha fatto presa su molti gruppi accortisi di quanto sia fondamentale il livello di partecipazione del pubblico nel consumo dei concerti di oggi.
I Marta Sui Tubi quindi si sono presi il mese di Gennaio per condurre in trio una serie di concertini nelle case italiane. Come mezzo di promozione è stato usato il social network Facebook, sul quale si poteva prenotare un posto per le case la cui ubicazione precisa veniva svelata solo il giorno prima del concerto. Io che sono troppo avanti Facebook non ce l'ho ma un house concert l'ho visto lo stesso.
Il concerto che ho potuto vedere si è tenuto in un tipico agriturismo toscano a San Rocco a Pilli in provincia di Siena, uno dei posti più tristi delle campagne senesi, reso particolare dalla mancanza di qualsiasi cosa che possa essere particolare. Aldilà del paese la location non era male. Una di quelle enormi e vecchie fattorie di mattoni ristrutturate per motivi turistici e apparentemente isolata dalla civiltà. L'entrata per l'house concert era segnata da una candelona di citronella, poi qualche rampa di scale fino a sfociare in uno stanzone enorme illuminato prevalentemente da luci naturali, ovunque c'erano mobili in legno, tappeti, cuscini, sedie e poltrone, un tavolo da biliardo e poi un imponente caminetto acceso nel centro della parete più grande della stanza che donava all'ambiente quel tocco irrinunciabile. Atmosfera sfuocata e soffusa dai toni rossi e arancioni, come uno si aspetta e come dovrebbe essere ogni buona suonata fatta in casa.
Il concerto non è cominciato canonicamente all'ora prestabilità, prima c'è stata una buona oretta dove le persone presenti hanno potuto familiarizzare con l' ambientazione e con gli altri, magari salutare qualche amico, e poi anche bere e mangiare ciò che ognuno aveva deciso di portare per mettere in condivisione ( io non ho portato niente perchè sono troppo avanti e anche troppo stronzo).
In tutto il pubblico era di una cinquantina di persone, tante se si pensa al concetto di casa, che pian piano si sono disposte a sedere sui divani o per terra davanti agli strumenti piazzati di fronte al caminetta acceso.
L'apertura del concerto è stata affidata a un caro e vecchio gruppo senese, i Dedalo, che stanno muovendo i primi passi dopo un periodo di inattività. Erano in quattro: due chitarre, batteria e voce femminile. Hanno suonato per una mezzoretta del leggero rock d'autore che di fronte al fuoco del camino è stato un suadente aperitivo in attesa della portata principale composta da tre specialità siciliane.
Quindi è toccato a loro, ai protagonisti odierni dell scena indipendente italiana, che per tutta la serata mentre erano in borghese hanno riso, scherzato e bevuto con le persone presenti e che sono sembrati completamente a loro agio in ogni momento che li ho visti.
In fin dei conti gli house concert per i Marta Sui Tubi non sarebbero poi troppo differenti dai concerti normali. Mancava la piccola drum machine di Giovanni, il cantante, e la batteria di Ivan era più ridotta a due pezzi, ma le colonne portanti del gruppo cioè Carmelo e la sua chitarra, non erano in fin dei conti differenti, ed è per questo che i Marta Sui Tubi in questo spettacolo non sono mancati di nulla - a volte può succedere che gli house concert siano un pò scarni - invece i tre trapanesi erano avvolti da una enfasi maggiore, forse data dal fuoco dietro le loro spalle che li letteralmente liquefatti. Fin dall'inizio è stato chiaro che sarebbe stato un concerto pieno di vigore di balzi di umore, atroce e delicato, diretto e persuasivo, come ogni show dei Marta Sui Tubi.
Hanno suonato un pò di tutto di tutti i dischi, articolando con capacità le canzoni furenti e dinamiche con quelle più intense e dilatate, e, come sempre con i Marta Sui Tubi, non sono mancate delle pause fra le canzoni dotate di pura follia istrionica, di intrattenimento suscitato dalla loro stessa natura di coglionazzi (è l'unico termine che li descrive completamente). Ad ogni concerto questi momenti di recitazione improvvisata si mescolano con le canzoni e le intramezzano scatenando nel pubblico quel sentimento segreto che rende i live diversi dalla musica incisa. Per esempio è impossibile per me descrivere la sensazione di allegria che ti passa per la testa quando i Marta Sui Tubi durante la pausa in mezzo alla canzone "Il giorno del mio compleanno" fanno il verso a Mario Biondi, va semplicemente visto. A metà concerto la cantante dei Dedalo, la brava Berenice, è tornata nel centro della sala per eseguire insieme a Carmelo Pipitone una cover leggiadra dei Beatles (non ho idea di quale canzone).
Il concerto è andato avanti parecchio e in nessun momento è stato momento pesante, anzi si può dire che sia stato ricreativo, corroborante, e tutto il pubblico era certo di avere assistito a qualcosa di irripetible, di avere fissato nella memoria un'esperienza straordinaria, anche perchè sono due gli elementi che caratterizzano tutti i concerti casalinghi, almeno a quelli a cui sono stato, e sono questi che li rendono in un certo senso superiori ai concerti normali: il primo è che una volta che il gruppo ripone gli strumenti semplicemente la serata non finisce lì, ma si va con i presenti ancora avanti a ridere e scherzare, perchè una casa ospitevole non chiude mai e una situazione felice riesce a facilitare le relazioni tra sconosciuti e la segreta logica della fiducia; il secondo elemento, sicuramente il più importante, sta nella sensazione che viene fuori quando sei in mezzo al concerto, magari seduto per terra, ed ascolti incantato i musicisti a pochi passi da te cantando debolmente per non sovrastare sui suoni non amplficati, allora c'è un momento in cui anche molte delle persone lì presenti cantano le canzoni a bassa voce creando un coro sussurrato che sembra distante decine di metri, ed è proprio in quel momento che sembra che la casa del concerto sia diventata un microcosmo autonomo, che si sia sollevata dalle sue fondamenta e abbia preso a fluttuare nell'spazio profondo lasciando le preoccupazioni e i problemi fuori dalla porta, fuori dalla finestra, nel vuoto dell'infinito, e nel pubblico vola un' eterea sensazione, come se tutta l'energia dell'universo fosse racchiusa in quella stanza e fosse destinata rimanerci.

AG

Bachi da Pietra - Tarlo Terzo

2008-12-01T15:22:00.010+01:00

I Bachi da Pietra sono un gruppo formato da due membri, Giambeppe (o Giovanni) Succi e Bruno Dorella, e provengono dalla Sardegna. Per la cronaca, io in Sardegna non ci sono mai stato, ma sento quasi di riuscire a sentirla dal sudore dei dischi di questi due tizi che trascendono con la musica cosa voglia dire vivere nella regione italiana più prossima all'emarginazione sociale.
La storia di questo gruppo inizia con la fine di un altro, i Madrigali Magri, capitanati sempre dal Succi, cantante e chitarrista che pare non riuscire a suonare altro genere che il suo, un rock minimale sull'orlo di esporsi sempre in altri generi: noise, blues, punk, slow-core, kraut, shoegaze, post e la lista continua. Però il risultato è qualcosa di unico, forse in tutto il mondo, e questo mi rende particolarmente orgoglioso quanto consiglio a qualcuno i dischi dei Bachi da Pietra.
I due sardi sono riusciti ad sfoderare un nuovo disco facendo passare appena a un anno dal precendente "Non io", ed anche questa volta in coproduzione con la Wallace Records, etichetta celeberrima del panorama indipendente italiano che si autodefinisce avant-punk.
Si chiama "Tarlo Terzo", un altra opera di rock sfumato, di sprechgesang, di sapore di acido in fondo alla gola e di nero più totale nelle strade deserte non illuminate di notte. E' un viaggio fatto con una macchina scassata che passa per tutti gli angoli nebbiosi della psiche umana, mentre fuori fanno l'autostop viandanti come Tom Waits, Paolo Conte o Lou Reed.
C'è la voce che sussurra il male interiore, c'è la batteria filtrata e ridotta all'osso, c'è la chitarra anomala e sbattuta sugli armonici che fa da contrappunto alle parole maledette, ci sono le descrizioni metafisiche di un immaginario implicito e scomodo. Ci sono tutti gli ingredienti a cui i Bachi da Pietra ci hanno abituato in questi anni e certe canzoni sembrano scritte rispettando rigorosamente questa logica (Seme Nero, Lina, Lui Verrà), mentre qualche altra esce un pò dagli schemi (Mestiere che paghi per fare, I suoi brillanti anni ottanta, FBD). Quando però il disco si avvicina alla conclusione e sembra che non ci siano in fin dei conti sorprese spiazzanti, sale la voglia di togliere l'album pensando di avere già sentito tutto quello che c'era da sentire, ma come un' illusione invece si inserisce "Dal nulla nel nulla", una musica composta da pochissimi suoni e una voce leggera che "canta" parole bellissime. E' questo il momento massimo del disco, l'apice del processo di redenzione (o maledizione) che si insegue per tutto l'ascolto e che ti fa sprofondare nell'oscurità della terra nera dei Bachi da Pietra; poi si torna in superfice (anzi qualche metro più in su, nel solaio per la precisione) con la coda finale che ci ricolloca nelle nostre storie di ordinaria follia.
Arrivati al terzo disco non credo che per i Bachi da Pietra si possa parlare di maturità, se mai questa fosse arrivata sarebbe stato nel primo "Tornare alla terra", è più opportuno semmai parlare di mutamento, di metamorfosi, da baco a tarlo ovviamente E' di certo un'altro stadio della forma che però rappresenta sempre la stessa sostanza nera con cui irrigano i loro dischi dai suoni alle parole, impeccabili come sempre.
Il giudizio finale, quello di valore, per "Tarlo Terzo" è questo: con i Bachi da Pietra non stiamo parlando di Pop, in nessuna delle sue accezzioni, e non stiamo parlando nè di classifiche nè di stellette, in nessun caso. Con loro non si va alla ricerca di profitti o di critiche positive. E' un disco (un gruppo) da congestione, da asma, non certo per tutti i palati, ma per chi non cerca altro questo disco è una perla nera. E dunque godetene.

AG